ビジネス・実用の高評価レビュー

読みやすかった。
共感できることが多かった。
私も後悔しないように、やりたいことをして過ごしたいと思った。

古代中国文明において、社会の発達により王朝が出現するメカニズムと、その社会がいかなる仕組みによって維持され変化していったのかを、一次資料を中心として論理的に解明される過程が面白かった。古代社会における合理性の視点も興味深い。

先生が優しく寄り添ってくれている気がして泣けました。この本をバイブルにしようと思います。繰り返し読みかえしたいです。

生まれたばかりの赤ちゃん片手に、株式投資で1億ためた主婦というキャッチーな触れ込みで、投資系のYoutube番組でおなじみ、ちょる子さんの著書。どういう人なのかずっと気になっていたのだが、やはり書籍ではYoutubeを見ているだけでは知り得ない事が多く書かれており、投資の参考になっただけではなく、大変共感した。

投資スタイルは、テクニカルで基本逆張り、レバレッジを掛け、短期売買でスイングするという感じ。王道はバイ・アンド・ホールドでトレードはしないのが成功への近道と言われる中で、どちらかというと異色ではある。ちょる子さんは、とことん観察し、調べ、細部に気が付き、大胆に行動できるタイプ。だから...続きを読むこそ短期売買の繰り返しでも成功できたのであろう。見ている指標も参考になるものばかりで、例えば自分も最近欠かさずに確認している Fear ＆ Greed Indexなどは、ちょる子さんから学んだもの。適当に投資するのではなく、トレンドとタイミングを見計らい、資金がどこに動いているのかをしっかりと見極める能力は個人投資家ではなかなか身につかない。自分がどういうタイプの投資が得意なのかをしっかりと自分と向き合い、それを研ぎ澄ました結果だろう。この本はチャートの解説もされているが、非常にわかりやすく勉強になった。投資を長くやっている人でも参考になることが多くある。

今何をすべきか、何が自分を向上させてくれるか。より具体的に、そして広範囲に教えてもらい、尚且つやる気にさせてもらいました。元気に、前向きにしてくれる書籍です。読後、前向きになりました。

オモコロチャンネルのファンブック。
2年前ぐらい前から視聴を始めた比較的新参者のオモカスです。150ページもいかないくらいの本でありながらも、その分の内容量が濃くて、一気読みができないレベルで満足度が高い本です。出演メンバーへのインタビュー、オフィスの全体図から、メンバーへの不満、動画キャラ集、いつもの動画のような文句や不満が出てくるインタビューといった他のファンブックでは考えられない内容にオモコロらしさを感じました。
まだあまりほかの動画やラジオなど楽しめるコンテンツは多くあるのでそこも楽しみながら、この読本をより楽しめるようになりたいと思いました。

百年以上前なのに、明治と令和の世の中がなんと似ていること！
この本は明治時代の生きづらさ、敗者への冷たさを見ていくことで、現代社会の「自己責任論」に疑問を投げかけている。歴史学者が今でいう自己責任論の源泉を「通俗道徳」という言葉で発見していたとは知らなかった。
筆者と同じように臆病な人間である私は、本当に何度も頷きながら読んだ。貧困に陥る人は怠けているからじゃない、頑張っていないからじゃない。生まれや運など自分ではどうしようもないことが身に降りかかってきて、穴に落ちてしまう人はたくさんいる。大きな政府を望みます。

1069円

202P

★再読

エル・グレコはゴッホにもピカソにも憧れられてる凄い画家だよな。

パリのジャポニズム時代、日本の美術沢山あるのに、中でも浮世絵だけが特に画家達を魅了したらしいんだけど、凄い分かるんだよね。パリで見る浮世絵は日本で見る浮世絵より謎に魅力的に見える。

ゴッホと言えば星とひまわり

ゴッホがミレーに憧れてたと言うのがミレーの絵を見てもピンと来ない。→ ストイックな牧師でしたから神の恩恵が描かれているミレーの作品世界に惹かれたのだと思います。

ゴッホは日本をユートピアだと思ってたということ？

ゴッホがエミール・ゾラが好きで『居酒屋』愛読してたのアツい

ドラク...続きを読むロワ、ミレー、

モネは理論嫌いなの予想通りだった。あれは文系の絵だと思う。

ゴッホって知れば知る程人間的なものに惹かれるものがある。存在そのものが謎を感じさせて人を惹きつけるアートなんだと思う。

ゴッホって底辺を突き抜けててかっこいいんだよね。例えばダサすぎてかっこいい、馬鹿すぎてかっこいいみたいな

ゴッホってあの絵というか、存在そのものがアートなんだよ

ゴッホってどうしようもない人間過ぎてこっちもどうしていいか分からなくなる感じが逆に心惹かれる

圀府寺 司
（こうでら つかさ、1957年 - ）は日本の西洋美術史学者、大阪大学名誉教授。専攻は西洋美術史／アート・メディア論[1]。大阪府生まれ。北野高校卒業。1980年大阪大学文学部美学科卒業、1981年から88年にアムステルダム大学美術史研究所留学、文学博士号を取得。1988年広島大学総合科学部講師、91年助教授、1997年大阪大学文学部助教授、2001年教授[2]。2004年度にワルシャワ、ユダヤ歴史研究所で活動。2023年定年退任、名誉教授。18歳のときに倉敷市の大原美術館にあった「アルピーユの道」の絵を見てゴッホに感銘を受けたが、それが後にオットー・ヴァッカーによる贋作であると判明したというエピソードがある[3]。


