ビジネス・実用の高評価レビュー

読み終えて最初に変わったのは、経済ニュースの見方でした。「国の借金が何兆円」と聞くたびに漠然と不安になっていましたが、本書は不安の測り方そのものが違うと教えてくれます。

説明は基本から始まります。たとえば「誰かが使ったお金は、必ず誰かの収入になる」。コンビニで払った千円はお店の売上になり、そこで働く人の給料や仕入れ代金になる。だから、みんながお金を使わずにためこむと、社会全体の収入もしぼんでいく。著者はこれを「需要不足」の正体と呼びます。ただ、その原因を国民の心がけには求めません。デフレ（モノの値段が下がり続ける状態）では、お金は持っているだけで値打ちが上がる。ためるほうが得なのだから、企業...続きを読むも家計も合理的に動いているだけです。値上げできない会社が給料を上げなかったのも、けちだからではない。そういう環境をつくったのは、お金が足りなくなるというシグナルを出し続けた政策の側だ、というのが著者の見立てです。

借金の危険度も、金額ではなく「収入が増える速さと、利息が増える速さのどちらが上か」で測る、と著者は言います。私は住宅ローンに置き換えて理解しました。年収が上がるスピードが利息より速ければ返済は年々ラクになり、逆なら借金が小さくても苦しくなる。国の借金も同じ物差しで見ればいい、というわけです。

円安についても著者の立場は同じで、為替は政策や世界の動きの結果として決まる数字であって、それ自体に良い悪いはないと説きます。私の言い方にすると、円安は国の通信簿ではなく体温計です。危機についての見方も明快です。金融の仕組みがある以上、危機は必ず起きる。大事なのは起きた後の手当てだ、と。私の受け止めでは火事に近い。ゼロにはできませんが、消火設備があれば全焼は防げます。実際、リーマン・ショックでは連鎖を止められず、二〇二三年のアメリカの銀行破綻（シリコンバレー銀行）では預金の保護を素早く広げて騒ぎを封じ込めました。同じ「危機」でも結果が正反対になるのは、起きた後の差だというわけです。

後半を読みながら、著者が言いたいのはこういうことだと私は受け取りました。日本はもうデフレではない。なのに、デフレの時代に正しかったやり方を続けていることがいちばん危ない、と。会社の守りの経営も、政府がお金を配る政策も、かつては理にかなっていた。けれど環境が変わったのに切り替えられないことこそが失敗の原因になる。だから政策は賛成か反対かで語るものではなく、いくら使うかより「どこに、いつ、どう使うか」で採点すべきだ、というのが著者の姿勢だと感じます。

そしてもう一つ。著者が「最も現実的なリスク」と呼ぶのは、派手な財政破綻ではなく「大きな危機は起きないけれど、なんとなく成長しないまま時間が過ぎていく」状態でした。これは私の仕事にも刺さりました。うまくいかない事業をやめる基準と成果の測り方を先に決めておく。著者が産業政策に求める条件は、そのまま組織の意思決定の話でもあります。

著者は本の終わりで「少なくとも高市政権にはその覚悟がある。私はそう思っています」と、自分の立場をはっきり書いています。中立をよそおう本ではありません。それでいて、この政策は成功も失敗も約束されていない、規制改革や既得権に踏み込めるかどうかで結果は正反対になる、とも書く。期待している相手にこそ条件を突きつけ、判断は読者にゆだねる。私はその書き方が一番誠実だと感じました。

AIについて語るとき、話は二つに分かれがちです。「仕事も暮らしも楽になる」という期待と、「人間の仕事が奪われる」という不安です。しかし本書が投げかけるのは、もう一段深い問いです。AIが何をできるかではなく、AIが出した答えを使った結果を、最後に誰が引き受けるのか。本書はこの問いを軸に、機械学習の仕組みから、人間の感情や自由、仕事、教育、研究、経済までを一本の線でつないでいきます。

中心にある考えは明快です。AIに判断を任せることはできても、責任まで消してしまうことはできない、ということです。たとえば、カーナビが道を示しても、それを選んで走るのは運転者で、そこで起きたことも運転者の現実になりま...続きを読むす。買い物の推薦なら選び直せるかもしれません。けれども、契約、採用、医療、投資のように、一度の決定が人や組織の将来を変える場面では、「AIがそう言ったから」だけでは済みません。便利さが増すほど、人間は判断から解放されるのではなく、どこまで任せるかを決める責任を負うのです。

第1部は、AIの仕組みを数式なしで説明します。従来のコンピュータは、人間が書いた手順どおりに動く「規則を実行する機械」でした。機械学習によって、それが大量の例から規則そのものを見つける「規則を獲得する機械」へ変わった。この説明を押さえると、内部の判断過程を人間が完全には説明できなくても、AIが多くの場合に有用な答えを出せる理由が見えてきます。結果が先に出て、人間の理解が後から追いかける。これが、生成AIの登場によって広がった新しい順序なのだと本書は説きます。

とくにわかりやすいのが、AIと人間の学び方の違いです。AIは、人生を最初から最後まで生きるように学ぶのではなく、切り取られた文章や画像を大量に見て学びます。無数の短い動画を次々に見るようなものです。だからこそ、分野をまたいで共通点を探すことに強い。一方で、失敗の痛みや後悔を、自分の人生の出来事として蓄えるわけではありません。また、新しいことを覚えると以前の能力が崩れる「破滅的忘却」も起こり得る。本書はこれを、算数を学んだら自転車に乗れなくなるようなものだと説明します。難しい技術用語が、すっと頭に入るたとえです。また、人間が少ない経験から学べる理由を、身体や感情を伴う「世界の厚み」と、経験を抽象化して言語で共有する力から説明します。

ただし、本書はAIを「何も理解していない機械」と片づけません。理解を、未知の問題への対応、原因と結果の把握、もし別の選択をしたらどうなるかという想像、環境変化への適応、理由の説明という複数の能力に分ければ、現在のAIはすでに多くを高い水準で実現していると認めます。重要なのは、知的な能力と、結果を背負う当事者であることを分けて考える点です。AIが賢いかどうかと、AIに責任を負わせられるかどうかは、同じ問題ではありません。

第2部では、AIを鏡にして人間の特徴を、個別性、文化、有限性、感情、自由と責任、自己という六つの角度から捉え直します。人は同じ出来事を経験しても、好奇心、恐怖、誇り、後悔などによって、そこから学ぶことが違います。感情は理性を邪魔するだけのものではなく、何を覚え、何を避け、何を大切にするかを決める「心の採点表」でもある。そして人間には寿命があり、時間も選択肢も有限です。すべてを試せないから、一つを選び、ほかを捨てなければならない。この取り返しのつかなさが、判断に重みを与えるという説明には強い説得力があります。

ここから、本書は自由の意味も捉え直します。自由とは、選択肢が多いことでも、何度でもやり直せることでもない。自分が選んだ結果を、自分の履歴として引き受け続けることだというのです。AIは多数の候補を比較し、有力な案を示せます。しかし現在のAIは、その案の帰結を、人間のように自分の生の履歴として背負うわけではありません。人間はAIより常に賢いから最後に決めるのではなく、結果が残る世界の当事者だから決めなければならない。この整理は、AI時代の人間らしさを精神論ではなく、選択と責任の構造として示しています。

第3部になると、議論は仕事や制度の設計へ下りてきます。ここが本書の実務的な強みです。責任を、仕組みをどう作ったかという「設計」、どの目的と条件で使ったかという「運用」、異常の兆しに気づいたとき変更または停止できたかという「介入」の三つに分けます。事故が起きてから担当者を探すのではなく、誰が何を承認し、どこで止められるのかを先に決める。AIに与える目的、制約、権限、記録、停止条件を、安全帯や手綱に当たる「ハーネス」として用意する。この考え方は、AI導入を検討する企業が、そのまま会議の論点に使えるほど具体的です。