「ファン・ゴッホは生きることの難しい人間であった。その気難しさと真剣さとのゆえに妥協ができず、何をやっても人とぶつかり、何をやっても社会に適応できない。今日画家として世界的な名声を獲得したのは、生まれもった画才のゆえではなく、その生きる難しさのゆえであった。学校にも、画商にも、教会にもなじめず、万策尽き果てた時に残されていたのが「画家」という仕事だった。たったひとつ残された仕事に集中する以外、彼にはもはや生きる道がなかった。他に道がなかったからこそ、絵を描くことだけに懸けられたのである。もし、ファン・ゴッホに天才と呼ぶべきものがあったとすれば、それは決して画才ではなく、生きる難しさに耐え、生きる難しさから学び、極限にまで追い詰められながらも、残された道にすべての力を傾注できるだけの強靭な生命力だったとしか言いようがない。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「しかし、フィンセントはすでに少年時代から扱いにくい子だったようだ。小学校は途中でやめて自宅で家庭教師につき、その後は寄宿学校に入ることになった。中学校も中退している。伯父フィンセントの口ききでグーピル画廊で働かせてもらい、ロンドン支店にも、パリ支店にも勤務させてもらった。英語、フランス語をともに習得し、若い頃から英、独、仏語の文学作品に親しんでいる。学歴は中学中退だが高い教養を身につけ、後に大学の神学部入学を志した時には家庭教師からギリシャ語、ラテン語も習っている。 　画廊での仕事は当初、まずまず順調に思えた。しかし、ロンドン勤務中に下宿の娘ウジェニーに失恋した頃から、仕事がうまく行かなくなる。この頃、父親は弟テオに宛てた手紙でフィンセントについてこう記している。「自分の過ちに眼を開かせようとはしてみた。効き目はあるだろうか。わたしたちはひどく悲しい思いでいる。本当に心労と悲しみとで疲れ果てている」「彼の中にはたくさん風変わりなところがあるが、でも、よいところもたくさんある。神に祈りつづけていよう」」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「ファン・ゴッホはどこにも受け入れてもらえなかった。その高い理想と、激しい気性と、有り余る宗教的情熱のやり場を、現実世界のどこにも見つけることができなかったのである。当時の手紙にはこう記されている。「僕の苦悩は以下のことにほかならない。僕は何をするのがいちばんいいのか、何かの役に立つことができないのだろうか、どうすれば何らかの問題をもっと詳しく、それを深く知ることができるのだろうか。僕がずっと頭を悩ませているのはこのことなのだ」（ 155/ 133） 　しかし、長い失意の日々の末に、ファン・ゴッホは「自分に力がよみがえってくる」のを感じ、「大きな落胆の中で捨ててしまったクレヨンをもう一度取りあげよう。またデッサンを始めよう」と考える。二十七歳にしてはじめて画家になる決心をするのである。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「ファン・ゴッホは宗教を重く引きずったまま画家になった。聖職者になることを断念し、牧師も教会も嫌いになったとはいうものの、生まれて以来ずっと彼を育んできたキリスト教が彼の心から離れるはずもなかった。芸術家となったファン・ゴッホは、彼の内にも外にもある宗教との闘争を余儀なくされる。画家になったといっても今度は美術学校に行くわけでもない。まったくの独学である。オランダ時代は、画家としては基礎の修業時代、人間としては父親の宗教との葛藤の時代であった。 　人間的に見れば、ファン・ゴッホはやや過保護なわがまま息子である。画家になる決心をしたといっても、自分で生計を立てながら苦学するわけでもない。寛容な両親はこの難しい子になんとか落ち着いてもらおうと、おろおろしながら、親戚などに手を回してきた。画家としての最初の年もファン・ゴッホは結局エッテンに住んでいた両親の家に転がり込んでいる。両親にしてみれば、自分たちの目の届くところにいればなんとか助力もできると考えていたのだろう。しかし、その目の届く範囲内でも、事件は起こった。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「田舎暮らしが多かったファン・ゴッホにとって、ハーグは二度にわたってもっとも長く住んだ都市である（オランダ語ではスフラーフェンハーへあるいはデン・ハーグと呼ぶ）。ファン・ゴッホはまず １８６９年に伯父フィンセントが経営するグーピル画廊ハーグ支店に勤め始めてから １８７３年にロンドンに転勤するまでの約四年間、この都市で画廊の店員として働いていた。次にこの町に戻ったのは １８８１年である。エッテンの実家で父親とはげしい喧嘩をしてこの町にやってきた。以後、弟テオからの仕送りで生活と制作を続けていくことになり、 １８８３年までの二年間ここで画家としての修業時代を過ごすことになる。つまりファン・ゴッホはハーグで画廊店員として四年、画家として二年、計六年をすごしている。アムステルダムには牧師になる勉強をしていた一年、ロンドンに二年、パリにも計三年ほどしか住んでいないことを考えても、このハーグという都市がファン・ゴッホにとって大きな意味をもっていたことは想像に難くない。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「「この冬、ぼくはひとりの身ごもった女に出会った。男に捨てられ、その男の子供を宿していた。 　身ごもった女が冬の通りに立たねばならなかった。パン代を稼がねばならなかった。どのようにしてか、分かるよね。 　ぼくはこの女をモデルにして、冬の間ずっとこの女で制作した。十分なモデル代は払ってやれなかったが、それでも彼女分の家賃は払ってやったし、これまでのところ、自分のパンを分け合うことで、ありがたいことに、女とこの子供を飢えと寒さから守ってやれた。女と出会った時に目をとられたのは、女が病んでいることが分かったからだ。ぼくは女を風呂に入れてやり、できるだけ栄養のあるものをとらせたので、ずっと元気になってきた」 （224/ 192） 　ファン・ゴッホは惨めな境遇にあったシーンを見捨てておくことができなかった。そして、年上で、子連れで、身重の娼婦を自分の家に住まわせるという行動に出た。従姉ケーへのストーカー行為の次が娼婦との同棲である。この行動に弟のテオや、両親や知人達はどんなに驚き、眉をひそめたことだろう。もちろん、ファン・ゴッホの「扶養家族」たちの生活費もテオの仕送りの中からまかなわれることになった。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「　線の表現力《悲しみ》についてファン・ゴッホはこう手紙に記している。「去年の夏、君がミレーの大きな木版画《羊飼いの女》を持っていた時、ぼくは思った。たった一本の線でなんと多くのことができるものかと。もちろん、ぼくは一本の輪郭線だけでミレーと同じぐらい多くのことが表現できるなどと言うつもりはない。それでも、この人物像にぼくはいくばくかの情感を込めようと試みた。このデッサンが君の気に入るようだったらと願うばかりだ。（……） 　同封のものはこれまでに描いたデッサンのなかで一番いい人物画だと思う。だから君に送りたいと思ったのだ。これはモデルを前にして描いたものではないが、それでもモデルをもとに描いたようなものなのだ。紙の下に二枚紙を敷いておいたことを知っておいてほしい。そうしてぼくは輪郭線を正確にとらえようと努めた。デッサンを画板からはずすと、輪郭は下の二枚の紙にきれいに型押しされていた。そこでぼくは最初の習作をもとに仕上げたのだ。後のデッサンは最初のデッサンよりもより生き生きしてさえいる」」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「オランダ時代、ファン・ゴッホの色彩は暗い。しかし、油絵を本格的に始めたニューネン時代には、自己流ながら理論書を読み、ドラクロワを研究し、色彩の研究に取り組んでいた。《ジャガイモを食べる人たち》においても、白いところにもほとんど白をそのまま使わずに中間色を使い、全体的に茶褐色や灰色系の暗い色が支配する中に、赤、青、黄などさまざまな色を混ぜ、微妙に色合いを変えて描きあげている。この色合いをファン・ゴッホは「皮をむいていない、まったく泥だらけのジャガイモの色」だといい、また、ミレーの言葉を引きながらこうも記述している。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「ともあれ、低い評価への怒りは、自信のあらわれにちがいない。そして同時に、自信のなさのあらわれでもある。事実、ファン・ゴッホの当時の作品はその程度の質しか持ち合わせていなかった。もし、この年 １８８５年でファン・ゴッホの生涯が終わっていたとすれば、画家フィンセント・ファン・ゴッホの名は、西洋近代美術史はおろか、オランダ近代美術史にすら残っていなかったであろう。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「ファン・ゴッホはなぜ「五十三章」の文字を読めるように書き込んだのだろうか。ファン・ゴッホと父親の関係、当時の状況などから推測すれば、ファン・ゴッホはこの「イザヤ書」の中の「彼」と父親を重ね合わせていたと考えられる。ファン・ゴッホは決して孝行息子とは言えなかった。さんざん父の世話になりながらも、父には反抗しつづけた。父の方はと言えば、学校でも職場でも問題を起こしつづける息子に対し、学校を変え、仕送りをし、親類や知人に頭を下げて息子の世話を頼むといった具合に、まさに、さまざまな「執り成し」をしつづけてきた人である。この「五十三章」の文字を書き込んだ時、ファン・ゴッホはおそらく父を「主の僕」と見なし、その死を悼むという意図を込めていたのだろう。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「「そこで善意をもってして、闇の中に光を投じると言われているような本を探してみても、こちらの志がどれほどまともでも、確実なものはほとんどなく、また必ずしも十分にわれわれに個人的慰めを与えてくれるものがあるわけではない。われわれ文明人を何よりも悩ませている病はメランコリーとペシミズムだ。 　そこで、たとえばぼくのように、何年もの間、笑いが欠乏していた人間は──それがぼくのせいかどうかはともかく──そういう人間は心から笑いたい欲求を特に感じる。ぼくはそれをギ・ド・モーパッサンのなかに見つけた。（……）それとは反対に真実を、あるがままの人生を欲するなら、たとえばド・ゴンクールの『ジェルミニー・ラセルトゥー』や『娼婦エリザ』、ゾラの『生きる歓び』や『居酒屋』、その他多くの傑作がある。彼らは人生をありのままに描くから、人生の真実を語ってほしいというぼくらの欲求を満たしてくれる。 　フランスの自然主義者、ゾラ、フロベール、ギ・ド・モーパッサン、ド・ゴンクール、リシュパン、ドーデやユイスマンスはすばらしい。もし彼らの作品を知らなければ、現代の人間であるとは言えない。（……） 　ぼくらには聖書だけで十分だろうか。 　イエスが現代に生きていたら、メランコリーの状態にいつづける人たちにこう言うだろう。ここではない。立ちて行け。なにゆえ汝死せるもののなかに生けるものを求めるのか、と」 （574/ W 1）」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「ファン・ゴッホにとって父親は師であると同時に敵であり、理解者であると同時に無理解者であり、自分の心身の一部であると同時に、自分の中から排除すべき他者であった。父の死によって、日常生活でうさ晴らしのけんかをする相手を失った今、ファン・ゴッホは彼の心身の一部である「父」と闘うしかなくなった。自分の内部にいて、自分と不可分な敵と果てしない闘いをつづけるしかなくなったことは、ファン・ゴッホの「余生」にこれまで以上の緊張を与えつづけることになる。父の死に接してもあれほど冷徹、冷淡でいられたのは、誰よりもファン・ゴッホ自身がそのことを知っていたからにほかならない。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「この時期、印象派と並んでファン・ゴッホに大きな影響を与えたのが浮世絵である。ファン・ゴッホは画商ビングの屋根裏部屋で大量の浮世絵を研究し、浮世絵の展覧会も開いた。テオとともに浮世絵の委託販売もしていたらしい。ジークフリート・ビングはドイツ、ハンブルク出身のユダヤ系画商である。いち早く開国間もない日本にやって来て、大量の美術品を買い込んでパリで販売し、『藝術の日本』という雑誌を刊行し、「自然を唯一の師とする」日本人をモデルとして、ヨーロッパ工芸の刷新をはかり、やがてメゾン・ド・ラール・ヌヴォーという店を構えて、あのアール・ヌヴォー様式のプロデューサーとなった。 　浮世絵は 19世紀末のヨーロッパの画家たちを魅了した。そのなかにあって、ファン・ゴッホは浮世絵に最も強い関心を示した画家のひとりである。浮世絵の模写をし、肖像画の背景にもいっぱいに浮世絵を描き込んだ。そして、彼の日本の夢はしだいに膨らんでいくことになる。鮮やかな色彩ゆえだろうか、ファン・ゴッホはある時期から南フランスと日本とをだぶらせて考えるようになっていった。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「もちろん、これはあくまで印象派がある程度よりどころにし、批評家が印象派を説明する際に引き合いに出してきた「理論」にすぎず、実際の印象派絵画では混色もされているし、原色ばかりを使うわけでもない。モネが理論嫌いだったこともよく知られている。また、同じような理論が背景にあっても、モネの絵画と、点描画法を用いた新印象派のスーラやシニャックの絵画との間には大きなちがいがある。モネはあくまでうつろいゆく光の戯れとしての視覚的な絵画を目指したが、スーラは、さながら色彩理論の実験のような理知的な方法を用いながら、同時に詩情を感じさせるような絵画を描いていた。同じような色彩理論への関心が背景にあったとしても、実践の仕方はそれぞれの画家で大きく異なったのである。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「どれほど想像力にあふれる芸術家でも、自由自在に新しい形や様式を生み出しつづけることなどできない。必ず自分の属する文化圏で教育を受け、通常はその文化環境の範囲内で進化する。しかし、そこに他の文化圏から「異物」が入り込むと面白い現象が起きる。それまで想像もしなかったような形態、色彩が画家を刺激する。 19世紀末にヨーロッパで日本美術が大流行し、ジャポニスムという現象が起こったのは、それまで鎖国で国外にほとんど出ていなかった日本の美術品が流出しはじめ、その価値と新鮮さを画家たちが発見したからである。この時、流行の主役になったのは浮世絵であった。屛風や掛け軸などの一点ものは数が限られ伝播範囲が限られるが、木版画である浮世絵は大量に同じものが出回り、輸送も簡単なので、伝播能力がきわめて高かった。それだけではない。浮世絵は鎖国下にすでに日本に流入していた西洋画の影響を直接、間接に受けていて、西洋人の受け入れやすいスタイルになっていたし、また、商業芸術としての浮世絵の主題は花魁（すなわち娼婦）、役者（俳優、芸人）、名所図（風景）などであり、 19世紀末西洋で取りあげられる主題にもよく似ていたため、西洋でも受け入れやすかっただろう。それにしても、浮世絵をはじめて目にした画家たちの感覚はどのようなものだっただろうか……。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著


「ベルナールによれば、タンギーは素朴なユートピア的「社会主義者」であり、ファン・ゴッホと共に「幸福の時代」を渇望していたのだという。ファン・ゴッホのアルル時代の手紙からは、彼の頭の中ではタンギーと日本人とが結びついていることがわかる。「ここでぼくはますます日本の画家のように、小市民として自然のただ中に生きていくことになるだろう。そのほうが頽廃的になって悲惨な思いをするよりはましだと君も思うだろう。もしぼくがかなり高齢になるまで生きのびられたら、タンギー爺さんのようになるだろう」 （685/ 540） 　つまり、「日本の画家のように自然のただ中に生きて」、齢を重ねればタンギー爺さんのようになれる、とファン・ゴッホは思っていたことになる。裏を返せば、ファン・ゴッホは日本人がタンギー爺さんのような人物だと想像していたということでもある。ファン・ゴッホとタンギーは素朴な空想的「社会主義者」であり、「幸福の時代」とベルナールが呼ぶユートピアを待ち望んでいた。そして彼らの理想としてのユートピアと日本とは、少なくともファン・ゴッホの中では重なっていたらしい。ファン・ゴッホはただの気まぐれからタンギー爺さんを浮世絵のただ中に描き込んだのではない。浮世絵によって象徴される「日本」は、タンギー爺さんとファン・ゴッホとが共有していたユートピアと重なっていたのである。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「タンギー爺さんのポーズについてもベルナールは興味深い記述を残している。「フィンセントは １８８６年頃、タンギーの肖像を描いた。彼はタンギーを日本の浮世絵が壁に貼られた部屋に座らせ、植木屋の大きな帽子をかぶせ、仏陀のように左右対称の正面観で描いている」。このような正面観は西洋の肖像画では異例なので、あるいはファン・ゴッホは仏像のポーズを意識していたのかもしれない。また、ベルナールが描いたタンギーの肖像でも、ファン・ゴッホが描いた別のタンギーの肖像でも、タンギーは帽子などかぶっていないのに、ここではファン・ゴッホはわざわざ帽子をかぶらせている。ファン・ゴッホにとって日本はタンギー爺さんのユートピアと重なっていたと同時に、「陽光に満ちた」国としての南フランスとも重なっていたことがわかっている。つまり、南仏のように陽光に満ちた国「日本」にふさわしいものとして、この大きな日よけの帽子も描かれたのだろう。《タンギー爺さんの肖像》はただの肖像画ではない。それはタンギー爺さんとファン・ゴッホの共有するユートピアと日本と南仏とが三重に重なりあった肖像画であり、二人が思い描くユートピアと、そのユートピアの住人としての理想的人物像を描き出したものだったのである。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「ファン・ゴッホの《ひまわり》は、絵として上手いとか、美しいとか、そんな基準とは関係なく、何か特別に大きなオーラを発している。他のどの画家の絵とも異なり、ファン・ゴッホの他のどの作品とも異なる。役者にたとえれば、特に演技がうまいわけでも、二枚目でもないのに、主役をはれる何か、余人をもって代えがたい何かをもっている。だからこそ、《モナ・リザ》などと並んで、世界でもっとも有名な絵画のひとつになったのだろう。では、その「何か」とはいったい何なのだろうか。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著


「居酒屋の闇の力」（la puissance des ténèbres d'un assommoir）という言葉には意外な、そして豊かな含意がある。「居酒屋」（assommoir）という語は、ゾラの有名な小説のタイトルと同じである。ゾラはファン・ゴッホが愛読していた作家であり、もちろん『居酒屋』も読んでいた。手紙を受け取ったテオも、この言葉がゾラの小説のタイトルであることに気づいただろう。また、「闇の力」もある文学作品のタイトルと同じなのである。ゾラの『居酒屋』ほど有名ではないが、「闇の力」はトルストイの戯曲のフランス語訳のタイトルである。このフランス語訳はファン・ゴッホのパリ時代にあたる１８８７年に出版され、さらに、翌１８８８年２月10日と17日、ファン・ゴッホがアルルに発つすこし前に、パリのテアトル・リーブル（自由劇場）で上演されていた。ファン・ゴッホがこの上演を見たかどうかはわかっていないが、彼はシニャックらとともにこのテアトル・リーブルに作品を展示していたこともある。当時のフランスではロシア文学が流行していて、ファン・ゴッホもトルストイやドストエフスキーの作品をフランス語で読んでいたことがわかっている。また、ファン・ゴッホは後の手紙にテアトル・リーブルがロシアもので成功したことも記している。 　このような状況を考えれば、ファン・ゴッホとテオが、このトルストイの戯曲の上演を一緒に見ていた可能性すらある。もしテオがこの戯曲または上演を知っていれば、手紙の記述を読んだテオは「居酒屋の闇の力」という言葉から、その豊かな文学的連想を読み取っていただろう。『居酒屋』で主人公ジェルヴェーズの堕落を象徴する場は「コロンブ親爺の居酒屋」であり、『闇の力』で、どろどろした親族間の争いの中で殺人に手を染めていくニキータが酔いつぶれるのは、やはり居酒屋なのだ。 　ファン・ゴッホがこの絵を描いた時、彼の脳裏にはおそらくこれらの居酒屋のイメージがあったのだろう。そして、「居酒屋の闇の力」という言葉を読んだテオも、「人が身を持ち崩し、おかしくなり、罪を犯しかねない場所」がどのような場所なのかを、その文学的連想と記憶から、鮮明な具体的イメージとして思い描けたにちがいない。