仕事についても、「AIで職業が消えるか」という単純な予測はしません。仕事を、探す、判断する、実行する、確認するという工程に分けると、AIは大量の探索や実行を並行して進められます。そのぶん人間の役割は、目的を示す「指揮」、多くの候補から一つを選ぶ「統合」、経緯を追えるようにする「監査」、進路を直す「変更」、危険なときに終わらせる「停止」へ移る。実行にかかる作業量の制約が緩む一方で、選択の重みはむしろ増すという指摘は、実際にAIを仕事で使う人ほど実感できるはずです。

教育、研究、創造性についての考察も印象に残ります。AIが答えを出せるからこそ、人間には、その答えの前提や誤りを見抜く基礎知識が必要になる。教育では、暗記した知識を再現するだけの比重が下がり、自分で問いを立て、AIの答えを検証し、自分の名で提出できるかを訓練する意味が増す。研究では、AIによる発見が人間の理解より先に進み、研究者は候補の意味と安全性を判断する役割を強める。創造性も、案をたくさん出す力から、無数の案を打ち切って一つを完成させる力へ移る。外国語学習も、翻訳文を作るためではなく、その言葉が持つ距離感や含意を自分で確かめるために残る。別々に見えるテーマが、最後には「選び、確かめ、引き受ける」という同じ問題へ戻ってきます。

全3部28章と射程は広いのですが、説明は身近です。火やゲームなどの身近な例も交え、難しい哲学用語や技術用語を、日常の判断へ置き換えてくれます。また、AI礼賛にも人間礼賛にも寄りません。AIの強さを正面から認める一方、人間の思い込みや偏見も抽象化の副作用として扱います。AIを過度に恐れず、かといって無条件に信じないという距離感が、本書全体を落ち着いたものにしています。

もっとも、注意して読みたい点もあります。AIの継続学習が進み、有限性を持たせる設計が採られれば、人間との境界は動く可能性があります。著者自身も、その可能性をあとがきで認めています。したがって、AIは永遠に主体になれないという断定ではなく、現在のAIと制度を考えるための有力な見取り図として受け取るのがよいでしょう。また、AIがどう判断し、誰が責任を引き受けたかを後から確かめられる形で残す「第二の言語層」や、研究者が共同で使える公的な計算基盤など、重要な構想は示されますが、組織にどう導入するかという手順までは書かれていません。すぐ使える製品操作やプロンプト集を求める人には、別の本が必要です。

それでも本書の価値は大きいと思います。AIを使う経営者や管理職、プロダクト担当者、法務・リスク管理の担当者には、権限と責任を設計するための共通言語になります。教育者や研究者、学生には、学ぶことや理解することの意味を問い直す材料になります。そして一般の読者にとっても、AIを「人間の代わり」ではなく、人間とは何かを映す鏡として考える入口になります。AIが答えを作る時代に、人間に残るのは、答えを選び、必要なら止め、その結果を引き受ける仕事です。その重さを恐れるためではなく、よりよく使うために理解させてくれる一冊でした。

会計検査院という名前は、年に一度はニュースで耳にします。ただ、何をしている組織かと聞かれると、私も答えられませんでした。

本書で腑に落ちた説明はこうです。国のお金が使われた場所なら、例外なくどこへでも見に行く役所。しかも内閣にも国会にも裁判所にも属さない、独立した憲法上の機関です。「会計を教える学校のことですか」と聞かれたこともある、と本書にあります。

驚いたのは、その「どこへでも」の具体性でした。職員は作業着を着て、道具でコンクリートの強度を測ります。国定公園の手すりの安全性や、山道の舗装状況も見る。山奥の山林まで出かけて、鹿よけの柵の手入れ具合まで確認するそうです。園遊会でその話をした...続きを読むところ「そのようなところまで行かれるのですか」と言われた、という一節があります。私も同じ感想でした。

つまり検査の対象は、遠い世界の話ではありません。電気代の割引も、ガソリン価格の抑制も、給付金も、放課後児童クラブの人員配置も、国税庁の徴税の過不足も、日銀の財務も含まれます。この幅を知れただけでも収穫でした。