「「日本美術を研究すると、明らかに賢く哲学的で、知的な人物に出会う。その人物は何をして時を過ごしているのだろうか。地球と月の距離を研究しているのか。違う。ビスマルクの政策を研究しているのか。いや、違う。その人はただ一本の草の芽を研究している。しかし、この草の芽がやがて彼にありとあらゆる植物を、ついで四季を、自然の大景観を、最後に動物、そして人物を描かせるようになる。彼はそのようにして生涯を過ごすが、人生はそれらすべてを描きつくすにはあまりに短い。 　どうかね。まるで自分自身が花であるかのように自然の中に生きる。こんなに単純な日本人が教えてくれるものこそ、真の宗教ではないだろうか」 （686/ 542）「日本の芸術家たちがお互いに作品を交換していたことにぼくはずいぶん前から心を打たれてきた。これは彼らが愛し合い、支え合い、彼らの間はある種の調和が支配していたということの証拠だ。もちろん彼らはまさしく兄弟のような自然な生活をしていたのであり、陰謀の中で生きたのではない。その点、彼らを見習えば、それだけぼくらもよくなるのだ。また、これらの日本人はわずかな金しか稼がず、素朴な労働者として生活をしていたようだ」」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「12月 23日の夜、ファン・ゴッホは自分の左耳を剃刀で切り取って、その肉片をラシェルという娼婦のもとに持っていき「これを大事に持っておいてくれ」と手渡したという。翌朝、ファン・ゴッホは自宅で瀕死の状態でいるところを警察に発見された。この事件については異説もあり、真相は定かではないが精神疾患の発作を起こしていたのはまちがいない。発作の引き金になったのは、ゴーガンがアルルを去る意思を伝えたことか、あるいは、テオの結婚の知らせであったかもしれない。なぜこんなことをしたのかと医師に問われた時、ファン・ゴッホ自身は「それは個人的な事情だから」と言って明言を避けたという。身の危険を感じたゴーガンは事件後すぐにアルルを去っている。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「夢破れたあとの傷が癒えることはなかった。あのクリスマス前に襲って来た発作の悪魔は、その後も繰り返しファン・ゴッホを襲った。「耳切り事件」に怯えたアルルの住民は、この「危険」なオランダ人画家を隔離するよう市長に嘆願書を出していた。ファン・ゴッホはアルルの地を後にする決意をし、サン ＝レミの療養院に入ることになった。医師の監視下で治療をつづけるものの、発作は断続的に襲って来た。宗教的幻覚、幻聴をともない、時にはファン・ゴッホにチューブの絵具を喰わせることにもなったともいう。 　しかし、発作の合間に絵を描く時のファン・ゴッホの頭脳は明晰で、作品の質も落ちない。落ちないどころか、さらに迫力を増してさえいった。そこにはあのアルル時代の静穏で瑞々しい色彩の美しさはない。画面からはひまわりも恋人達も姿を消し、浮世絵のような平坦で鮮やかな色面は、激しくうねるような筆触の海に変わった。しかし、激しい筆触といっても、感情にまかせて塗りたくったようなものではない。綿密に考え抜かれ、ていねいにカンヴァスの上に置かれた。手紙の文章にも乱れはなく、カンヴァスや絵具の選択も冷静に行われた。ただ、発作の悪魔は去ってくれなかった。ファン・ゴッホは約一年間このサン ＝レミの療養院にいたが、病気は完治しない。病名については、統合失調症、てんかん、性病、アルコール中毒から緑内障、メニエール病まで、さまざまな診断がこれまでされてきたが、今なお診断が分かれていて確定しない。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「　《星月夜》 　星空「それでもやはり、ぼくには、なんというか、宗教とでも言うべきものがどうしても必要だと感じる。そんな時、ぼくは夜、星を描きに外に出る」 （691/ 543）《ローヌ河畔の星空》を描いた頃にアルルで書かれた手紙の一節である。「宗教」という言葉を使うのはためらっているが、ファン・ゴッホのユートピアの夢の最中、彼の心が「宗教」からいちばん遠いところにあったように思える時期にあっても、星空は宗教、神を思わせた。それは、アムステルダムで神学を志していた頃の次のような手紙と何も変わらない。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「サン ＝レミ時代のファン・ゴッホの特徴は、レプリカを多く制作したことと、版画や複製をもとに油彩で模写を描いたことである。頻繁に発作が襲ってくる状況で、ファン・ゴッホは戸外で制作することを制限された。室内で描くといっても療養院ではモデルの数にも限界がある。そこで、ファン・ゴッホはテオから版画や複製画を送ってもらい、それらを油彩で模写するという方法を思いついた。模写といっても、もとが白黒の版画や複製だから、もともと白黒である。色のない作品を、色彩を使って模写するのである。このような模写をファン・ゴッホは「翻訳」と呼んでいる。模写にはちがいないが、描き方を学ぶための模写ではなく、色彩による翻訳作品として、これら自体、十分に芸術的価値をそなえている。そのなかでも《ラザロの復活》は原作に色彩を加えただけでなく、構図自体も大きく変え、そこに個人的な意味も込めたという意味で、ほとんどオリジナルの作品だと言ってよいだろう。 　このようにしてファン・ゴッホは、ミレー、ドーミエ、レンブラント、ドラクロワなどの版画や複製から油彩画を描いていった。世俗の主題のものもあるが、宗教的主題も少なくない。ファン・ゴッホは結局、自分自身で宗教的主題を描いた作品は一点も残さなかったが、模写という形では何点かの宗教的主題を描いている。「宗教」が頭をもたげ、幻覚にも現れるようになったサン ＝レミ時代、ファン・ゴッホは宗教的主題を描くためのいわば口実、あるいは唯一許せる手段として、「模写・翻訳」を選んだのかもしれない。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「　 １８９０年７月 ６日、日曜日、ファン・ゴッホはパリに住む弟一家を訪問した。生後まだ五ヶ月の赤ん坊はその前何日間か病気で苦しんでいたらしいが、テオは前日の手紙で、ロバの乳のおかげでずいぶんよくなったので、訪問は延期しなくてよいと兄に伝えている。ヨーの回想によれば、ファン・ゴッホはパリで自分について評論を書いてくれたアルベール・オーリエと会って、一緒に作品を見ながら話した。トゥールーズ ＝ロートレックも訪ねてきてくれて昼食を共にし、「階段のところで出くわした葬儀屋のことで大笑いをしていた」という。しかし、ヨーによると「わたしたちは子供の重い病気で疲れきっていた。テオはグーピルをやめて自分で商売を始めようというかつての計画を思案中だった。フィンセントは絵を掛けてある場所が不満だった。そして、わたしたちがもっと大きな家に引っ越すという話が持ち上がっていた。そういうわけで、いろいろと心配や苦労が重なっていた日々だった」。ロートレックとファン・ゴッホが馬鹿話で大笑いしたという場面だけはほほえましいが、それ以外は、ヨーは子供の看病疲れ、テオの独立の話は要するに家計が大変だからということ、引っ越しもファン・ゴッホが自分の絵をもっといい場所に掛けろと言ったからで、ファン・ゴッホは決して気持ちよくオーヴェールには帰れなかったのだろう。ファン・ゴッホが亡くなった頃、オランダにいたヨーがテオに宛てた手紙が残されている。テオはファン・ゴッホが銃弾を腹部に受けたことはヨーに伝えず、「ひどい病気」だと知らせていた。その「病気」がどうなったのか心配しているヨーは手紙にこう記している。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「ファン・ゴッホを他のどの画家とも違う特別な存在にしているのは、その才能でもなければ、「耳切り事件」や「自殺」でもない。彼以上に才能のある画家など山ほどいるし、自殺した画家も少なくはない。ファン・ゴッホを特別な存在にしているもの、それは彼の手紙である。 　現存するファン・ゴッホの手紙は弟テオ宛が六百通以上、画家ファン・ラッパルト、ベルナール、妹ウィルなどに宛てたものも合わせると八百通近くになる。また、ファン・ゴッホに宛てた手紙で現存するものも合わせると全部で約九百通にのぼる。重要なのは数だけではない。ひとつひとつの手紙は長く、内容も濃密だ。人生に起こった出来事、作品についての考えなどが詳細に綴られている。 　もしファン・ゴッホの手紙が一通も現存しなかったとしよう。わたしたちはこの画家が何を考えてひまわりや農民や星空を描き、日本について何を思い、家族や友人、知人たちとどう付き合ったかといったことについて何も知ることができない。ある自画像が日本の僧侶として描かれていることもまったく知られないまま、ただ奇妙な顔をした自画像として的外れな解釈をされていたかも知れない。 　ただ、美術史家の扱う資料として重要だと言うのではない。およそ一人の画家、いや一人の人間についてこれほど濃密な情報がえられる資料が残っていること自体、ほとんど奇跡に近い。かりに数千年後、「芸術」などという言葉は消え、「絵画」でさえ完全に過去のものになっていても、ファン・ゴッホの手紙が残れば、数千年前に「芸術家」、「画家」という人種がいて、それがどのような人間だったのか、どのような「生き方」だったのかを未来の人間は実感することができるだろう。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

「最初のファン・ゴッホ書簡全集はヨーが編纂して １９１４年に刊行された。その後版を重ね、翻訳も数多くされてきた。日本語訳全集も １９６９年から 70年にかけて刊行されている。ファン・ゴッホに関する伝記、小説、伝記映画など、あらゆる書物と映像作品はこの書簡集をベースに作られてきた。 　 ２００９年秋に、この書簡全集の改訂版が出た。改訂版というよりはもうほとんど決定版といってよい。ファン・ゴッホ美術館が十五年という気の遠くなるような歳月をかけて準備した決定版の書簡全集である。そのプロジェクトがスタートした時のことはよく覚えている。ファン・ゴッホ美術館が新書簡全集刊行のために専任のスタッフを二人雇ったと館員から聞いた。二人は書簡全集の仕事だけをする専任スタッフである。この二人を美術館は十五年間雇いつづけ、途中からはさらに一人加えて三人になった。刊行の前年、いよいよ来年辺りに刊行できそうだ、という話を聞いて、ファン・ゴッホ美術館に行ったおりに、編集者の一人ハンス・ライテンにその内容を見せてもらった。その完成度の高さに啞然とした。」

—『ファン・ゴッホ　日本の夢に懸けた画家 (角川ソフィア文庫)』圀府寺 司著

ドラマと漫画と現実の話がだんだんとつながってきて面白かった。

坂谷と大八木が作るそれぞれの物語が、三年前の出来事だからこその内容ズレなどがあり、それがすごいリアルでよかった。

最後、それをお互いに言い合って、仲直りしてそしてスマホを叩き割るのは面白かった。

読んでいくうち、いろんな謎が解けていくのもすごい面白かった。

さすが、岸田國士戯曲賞取るだけあるなって思った。

概念の捉え方
本質: 発達障害は生まれつきの脳の特性（偏り）であり、それ自体を悲観して二次障害を起こすことの方が問題。

グラデーション: 特性や困りごとは千差万別。有名人の成功例を鵜呑みにせず、十把一絡げな対策は無効であると認識する。

診断の曖昧さ: 診断自体も医師や心理士の力量に左右される側面がある。

2. 職業生活におけるキャリア形成
特性との付き合い方: 無理に克服しようとせず、ツールや周囲の協力を活用する「工夫」を重ねる。

自己理解と発信: 自身の苦手な場面や必要な配慮をマニュアル化し、周囲に説明できるようにしておくことが重要。

キャリアの積み方: 完璧を目指さず、周囲と協力...続きを読むしながら長期的な視点で働き方を模索する。

ステレオタイプの排除: 「発達障害＝この仕事が向いている」という決めつけは避け、個々のやりたいことや目指す未来を丁寧に探る。

3. 日常生活での工夫
環境調整: デジタル耳栓やイヤーマフ、音楽でのマスキングなど、集中しやすい環境を能動的にコントロールする。

コミュニケーションの工夫: 記憶に頼らず、ツール（LINE等）を活用して記録を残すことで、生活上のトラブルを未然に防ぐ。

4. まとめ：今後のスタンス
自己コントロール: 「完璧な仕事選び」は存在しないという前提に立ち、曖昧で適当な世の中でどう動くか、という「自分がコントロール可能な部分」に集中する。

カスタマイズの実践: 紹介されたテクニックをそのまま真似るのではなく、自分なりにアレンジする。

自己理解と行動: 自分の特性を知った上で、困りごとに対して無理のない範囲で対策を試し続けることが、生きやすさにつながる。

この本を通じてこのアプリに出会いました！
このアプリと併用して本を読むことを毎日少しずつでもいいから習慣化して続けていきたいと思います。
今まで何度か読書の習慣化に挑戦してきたけど失敗ばかりしていました。しかし、この本に出会って考え方が変わったというか、少し楽になったように感じます。
まずは、自分の意志の弱さを自覚し、意志の力に頼らず、完璧主義を捨て、環境の力で人生を変えていく。
そうやって、頑張らなくても自然と本を手にとって読んでいる。そんな姿が当たり前になることを目指して日々精進して参ります。