アベノマスクでは17社すべての契約書を検査し、布製マスク1枚あたりの費用が約179円だったと積み上げています。倉庫代まで調べていて、布はカビるので湿度を保てる倉庫が要り、月1900万円かかっていた、と。

ここが勘所だと思います。会計検査院は「無駄遣い」という言葉を使いません。無駄かどうかは人によって割れるからです。だから必ず法律や規則という共通のものさしを持ってきて、事実だけを置く。

その積み重ねが制度を動かします。教育訓練費を5万円増やしただけで法人税が1000万円減る仕組みがありました。検査院は、これを要望した経済産業省が根拠に挙げた論文をそのまま使って効果を試算し、控除が過大だと示します。報告の11ヵ月後、廃止が決まりました。

読み終えて、ニュースの見え方が少し変わりました。「会計検査院が指摘」という短い見出しの裏に、現場を歩いて数字を積んだ人たちがいる。そう思って眺めると、税金の話が生活の話に変わります。

増税と減税のどちらが正しいか、その答えを求める方には向きません。著者はそこに踏み込まず、判断する材料が国民に渡っていない、と述べるにとどめます。その抑制の効いた姿勢が、本書の信頼を支えていると感じました。

特に行き詰まった時、うまく行き過ぎている時に、
何度も読んでみたいです。
定期的にできていること、
改善すべきことのチェックにも良いですね。

自分がコミュ障という前提を受け入れるとこの本はとても参考になります。ふだん人と接する機会が少ない人向けに、寄り添いつつわかりやすく時にシビアに社会の常識に合わせる方法が書かれています。

政策保有株式とは、何なのか。何の意味がるのか。そした疑問に答えるべく、多くの実証分析をもとに「意味がない」と看破するのが本書である。研究書でありながら、非常に理路が明解で、日本企業の慣習に対する筆致は痛快そのものである。
最終章で、記載されている言葉も、印象深い。当たり前のことが当たり前に書いてあるが、心に留めておきたい。

～株式持ち合いは株式を買わせない行為であり、資金調達という株式公開の本来的意義からは説明することができない。もちろん局地的、短期的に買収防衛をしなければならない局面もあろうが、総体的に考えれば株式公開と株式持ち合いは相容れないものである。～

株の持ち合いは、株式買い占め...続きを読むの脅威が存在した時代には、防衛策として有益な鎧であったが、今は自らの手足を縛る重し、経営改善の足枷になっている。会社は公器であり、健全なる市場からの監視の目があってこそ、その役割を発揮する。株式持ち合いは、そうした緊張関係を停止させ、企業の成長へのインセンティブを一定削ぐものである。
最近、プロフェッショナル・オートノミーという言葉を聞き、とても納得した覚えがある。元々は医師等で言われている言葉であり、一般の人ではわからない境地であるからこそ、一定の自由が許される。しかしながら、その自由は強力な自己規律を伴う。過去、ノブレス・オブリージュという言葉にも強い共感を覚えたが、その言葉に近く、少々発展させた言い方かもしれない。
プロフェッショナル・オートノミーはプロフェッショナルや、高度な能力がある人間は、自己規律ができるからこそ、その専門性を活かすために一定の自由が許されるというものである。自由が許されるのは、社会や顧客にとっての利益や貢献を前提としているという点も重要である。

話はそれたが、円谷先生は、最後に日本企業の経営の自由度と規律を高め、世界に打って出ていくべきである、と看破する。
まさに、自由と規律は、プロフェッショナルに必要な要素である。日本企業はムラ社会的な感覚の延長線上である株式持ち合いという因習を打破し、自由と規律を持った高潔な企業経営への道を進むべきであろう。