★再読

836円

印象派が猿の落書き、猫のピアノ演奏って言われてたの草

フェルメール、レンブラント、

西岡 文彦
（にしおか ふみひこ、1952年 - ）は、日本の版画家、多摩美術大学教授。山口県生まれ。1971年神奈川県立川崎高等学校卒業。版画家森義利に師事。1977年、日本版画協会展新人賞。1978年、国展新人賞受賞。雑誌「遊」（工作舎）の装画を機に、出版分野でも活動。著書も多い。1996年、多摩美術大学講師。2003年造形表現学部デザイン学科助教授、2007年准教授、2009年教授。

「権力のプレゼンテーションとしての美術 　ちなみに、ニーズということでいえば、宗教改革以前の美...続きを読む術の最大の需要は、プロテスタントが破壊した宗教美術に代表されるプレゼンテーション機能にあった。教会を飾る絵画彫刻やステンドグラスは、神の権威と教会の権力をプレゼンテーションするために制作されたものであり、教会と並ぶ美術のスポンサーであった王室にとっても、宮殿を飾る美術は王の権威と権力をプレゼンテーションするためのものであった。 　中世以来ヨーロッパには日本の士農工商にあたる「祈る人・戦う人・働く人」という身分概念があり、祈る人つまり聖職者は神の王国の代理人として、働く人つまり労働者が生産する食糧や物資に依存しており、戦う人つまり貴族は地上の王国の守護者としてこれもまた労働者に依存し搾取するという構造によって社会が成立していた。 　したがって、教会と王室が支配を維持するためには、教会は「祈る」力により人々の平安を保証しており、王室は「戦う」力により人々の安全を保証しているということをプレゼンテーションする必要があり、労働者の大半が文字を読めなかった当時は、絵画彫刻といったビジュアル表現がそうしたプレゼンテーションには最適だったのである。映画やビデオは無論のこと、カラー印刷の技術すらなかった当時、こうしたビジュアルな表現が与えるインパクトは私たちの想像をはるかに超えていたからである。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「かくして既製品の展示販売という今日の美術市場のビジネス・モデルが誕生することになったのだが、新たな市場は新たな顧客のニーズを満たす新たな商品なくしては成立しない。市民という新しい購買層に買ってもらうためには、それまで教会や王室のプレゼンテーション・ツールであった美術品は、市民の生活空間を飾るにふさわしい新しい商品へと変容しなくてはならなかったのである。 　それまでも美術工房が副業として既製品を販売することはあったが、キリストや聖母の像のように安定した需要を見込める作品に限られていた。が、そうした聖像類は宗教改革で販売できなくなっていたので、売る側は、市民顧客の安定した需要が期待でき、なおかつ宗教性のない美術品の開発を迫られることになった。 　こうして誕生したのが、静物画や風景画という新種の絵画であった。それは、従来は脇役に過ぎなかった題材を画面の主役にするという、いわば逆転の発想から生まれた新たな戦略の賜物だったのである。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「　十七世紀のオランダで誕生した静物画や風景画は、従来は小道具や大道具といった脇役に過ぎなかった題材を画面の主役に抜擢した新しい絵画だったのである。新たな美術の市場の顧客となった市民もまた、従来はいわば社会の脇役だった人々である。共和制により社会の主役となった彼らを顧客とする新たな美術市場で、静物や風景を描いた絵画がヒット商品となったのは当然の結果であった。 　西洋の風景画といえば風車がつきものとなっているのも、もともと風景画がオランダで誕生したからである。二世紀ほど後、画家を志してオランダからパリに出たゴッホもモンマルトルの風車を描いている。望郷の念もあったかも知れないが、やはり風景画といえば風車が「絵になる」から描いたのであろう。モンマルトルの風車が小麦粉の製粉に用いられていたのに対して、オランダの風車は低地の水を汲み上げ農地とするために十四世紀に開発されている。教会や王室を飾っていた絵画が市民の家庭を飾り始めると共に、画面に日々の生活を支える風物が登場するのはごく自然なことであった。 　神の世界でもなければ王の世界でもない市民の生活世界を描いて新たな市場を開いた風景画や静物画や風俗画は、人々の眼を彼ら自身の暮らす現実に向けさせ、その現実が教会や王室の美術に描かれた美にもまさる美しさを宿していることを、画面を通して示してみせたのである。それは、生活感にあふれる画面を介して人々に、美とは彼ら自身が生きる現実の中にこそあることを説いた、まったく新しい美術だったのである。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「家政婦が絵画の主人公になった理由 　フェルメールの代表作『牛乳を注ぐ女』（ １６５９）は、数あるヨーロッパ名画の中でも生活感を強調した作品として知られている。迫真の写実技術で描かれた家政婦は、見る者をその存在感で圧倒するが、当時のヨーロッパ絵画で家政婦を画面の主役にしたのはオランダ絵画のみであった。なかでもフェルメールの生地デルフトは、オランダで最初に家政婦を絵画に描いた都市として知られている。 　当時オランダでは家政は国政の礎とされていたことから、家政を支える家政婦の社会的地位も高く、当時この国を訪れた他国の旅行者は、家政婦が家庭内で強い権限を持っていることに驚いている。とりわけデルフトはビールの醸造で繁栄しており、醸造の工程に必須の清潔な環境づくりに街ぐるみで取り組んでいたため、家政婦は街を清潔に保つには欠かせない職業人として敬意を払われていた。デルフトの画家がヨーロッパで最初に家政婦を絵画の主人公にしたのはそのためである。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「当時は共和国だったオランダは、家庭を尊重し結婚と育児に道徳的な意義を見出していたことで知られ、従来は初等教育を一手に引き受けていた修道院を解体して、家庭と私塾を子供の教育の場としている。聖書の精神に戻れとのモットーに基づき自国語の聖書を出版、聖職者しか読めなかった従来のラテン語訳聖書に替わり一般市民でも読める聖書を普及させ、公費負担で読み書き教育を奨励することで、識字率を当時のヨーロッパ諸国では抜きん出た水準にまで向上させている。 　良き伴侶を得て聡明な子供を育て、経済活動は夫が負担し、家事労働は主婦が分担して、夫婦共同で健全で教育的な家庭環境を築くことに、宗教的にも高い意義が見出されていたのが当時のオランダであり、世界貿易により急速に潤い始めた国情から、仕事で家を空けがちな夫を妻が支えて家業を繁栄させることが、国家の繁栄につながると考えられたのである。オランダでは、家事労働の評価や女性の社会的な地位も、他の国よりはるかに高かった。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「真珠の耳飾りの少女の正体 　フェルメールの『牛乳を注ぐ女』と並ぶ代表作『真珠の耳飾りの少女』（ １６６５頃）のモデルについては、画家の恋人説から家政婦説までさまざまな憶測がされているが、おそらくこの作品は当時きわめて需要の多かった「トローニー tronie」という不特定人物の顔を描く作品として制作されたと思われる。 　トローニーはオランダ語で「顔」を指す語から出た名称であり、本来は個性的で特異な顔を描いた絵画を指しており、ルネサンス後期から習作も兼ねて描かれ始め、大作を制作する工房ではあらかじめ画家が多数のトローニーを準備しておき、大画面の背景の人物を弟子達が描く際の見本に使用していたという。 　映画で無名の群衆を演じるエキストラのようなものであり、かつて小道具だった静物や大道具だった風景を描く絵画が売れ始めたのと同じ理屈で、かつてエキストラだった無名の顔を描く絵画が、市民市場の確立により一躍人気商品となったわけである。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「レンブラントの工房でも需要に応え大量のトローニーが描かれたという記録が残っており、フェルメールの描く人物も基本的にはトローニーである。注文で描かれる肖像画と違って既製品として販売される市民絵画では、画面の人物には誰もが感情移入できるような無名性というものが求められるからである。 　誰もが自分を投影できるような標準的な人物像か、街でふと見かけた魅力的な異性を思わせる見知らぬ美女ないしは美男以外は、既製品としての絵画には描かれにくいわけで、実際のところ現代なお人物画の大半にはこの種の人物像しか描かれていない。 　おそらく『真珠の耳飾りの少女』も、そうした趣旨で描かれたトローニーであろう。青いターバンは中東からの舶来品を思わせる架空のデザインであり、襟高の衣はオランダの貿易商が長崎の出島を訪れた際に幕府から贈られた打掛がオランダで評判となったことから高級室内着として流行していた日本風のデザインのローブである。特大の真珠は、これも高価な輸入品とも見えるが、当時開発されて大人気となっていたガラス球の内側に蠟と魚の鱗の粉末を塗ったフェイクとも考えられる。いずれにしても好景気に沸くオランダならではの当世風のヒロイン像であることは間違いがない。 　アクセサリーとファッションにゴージャスな趣向を凝らした出で立ちは、画家が恋人や家政婦といった個人的に関係のある女性を描いた肖像画というよりは、高級感のあるトローニーとして描かれた可能性の方が高いように思われる。 　世界貿易で得たオランダの富を象徴するかのようにワールド・ワイドなファッションに身を包む当世流行の画種トローニーとして描かれた、十七世紀オランダのバブル経済を反映する市民絵画の白眉と見るべき作品であろう。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「が、写真技術が登場する以前に人々が絵画に期待していた手法といえばもっぱら写実描写のみであった。写真のない時代における絵画は、今日の私たちが写真に求める画像による記録という機能を果たし得る唯一の技術であり、したがって写実を拒否した絵画などは絵画と見なされなかったのである。当時のオランダの画家が他の画家との差別化のために「手法」ではなく「題材」の独自性を探求したのはそのためであり、その結果オランダ絵画は極端なまでの専門分化を遂げることになる。 　風景画は自然の風景と都市の景観に専門が分かれ、自然の風景でも森林を得意とする画家、草原や田園を得意とする画家、はたまた水辺を得意とする画家から砂丘が専門の画家まで現れ、さらには季節ごと昼夜の時間帯ごとの専門画家までが登場している。都市の風景画も同様に専門分化し、静物画においても、食器食材の専門画家、花瓶の花の専門画家、狩りの獲物を得意とする画家、世界貿易の輸入品を得意とする画家等々、考えられる限りの題材の専門画家が現れている。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「　金融で財を築いたメディチの当主が法王に助言を求めたのはそのためであり、法王の助言に従ってコジモが、荒廃していたサン・マルコ修道院の再建のために巨費を提供、修道院の維持費から修道僧達の生活費まで負担したのもそのためである。無論、ローマ法王庁に対しても多額の献金がなされている。 　コジモは没後にフィレンツェ政府から「祖国の父」と称された政治的な手腕の持ち主で、実質的なフィレンツェ君主であると同時に高徳の経済人としても知られたが、自身の成功の「いかがわしさ」には生涯にわたり自責の念を抱き続けたという。教会や美術を保護したのも、信仰という当時の人間にとってきわめて「実用的」な目的に照らしてのことであり、当時の社会状況に鑑みるならば、そうした宗教的な「保険」ともいうべき資金投下によって保護されていたのはメディチ家の方だったのである。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著



「第三章 　リモートワークに乗り遅れたダ・ヴィンチ 　不動産としての『最後の晩餐』、動産としての『モナ・リザ』 　 １７９６年、ミラノに侵攻したナポレオンは『最後の晩餐』（ １４９８）を見るためにサンタ・マリア・デッレ・グラーツィエ修道院を訪れ、食堂の壁に描かれた画面をフランスに持ち帰ることも考えたといわれるが、作品の描かれた壁の巨大な重量から考えてこれは無理な相談であった。絵画は、壁画や天井画として教会や宮殿といった不動産に帰属していた時代には、制作された場所でしか鑑賞することができなかったのである。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「　いうまでもなく、こうした絵画の動産化は、画家の働き方を根本から改革するものでもあった。不動産である壁画や天井画は画家が現地に出かけて描くしかないが、動産である絵画は画家が自宅で制作することが可能だったからである。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著


「この作品は、イエスが十字架に架けられる前夜に弟子達と共にした最後の晩餐の席上で「汝らのひとり、我を売れり」とユダの裏切りを告げ、弟子の間に衝撃が走った瞬間を、演劇の一場面のようなドラマティックな演出で描いている。他の画家による従来の『最後の晩餐』は、ユダが一目でわかるよう食卓の反対側に一人で坐らせて描くことが多かったのだが、ダ・ヴィンチは弟子全員を同じ側に坐らせて、動作と表情によりユダを見分けることのできる新しい様式を開発している。 　弟子達のイエスの言葉に対する反応も、従来の作品では悲嘆にくれて師の胸にもたれかかる聖ヨハネを除いて全員が似た姿勢で描かれていたのだが、ダ・ヴィンチは弟子の個性に添って反応の描写に個人差を盛り込んでいる。彼以前に、これほど多様な反応を示す弟子達の集団劇として最後の晩餐の場面を描いた画家はいない。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「ミケランジェロの大作をダ・ヴィンチが描くと四千年かかる!? 　フレスコの迅速な手順は大づかみなタッチを強いるため、精密描写は不可能に近い。ミケランジェロの『天地創造』の「アダムの創造」なども画集で見るリアルな印象とは裏腹に、近くで見ると驚くほど大胆な筆致で描かれている。 　これとは対照的に『モナ・リザ』の画面は画集でいくら拡大されても、ほとんど筆の跡が見られない。写真を思わせる描写は薄く溶いた油彩絵の具を膨大な回数にわたって塗り重ねたものであり、漆喰の乾燥後は加筆をしないフレスコとは正反対ともいうべき手法で描かれている。迅速を旨とするフレスコは、こうした油彩による執拗な描き込みを好んだダ・ヴィンチの気質とは、文字通り水と油の関係にあったことになる。 　サイズとしては小品の部類に入る『モナ・リザ』にダ・ヴィンチは十五年にわたって加筆し続けたというが、もしダ・ヴィンチが同じテンポで体育館の天井ほどの『天地創造』を描いたとすると、四千年近くはかかってしまう計算になる。 　油彩は、絵の具が乾燥すれば黒地の上でも純白を塗り重ねられることから画面の修整を飛躍的に利便化した画材であり、おそらく当時の画家には今日のコンピュータ・グラフィックスさながらに無限の可能性を持つ画材と映ったはずである。理想の画面のためには描き直しをいとわないダ・ヴィンチには、まさしく理想の画材であった。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「美貌の弟子サライとダ・ヴィンチ遺言状の謎 　フランソワ一世は、美術においてイタリアに大きく遅れをとっていたフランスにイタリア美術の精華を移入することを願っており、その願いに応えてフランスにやって来たダ・ヴィンチに、王の居城に近いフランス中部アンボワーズの城館を与えている。 　フランス王は老いた芸術家を父のように慕い、ダ・ヴィンチの館を訪れ語り合うのをなにより楽しみにしていたという。このダ・ヴィンチ晩年のフランス時代に付き添った弟子のひとりがサライであった。本名はジャン・ジャコモ・カプロッティ、少年の頃に市場で盗みをして捕まっているのをダ・ヴィンチに見出され、弟子となっている。 　画家として作品も何点か残しているが、画才よりは美貌を見込まれての入門であったらしい。ダ・ヴィンチは手記にサライは盗人で噓つきで大食漢と書いており、師の財布からくすねた金額まで記録している。美貌以外には取り柄のなさそうな弟子なのだが、サライは師の亡くなる直前までの三十年近く生活を共にしている。 　もともとダ・ヴィンチには女性を忌避する傾向が見られ、若い頃には当時「フィレンツェの悪徳」と呼ばれた同性愛の容疑で告発されている。告発が匿名であり確証が得られなかったおかげでことなきを得ているが、当時ヴェロッキオが彼をモデルに制作したダヴィデ像などを見ても、彼自身が性を超越した天使的な美貌の持ち主であったことがしのばれる。彼が現れた途端、その場にいる全員がその美貌と美声と知性に魅了されたという。そんなダ・ヴィンチとすれば、サライの美貌に若き自分の姿を見出していたとしても不思議はないわけで、そういう意味で惹かれていたのかも知れない。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「第四章 　レンブラントの割り勘肖像画 　オランダにしかない「集団肖像画」 　レンブラントの『夜警』（ １６４２）は、美術史ではバロックと呼ばれる十七世紀のオランダの市民精神を象徴する名画である。フェルメールと並んでオランダ絵画を代表する巨匠の描いたこの大作は、割り勘というきわめて合理的なシステムによって画家に報酬を支払って制作されているからである。 　家族や職場の同僚から軍隊まで、公私の共同体のメンバーを描く肖像画は他の国々にも見られるが、この作品のように数十人単位の肖像画がブームとなったのは当時のオランダに特有の現象である。注文主となったのは、市民隊、同業者組合、病院や孤児院等の福祉施設のメンバーで、多い場合には三、四十人もの人物が描かれている。等身大で描かれた作品も多く、そうした画面は今日のミニ・シアターのスクリーン並みのサイズに仕上がっている。『夜警』も、縦三・六メートル ×横四・四メートルで面積にすると約十五平米、つまり九畳を上回るという堂々の大画面である。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「パン屋より多かったオランダの画家 　 １６０６年、レンブラント・ファン・レインはアムステルダムの南西に位置する都市レイデンの製粉業の家に生まれている。スペインとの休戦協定によりオランダが実質的な独立を勝ち取る三年前であった。母親の生家はパン屋で、レンブラントは十人兄弟の第九子であった。両親共に商家の出身であり、レンブラントが商才に恵まれていたのも不思議はない。家計は裕福であり、レンブラントは学校で当時の教養課程ラテン語学科で学んだ後に、十四歳で地元の画家に入門して三年間の絵画修業を積んでいる。 　当時のオランダの画家工房は実質的に学校と同じであり、弟子は入門に際して授業料を納めることを義務づけられていた。ルネサンスのイタリアの美術工房が弟子に対して賃金を払っていたのに対して、バロックのオランダの絵画工房では、弟子から授業料を徴収していたのである。理由は簡単で、当時のオランダでは既に市民絵画の市場が確立していたからである。この一世紀前の時点でさえ、都市における画家の数が、パン屋の二倍、肉屋の三倍を上回っていたという記録が残されている。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「パン屋より多かったオランダの画家 　 １６０６年、レンブラント・ファン・レインはアムステルダムの南西に位置する都市レイデンの製粉業の家に生まれている。スペインとの休戦協定によりオランダが実質的な独立を勝ち取る三年前であった。母親の生家はパン屋で、レンブラントは十人兄弟の第九子であった。両親共に商家の出身であり、レンブラントが商才に恵まれていたのも不思議はない。家計は裕福であり、レンブラントは学校で当時の教養課程ラテン語学科で学んだ後に、十四歳で地元の画家に入門して三年間の絵画修業を積んでいる。 　当時のオランダの画家工房は実質的に学校と同じであり、弟子は入門に際して授業料を納めることを義務づけられていた。ルネサンスのイタリアの美術工房が弟子に対して賃金を払っていたのに対して、バロックのオランダの絵画工房では、弟子から授業料を徴収していたのである。理由は簡単で、当時のオランダでは既に市民絵画の市場が確立していたからである。この一世紀前の時点でさえ、都市における画家の数が、パン屋の二倍、肉屋の三倍を上回っていたという記録が残されている。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「投機ということでいえば、当時大流行となっていたチューリップの球根の方がはるかに高騰を期待でき、現在は美術館になっているレンブラントの家で彼の破産の一因ともなった豪邸の査定額は邦貨に換算して一億数千万円だが、バブル最盛時のチューリップの球根は一個で同額の落札値を付けている。したがって当時のオランダでは、絵画は投資商品ではなく国民的人気を誇る消費財としての市場を有していたと見るべきで、画家は成功すれば高所得が見込まれる職業であり、したがって画家になるための授業料もまた未来への投資と見なされていたはずなのである。 　レンブラントの入門時の授業料の額はわからないが、相場では通いの弟子なら邦貨にして年間二十万から五十万円、住み込みの場合は五十万から百万円だったというので、地元の画家を選んだレンブラントの家が払った額は最低でも年間二、三十万円にはなっていたはずである。レンブラントも自身の工房を構えた後には弟子から授業料を取っており、その総額は年間二千五百万円相当にも上ったという。 　レンブラントが画家に入門できたのは生家に経済的余裕があったからであり、対してダ・ヴィンチもヴェロッキオ工房に入門しているが、これは彼が庶子であったことから正規のラテン語教育を受けられなかったためである。十七世紀オランダのレンブラントと十五世紀イタリアのダ・ヴィンチでは同じ工房の修業でも意味はかなり違っており、ダ・ヴィンチの入門が、いわば落ちこぼれの職人見習としての就労だったのに対して、レンブラントの入門はエリート画学生としての進学を意味していたのである。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「　画商に投資したレンブラント 　こうしてレンブラントは地元で絵を学んだ後、アムステルダムでイタリア絵画のドラマティックな明暗の対比手法を学んで帰郷し画家活動を開始、二十三歳になる頃には、オランダ総督オラニエ公家の秘書で美術顧問でもあった文人政治家コンスタンティン・ホイヘンスから有望な若手画家としてお墨付きを得るまでになっていた。 　翌年に父を亡くし、翌々年アムステルダムに活動の拠点を移している。 　興味深いことに、彼は当時アムステルダムの画商に多額の投資をしている。この画商は、美術学校も開いていたヘンドリック・ファン・アイレンブルフという人物で、レンブラントは彼に一千ギルダー、換算方法にもよるが邦貨で一千万円に相当する可能性のある額を投資している。亡父の遺産で経済的余裕があったのかも知れないが、この投資は現金でなく自作の絵画によるものともいわれている。当時オランダでは現金に代えて絵画で支払いをするのは珍しいことではなく、フェルメールがパン代として『牛乳を注ぐ女』を納品していたことは前述の通りである。 　ほどなくレンブラントは投資先のアイレンブルフの工房に身を寄せ、アムステルダムでの画家活動を本格化するが、じつはこの工房には少なからず問題があり、後年のレンブラントの工房経営のビジネス・モデルは、善かれ悪しかれこのアイレンブルフの影響を受けているように思われる。その最大の問題が、模作ないしは贋作であった。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「レンブラントが描いたテュルプ博士は、四代目委員長を務めると共に、市の財務委員長を八期、市長を四期務めた名士で、この絵の評判からレンブラントへの肖像画の注文は激増、彼の生涯で最も成功に恵まれた時期を開幕させている。