エグゼクティブがさらに成功するために改善すべき悪い癖や習慣をどう直すか、について書かれた本。エグゼクティブじゃなくても、対人関係を良くするために役立つ。
元々自分で気にしていたところなんかもあって、あらためて気をつけなきゃと思ったりした。
理解できてもこの本に書かれている方法で、悪いところを自分ひとりで直していくのは難しそう。コーチングしている人が書いてることもあって、結果は出そうだけどやり方はなかなかストイックな印象。
自分で実践するためには、もう少し緩く続けられる方法を見つけたい。

勝てる見込みのない戦争に国民を引きずり込んだのは、すべて当時の軍関係者の責任と整理できれば楽なんだろうけど、昭和史の泰斗である著者の考えを聞いていると、日本人そのものの宿痾ではないかという気がしてくる。戦争学を持たないというより、そういう高尚な大人の振る舞いがそもそもできない国民性なのではないか。憲法９条を守れば平和が保障されるかのように叫ぶ連中や日本の正当性のみを声高に主張する連中を見ていると、日本が世界の"鼻つまみ者"にならなければいいがと暗澹たる気持ちになる。

1089円

★再読
2026/08/28

232P


池永康晟

セザンヌは、絵画に一つの正しい視点(遠近法)ではなく多視点を持ち込んだ人で、これは今のSNS社会にも似ていて、万人が自分の視点を発信できるようになり、マスメディアだけが世界の見方を決める時代が終わったんだよね。ある意味、セザンヌは絵画の中でSNS社会をも予言してたんだよ。

ピカソの絵を子供の絵っていうのはピカソも子供もどっちにもろくに関心が無くてバカにしてる感があって苦手。

その時分からなくてもとりあえず機会があれば本物見ておくの大事だと思う。エゴンシーレ初めて見た時、その時は不気味で怖いなというマイナスな感想だったけ...続きを読むど、他に色んな絵を見たり、時を経るとあれは良いなみたいな感じで違って見えてきてそれが美術鑑賞の楽しさだと思うから。見た時にマイナスな感情持っても見た意味あると思う。


これほんと分かる。モネdisれないよね。物凄い苦し紛れにdisるポイントを探すとすればエロスが無いという事ぐらいだな。政治と宗教が話題のタブーな日本で敵を作らないモネの人気はほんとに分かるよ。

わかる。モネは一目で良いってわかるけど、セザンヌは探求する姿勢みたいなのに感動するんだよね。セザンヌは今見ても一見して良い絵では全然無いけど、感動が深いのはセザンヌ。自分が分からないことに忠実になってて周囲から笑われたとしても追求した結果皆がギョッとする真実に到達した感じ超かっこいい。

青い日記帳（あおいにっきちょう）
中村剛士。國學院大學文学部文学科卒、Tak（タケ）の愛称でブログ「青い日記帳」を主宰する美術ブロガー。１年に300～400の展覧会を鑑賞し、レビューや書評など、幅広いアート情報を毎日発信する。展覧会や美術書のインフルエンサーとして講演、イベント登壇するなど、いまや美術業界では欠かせない存在。著書に『いちばんやさしい美術鑑賞』、『名画のひみつがぜんぶわかる! 　すごすぎる絵画の図鑑』、『マンガでカンタン！名画の見方は7日間でわかります。 西洋美術編』、『失われたアートの謎を解く』（監修）など。本名は中村剛士。