若き人気画家となったレンブラントは、翌々年にはアイレンブルフの又従妹でアムステルダム北東の酪農都市レーワルデンの元市長の娘のサスキア・ファン・アイレンブルフと結婚、彼女の人脈と多額の持参金のおかげで、画家としての活動の舞台はさらに拡がることになる。 　自身の工房を開いて多くの弟子を抱え、絵画や版画の制作に加えて画商まで経営したレンブラントだったが、放漫経営がたたって破綻、画家としての人気も急速に衰え、最晩年には破産の憂き目に遭った上に、伴侶にも子供にも先立たれ、孤独のうちに生涯を閉じることになる。 　そんな彼が生涯で最も幸福であった時代を招いたのが、『ニコラス・テュルプ博士の解剖学講義』なのだが、この作品の受注当時のレンブラントはアムステルダムに活動の拠点を移したばかり。新参の若手画家への、由緒ある外科医組合の集団肖像画の依頼は異例としかいいようのない抜擢によるものであった。受注に前後するレンブラント自身の動きにも、画策と見られる側面がなくはないのである。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「したがって、壮年期に例外的成功を収めながら晩年に破産したレンブラントへの世間の視線も冷たく、彼の晩年の清貧が孤高の芸術家の証として讃美の対象となったのは、近代になってからである。十九世紀パリが、明日を夢見る若く貧しい芸術家のメッカとなったことから、貧困が芸術の土壌と見なされ始めたからである。 　十七世紀オランダにおいては経済的成功こそが美徳であり、要職はレヘントによって占められ、独立以前からの貴族の家系を継ぐ旧エリート層に替わって富裕商人が政治的実権を握るようになっていた。経済的成功を背景にレヘントとなった富裕商人は役職を世襲化することで財と権力の継承手段を確保、旧来の貴族に匹敵する社会的特権を享受していたのである。商人貴族ともいうべきこのレヘント層がパトロンとなって確立したのが、諸国に一世紀以上も先駆けたオランダの市民絵画市場だったわけである。 　レヘント画はオランダの新しい支配者となった商人貴族の自負の証として、各団体の本部のホールや役員室を誇らしげに飾っていたのだが、レンブラントが最後の集団肖像画としてレヘント画を受注する頃には、世界貿易で栄華を誇ったオランダの経済も衰退し始め、レンブラントの経済状況も坂道を転げ落ちるように悪化し始めていた。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「彼が画家として最も恵まれていたのは、なにかと問題のあった画商アイレンブルフの又従妹サスキアと結婚してからの十年弱で、『ニコラス・テュルプ博士の解剖学講義』の二年後の結婚により、妻の持参金と人脈から成功を享受したのは前述の通り。画商としての投機熱からか画家としての収集熱からか、高額を投じて絵画と骨董を買い始めたのもこの頃で、オランダのチューリップ・バブルが頂点に達した時期でもあった。四年後に、サスキアが父親の遺産を蕩尽していると非難した妻方の親族を名誉毀損で訴えているが、浪費していたのは妻でなくレンブラントであった。 　画家としての人気は絶頂期にあり、その四年後に『夜警』を受注するが、同年に結核で妻を亡くしたのを境に運命は暗転し始める。遺児の乳母に雇った家政婦に婚約不履行で訴えられ、画策して彼女を更生施設に送り込むなど、人としてあまり誉められない面も見せており、 １６５２年に勃発した英蘭戦争でオランダ経済が急速に衰退したことから美術市場も不況に見舞われ、四十六歳のレンブラントは巨額の借金を負うことになる。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「レンブラントとコピー商法 　晩年のこうした不遇から、レンブラントは『夜警』の不評から不遇の時代を招いたとの伝説も生まれたのだろう。市民隊でもない少女を中央に描いた上に暗い背景の人物は顔も見分けられず、払った料金に見合わない等々の苦情がモデルの市民隊から続出してレンブラント人気を凋落させた、というのがその伝説だが、事実はむしろ逆であった。晩年の画家に最後の集団肖像画を依頼して救いの手を差し伸べたのは、『夜警』の画面に描かれた市民隊の多くが所属する布地商の同業者組合だったからである。 　ただし、レンブラント特有の荘重な画風が時流に合わなくなり始めていたのは事実であり、時代の嗜好が明るく華美に移行するにつれて、彼の画風は見放されていくことになる。そうした市場のレンブラント離れは彼自身にも原因があり、最盛期に彼が自身の工房で量産させたレンブラント風の作品の供給過剰が一因となっていた可能性はある。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「　美大入試がデッサンになった理由 　プロテスタント国オランダの十七世紀が絵画の市民市場を誕生させたのとは対照的に、カトリック国フランスの十七世紀は、宗教改革で否定された美術のプレゼンテーション機能が比類なき力を発揮した時代であった。教会の権威に替わって王室の圧倒的な権力を人々に知らしめるものとして、ヴェルサイユ宮殿を拠点として豪華絢爛の王室美術が栄華を極めたからである。 　美術史的には同じバロックの名で呼ばれながら、十七世紀オランダが生んだのはレンブラント『夜警』に代表される市民絵画であり、十七世紀フランスが生んだのは「朕は国家なり」との言葉で知られるルイ十四世の肖像に代表される王室美術であった。この王室美術に「学術」としての権威を与えたのが、この頃にフランスで創立された「アカデミー 　仏： Académie 　英： Academy」であった。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「美術に学術としての権威を与え、ギルドに対する学術的な優位を確保することが急務とされたのは、美術の権威がそのまま王の栄光を意味していたからであり、その権威を確立するためにアカデミーが導入した独自の教育が人体デッサンであった。以降、デッサンはモノクロの人体素描という地味な画風と裏腹に、王の栄光を讃える美術家に必須の素養とされることになる。 　近代に入って以降も、各国の国立美術大学の入試がデッサンによって行なわれていたのはその伝統に則ってのことである。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「臣民を物理的に支配する軍事力と並んで、精神的に支配する文化力が必要であることを国務大臣として痛感していたのだろう。彼の指揮下、フランス王室美術は「太陽王」を自称するルイ十四世を中心に、神の威光に替わって地上を満たす王の栄光のプレゼンテーション装置として絢爛豪華の文化力を発揮することになる。 　アカデミー設立によってフランス王室は、ルネサンス期に巨匠が輩出してヨーロッパ美術の指導的な立場にあったイタリアを凌駕することを目論み、それら巨匠の傑作群で壮麗に飾られた古都ローマを凌駕することを目論んでいた。 　フランス王室の栄光を讃えるためにはカトリックの総本山ローマ法王庁の威光を凌駕することが必須とされたからであり、そのために造営されたのが、芸術と学芸の総本山としてのヴェルサイユ宮殿であった。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「ナポレオンは、旧体制の騎士叙勲制度を軍人に限らず万民に開かれた制度に改革して今日なおフランスの最高勲章として知られる「レジオン・ドヌール勲章」を創設、美術工芸分野の功労者に積極的に与えて芸術振興をはかっている。フランス美術をヨーロッパ諸国の模範とするため、国家的な事業に際してはコンクール等により芸術家達を競合させて水準の向上につとめている。そうした彼の芸術振興策の中軸を成したのが、 １８０３年のナポレオン美術館、すなわち後のルーヴル美術館の開設であった。 　中世期に要塞として建設されて歴代フランス王の王宮となっていたルーヴル宮殿は、ルイ十四世がヴェルサイユ宮殿を王宮として以降、王立コレクションの収蔵展示と王立アカデミーの教育施設として使用されていたが、これを美術館として市民に公開するという構想は、旧体制時から啓蒙思想家が提唱していた懸案政策だった。これを実現したのが革命政府による １７９３年の市民美術館としての開設であり、当初は中央美術館と称されたこの施設をナポレオン美術館と改名し、諸国への軍事遠征によって収奪した膨大な美術工芸品と考古学出土品によりコレクションを一挙に拡充、前代未聞の大規模かつ広範囲の収蔵品を誇る美術館としたのがナポレオンであった。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「セーヴル磁器といえば今なおフランスを代表する磁器であり、豪華な金彩でも知られている。ポンパドゥール夫人の指示によりパリ近郊セーヴルに王令で開設された製作所は、ヨーロッパ最初の磁器の生産拠点となったドイツのマイセンに対抗して創立されたものだが、製作所の設立以降、王の勅令によって他所の窯では金を用いた絵付けは一切禁じられている。磁器の金彩は、王室の色彩として独占されていたのである。 　金メッキの技術が、フランスで完成の域に達したのもこの時期のことであった。 　ヴェルサイユ宮殿「振子時計の間」といえば、ルイ十五世の賓客のみが入室を許された部屋として観光ツアーの見どころとなっているが、この部屋に置かれた豪華金メッキの巨大振子時計を作ったジャック・カフィエリを筆頭に、腕に覚えのある名匠達が金メッキの粋を凝らした工芸品を生み出したのがこの時代であった。いうまでもなくカフィエリの金時計の脚部のデザインもまた優美な猫足曲線を描いている。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「貴族のいない新興国家アメリカの空虚感 　 １７７６年、イギリスの植民地支配から独立してアメリカが建国されたのは、最初の印象派展（ １８７４）の百年ほど前のことである。そうした歴史の浅さもあって、アメリカはヨーロッパのように名誉ある称号として授けられる貴族の位階の伝統というものを持っていない。ホワイトハウスの主である大統領というアメリカ最高の地位も選挙によって任命される「役職」であり、ヨーロッパ諸国の王位や貴族の称号のように長きにわたる伝統や厳しい因襲に照らして叙階される「身分」ではない。 　善かれ悪しかれこの国における特権的地位というものは、旧世界ヨーロッパにおける貴族のように伝統的な位階や称号として授けられるのではなく、経済的ないしは政治的な闘争によって獲得される財力や権力をしか意味していない。そのことが、アメリカを「チャンスの国」としている半面、この国の富裕層が、貴族的な文化に対して抱く強烈なコンプレックスの原因ともなっているのである。 　貴族文化は、伝統という歴史的蓄積や格式という様式的洗練により人々の畏敬の対象となるものである。人々が平等な社会を願って出現したはずのフランスの市民社会さえ依然として貴族文化に対する憧れを抱いていたのは、多くの矛盾や弊害を抱えながらも伝統や格式には、人々の畏敬や畏怖を喚起するものが備わっているからである。 　アメリカは、現実的な問題解決能力や経済的な活力においては他国の追随を許さないほど恵まれてはいたものの、そうした伝統や格式といった文化資産の結実としての貴族制度というものを持っておらず、そのことがこの国の新興富裕階級にとっては埋めようのない空虚感の源となっていたのである。アメリカ人富豪が、美術蒐集に異常な情熱を燃やしたのは、その空虚感を埋めるためであった。いかに巨万の富を築こうと、彼らは貴族や貴婦人の位に叙されることが叶わなかったからである。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「四十代に差し掛かったモネがデュラン リュエルに宛てた手紙に、もはや新聞雑誌の応援なしに成功は望めないと書かれている。印象派の絵が猿の落書きや猫のピアノ演奏呼ばわりされて十五年ほど後の手紙で、「批評の内容は気にしないのだが」と書いてはいるものの、当初の揶揄や批判には彼も少なからず傷ついていたはずである。それだけにジャーナリズムの影響力も痛感していたに違いない。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

「十九世紀における批評時評の類の需要の高さは、今日の私たちの想像を超えており、「パリ便り」のような名物時評の紙面での人気は時に小説をも上回っていた。小説家のゾラも詩人ボードレールも、作家として名を成す前は新聞雑誌の批評書きを生活の道としていたことが、その需要の高さを物語っている。それほどまでに、当時の読者は自分自身の意見や見解といったものを形成するための見識を求めていたのである。 　とりわけ美術品のような奢侈品に関しては、革命から間もない市民社会に生きる人々の商品知識は圧倒的に不足しており、批評家の見識に頼らざるを得なかったのである。したがって、ダ・ヴィンチやミケランジェロが活躍した十五、六世紀のルネサンスや、レンブラントやフェルメールが活躍した十七世紀のバロックの時代には、美術批評家は存在していない。批評を公表するためのジャーナリズムが未発達だったこともさることながら、批評を必要とする読者そのものが存在していなかったからである。」

—『ビジネス戦略から読む美術史（新潮新書）』西岡文彦著

・「概日リズム」は多様であり、大人でも違いに目を向け尊重する必要があること
・思春期は一番夜型になり、社会で礼賛される早起きが生理的に合わないこと

特に思春期のくだりは、昔こどもだった頃の自分が救われたような気持ちになりました。
家の子どもたちにも無理解から早寝早起きを押し付けず、たっぷりの休息と睡眠がとれる環境を整えたいと思いました。

今年1番好きだったし、影響された本。
味噌ってすごい。これ読んで具沢山のお味噌汁とご飯という食事が定番になった。

大学生の頃、教授から手渡された一冊。

論文はどう書けばいいのか。どう読めばいいのか。文章の構成すらわからず、右も左もわからなかった当時、まさにバイブルとして頼っていた本。

後輩に薦めようと久しぶりに手に取ったら、ボロボロになっていて思わず笑ってしまった。今読み返すと、時代を感じる部分もあるかもしれない。それでも、この本があったから今の自分がいる、そう思わせてくれる一冊。

自分の生活に取り入れやすそうなものが多かった。
自分は後回し癖が酷くギリギリまで課題などを溜めがちだったが、自分に小さなご褒美として小さいお菓子をひとつ食べることでかなりうごけるようになった。三日坊主にならず今も続いてる。しかもよく買い食いしてたのも無くなった。

この本を読んで、自分は「いい人」には三本柱があると考える。即ち、①感謝②贈与③シェア、である。そして、英語でいえば、この作品の肝となるものは、Pay it forward(恩送り)ではないだろうか？と思う。自分だけではなく、他者、ひいては社会全体をもよく回るようにしていく視座があって、たいへん素晴らしい著書と感じました！星⭐︎5。

気象予報士試験の教科書としては易しめの位置付け。

第1章　太陽系の中の地球
第2章　大気の鉛直構造
第3章　大気の熱力学
第4章　降水過程
第5章　大気における放射
第6章　大気の運動
第7章　大規模な大気の運動
第8章　メソスケールの運動
第9章　成層圏と中間圏の大規模な運動
第10章　気候の変動

依存症や過食拒食の陰にも愛着障害が隠れていたとは。自分にも当てはまるところがあり、愛着の大切さに再度認識ができた。完璧な人はいないと思うけど、なるべく死に至らない程度へ改善していきたいなと思った。
子育て中の方々にも伝えたいけど、何かあってハッと気づいた頃じゃないとなかなか受け入れて貰えなさそうだなと思った。

むちゃくちゃすごい本だった。これは魂が宿っている。

映画化もされたけどこの本自体は物語ではなく哲学者と人類学者の往復書簡という形式でこういう本は初めて読んだ。

ガンを患った哲学者の死生観や病気への受け入れ方、日々の生活という部分にフォーカスしてその考え方を深ぼっていくのが往復書簡を始めた経緯だとは思うが、本当に哲学者の方が具合が悪くなってしまい、そこから展開が急スピードで進んでいき最終的には2人の魂の触れ合い、その出会いに感謝に帰結するという凄まじい濃さの本になっている。

病気への受け入れ方をここまで言語化出来るのが単純にすごいし、それでも尚必死に生きている哲学者である宮野さんの様はかっ...続きを読むこいい。

そしてこの本を傑作たらしめているのは恐らく藤野さんのエグいストレートな会話のボール。8章か9章あたりの藤野さんの投げ方は相当な覚悟がないと聞けないはず、、なので不思議と感動してしまった。その投げた質問文の勇ましさに。

死生観の話がいつの間にか2人の友情に落ち着く事に、友情が死生観を超えていくような愛の深さ、そしてその出会いがわずか数ヶ月という濃さ。

こんな本がこの世にあることを全く知らなかったことを後悔するくらいのものでした。