「ところで、せっかく観に出かけたのに今ひとつ作品がよく分からず、面白くなかったな ～なんて残念な気持ちになったことありませんか。映画でしたら、帰宅途中にスマホでささっとネタバレサイトや口コミに目を通し補完することができますが、展覧会となると公式サイト以外に素の情報を知れるサイトがなく、なかなかそうはいかないものです。映画と展覧会、両方のレビューをブログに書いている友人によると、両者のアクセス数は十倍も違うそうです。映画を観てからのウェブ検索はすっかり定着した感がありますが、美術鑑賞においてはまだまだのようです。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「花鳥画の多い日本画に比べ、西洋絵画の場合、そのほとんどが歴史画と呼ばれるジャンルの作品です。歴史画とはギリシア神話などを題材とした神話画と『聖書』やキリストにまつわる事柄やエピソードを描いた宗教画をまとめて指すものです。世界史を専攻していたり『聖書』の隅々まで物語が頭に入っていたりする人でしたら、その絵を観ただけでそれがどのような場面を描いているかすぐに分かるでしょう。しかし、日本人には馴じみの薄いギリシア神話や『聖書』が端から端まで頭に入っている人は、圧倒的に少ないはずです。かく言う自分もそのひとりです。例えば、『聖書』の物語は友人とランチを食べている時に出てくる話題では決してありません。ギリシア神話について語りながらお洒落ランチをとっている ＯＬさんとかいたらちょっとビックリしますよね。ましてや合コンで『聖書』の一節を語り出す男子がいたら……。結果は火を見るより明らかです。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「そう考えると、西洋絵画でなぜ宗教画が描かれたのか？ 　ではなく、そもそも宗教画 ＝西洋絵画であったことが分かるはずです。一七世紀にフランスの芸術アカデミー設立に携わった画家で美術理論家でもあったシャルル・ルブランは、絵画のジャンルを階級分けしたことでも知られています。彼が一位にランク付けをしたのが歴史画（宗教画や物語画）でした（ちなみに二位が肖像画、三位は静物画）。この絵画におけるヒエラルキー（階級）は、印象派の画家たちが登場するまで厳然とした力を発揮していたのです。こうしたことからも宗教画が、なぜこれほど多く描かれたのかが見えてきます。趣味で絵を描いていたわけでなく仕事として描いていたのですから、付加価値があり高値で売れる主題を選んだのも当然と言えば当然のことですよね。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「冒頭で、しっかり描かれている作品はよい印象を残すと書きましたが、どんな時代のどんなテーマの絵画でも一貫して画家の力量を知ることができるポイントがあれば、しっかり描けているかどうかが分かりやすいものです。それはどこだと思いますか？ 　人物が描かれている場合、それはずばり手です。手の描き方は画家の技量の度合いが表われる重要なチェックポイントのひとつなのです。では、どうして手なのでしょうか。人体の他の部分、顔や容姿は、人種や時代、慣習や流行により違いが生まれるので、一貫して比較するには不向きです。また顔などは個人的な好みもあるので、いくら上手く（美人、美男子）に描かれていたとしても観る人の好みに合わないと「下手な絵」となりかねません。身につけている衣装や体型に注目が行ってしまい、そもそも比べることが困難です。つまり、このように考えていくと人体の中で最も普遍性が高いのは手の描き方なのです。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「レオナルド・ダ・ヴィンチは人体をより正確に描くために、実際に人体を解剖して骨格から筋肉のつき方まで観察したことで知られています。身近で普遍的な手はまさに生物学的な特徴を捉えて描かないと凡庸なものとなってしまいリアルさが出ません。入試では「落」とされてしまいます。リアルに描かれた手によって、身近にあり、実際に生活を「手助け」している手の存在の大きさに改めて気がつくはずです。手に限ったことではなく、何気ないものにも美しさや面白さを見出すことは、美術鑑賞の基本中の基本です。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「そもそもこの作品は、イタリア人画家フェリーチェ・フィチェレッリが描いた作品をフェルメールが模写したものとされていますが、イタリアに行った形跡のないフェルメールがどのようにしてフィチェレッリの絵を目にしたのかは謎に包まれています。また署名や筆づかいなど専門家から異論を唱える声が上がっています。逆に真作として強く推す研究者もいることから「帰属」としているのです。我々はどうしても本物かそうでないのかに拘泥してしまいますが、帰属とされ留保されていることにより専門家の意見も踏まえつつ、自分の目でジャッジすることができるのです。これだけ名の知れた画家でそうした経験を（しかも上野で！）享受できるとは、なんと贅沢で幸せなことなのでしょう。絵画を観る眼を養うのにこれほどよい作品はありません。世界中のフェルメール・ファン垂涎の作品を世界遺産に登録された国立西洋美術館でいつでも観られる幸せ。本当に贅沢ですよね。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著


「フェルメールが注目されるに至った二つ目の理由は、その作品が歴史画（宗教画や物語画）ではなく、日本人にとって受け入れやすい風俗画だった点です。一七世紀、一般的な西洋絵画の主題は宗教画や歴史画が主でした。しかし王侯貴族に代わり市民が政治の主導権をいち早く握ったオランダでは、宗教画よりも市民の生活の何気ない一場面を描いた風俗画が好まれたのです。キリスト教の主題やギリシア神話の一場面が描かれていても、『聖書』などによほど精通していないかぎり、何がそこに描かれているのかすぐには理解できません。けれども風俗画はそうした予備知識がなくても絵画の内容を楽しめます。実際には、風俗画にも、「花瓶に活けられた花や骸骨は人生のはかなさや命のもろさ（ヴァニタス）を象徴している」などのように、暗喩の約束事がありました。けれどもフェルメールはこの風俗画の約束事を可能なかぎり排除したのです。 　日常の台所風景のひとコマが描かれているだけの《牛乳を注ぐ女》（図 2‐ 2）を前に、この絵のどこがそんなにすごいのか？ 　と疑問に思われる方もいるかもしれませんが、そこにあるのは引き算の美学なのです。余計な情報をそぎ落としそぎ落とし最小限度の事柄で最大限の美しさを発揮させる。引き算の美学、最小限の事柄で最大限の美しさを発揮する──これってどこかで聞いたことがありませんか？ 　そう、これは素材を生かしたシンプルな和食の美学です。フェルメールの作品は、日本的な感性の世界に通じるものがあるのです。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「さらに引き算の美学を小さなキャンバスに表現した作品を日本人が好まないはずはありません。千年の昔から「ちひさきものはみなうつくし」と清少納言の『枕草紙』で語られているように、小さなものを愛でる ＤＮＡを有する日本人の心に、フェルメールは見事に響く作品なのです。 　小さいものを愛でる日本人の感性に響くようなフェルメール作品の多くは風俗画であり、宗教画などに比べ驚くほど小さなものが多いのが特徴です。三十数点の全作品中、高さが一メートル以上ある作品は《聖プラクセディス》を入れてわずか五点、そして大きな作品のほとんどが宗教画です。風俗画の大部分は縦五〇センチ未満の小品であり、パリのルーヴル美術館にある《レースを編む女》に至っては縦二三・九センチ、横二〇・五センチしかなくＢ５判程度のサイズしかありません。広大なルーヴル美術館で何千点もある展示作品からお目当ての《レースを編む女》を探すのは至難の業であり、フェルメールの存在を知らなければ展示されていたことにも気が付かず通り過ぎてしまうほどの小品です。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「フェルメールの人気の理由の最後、三つ目の理由に、現存するフェルメール作品の数の少なさが挙げられます。先ほど触れましたが、日本の代表的なフェルメール研究者である小林賴子先生は三十二点、専門家によって数に若干のばらつきがありますが、多くても三十五点しか確認されていません。その他記録に残っているだけの作品が約十二点。合計しても五十点に足りない非常に寡作の画家だと言えます。 　何千枚と生涯に描き残している作家と違い、制作点数が少ない作家はちょっと頑張ればそのすべての作品を実際に観ることが可能なため、新たな鑑賞の愉しみが生まれます。好きなものをコレクションするように、現存するフェルメール作品を世界中を飛び回り観て歩くそんな欲望に駆られませんか。三十数点というのがいい塩梅なんですよね。自分も約十年かけてフェルメール作品を制覇しました。旅に出かける目的は様々ですが、一枚の絵を観るためだけに、十数時間も飛行機に揺られ出向くのも悪くないものです。次の狙いはヒエロニムス・ボスでしょうか。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「その後も印象派の作品の高額落札は更新され続け、近年では、二〇一四年にサザビーズがロンドンで開催したオークションでモネの《睡蓮》に三一七〇万ポンド（約五四億八〇〇〇万円）の値がつき、大きな話題となりました。まさに天井知らずのモネ。美術館で目の前にある《睡蓮》が札束のように見えてこないことを祈るばかりです。 　今でこそオークションに出されれば何十億という値段で落札されるモネの作品ですが、その後、「印象派」と呼ばれるようになるルノワール、シスレーといった仲間たちと、自らの新しい絵画を紹介するべく一八七四年に《印象・日の出》（図 3‐ 1）などを出品した展覧会（第一回印象派展）の評判は、目も当てられない惨憺たるものでした。今では信じられないことですが、輪郭線のない色の重なりで光あふれる一瞬の風景を表現した作品に対し、まるでモップで描いたようだと酷評されたそうです。戸外で刻一刻と移り変わる自然の光の一瞬をキャンバスに表そうとしたモネたちの意欲的な試みを認めてくれる人は、当時はほとんどいなかったのです。それはあたかも、私たちが現代アートの作品を観て「こんなの絵画じゃない！」と思ってしまう感覚に近いものがあったのでしょう。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「まず始めに、これまで見てきたグエルチーノやフェルメールと違い、モネが描いたのは主に風景だということに注目しましょう。宗教画や風俗画が、日本人にとってあまり馴じみがないのに比べ、風景画（山や川それに草花など）は予備知識がなくてもひと目でそこに描かれているものが分かり、作品の世界観に入っていくことができます。美術史上では風景画のヒエラルキーは宗教画や風俗画に比べ下位でしたが、今の時代、我々鑑賞者にとってはそうしたジャンルの階級制度はまったく無用なものにすぎません。美術館へ足を運び美術鑑賞をする理由は人それぞれあるかもしれませんが、「美しい絵」を観たいという願望は誰しもが心に抱いているものです。その願いに最も合致するのがモネの風景画なのです。画面全体に広がる優しい色合いや自然美、そして言葉の壁を感じさせない普遍性がモネの風景画にはあります。風景画は、地域や文化的な背景の違いを超越して、すべての人に絵のよさが伝わるという魅力があります。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「山水画に見られるように、東洋の絵画では風景はお馴じみの画題ですが、西洋の美術史上で風景だけを独立して描くようになったのは、一六、一七世紀のフランドル絵画あたりからです。フェルメールらの風俗画と同様、その時代の裕福な市民階級に非常に人気の高いジャンルで、風景を専門的に描く作家も登場します。 　フランス絵画でも一九世紀に入るとカミーユ・コローやギュスターヴ・クールベなどいわゆる写実主義の画家により数多くの風景画が描かれました。室内で想像しながら宗教画や神話画を描くのではなく、屋外に出てそこで働く人々や自然を観察し、それをありのままに描こうとした一派が現れます。バルビゾン派が有名ですね。その延長線上にモネを筆頭とする印象派の画家たちがいるわけですが、目の前の現実をリアルに描こうとした写実主義の風景画と印象派の決定的な違いは画面の明るさにありました。農民や労働者をリアルに描いた写実主義は、どうしても暗くなってしまいます。その暗さが実社会の過酷さを表しているのですが、それに背を向け、明るさを求めたのが印象派の画家たちでした。モネたち印象派が目指したのは刻一刻と移り変わる光を描ききることでした。ですから、その画面は自ずと美しくやわらかな色彩にあふれたものになったのです。テーマ的にも表現的にも後出しじゃんけんではありませんが、風景画のいいところ取りを確立したのがモネたちだったのです。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「それまで長いこと西洋絵画の基本であった「フォーマル」な描き方をせずに、描くべき対象をざっくりと捉えたモネの作品はまさに「抜け感」のある絵画と言えるでしょう。一見すると《睡蓮》は何が描かれているのか分からず、ごちゃごちゃした印象さえ与えますが、しかしよくよく観てみると、例えば睡蓮の葉などのようにしっかりと描くべきものとそうでないものを分け、一枚のキャンバスに共存させていることが分かります。よい意味で適度に手を抜いている部分があるのです。 　作品としてすっきりとまとまっていながら、決して描き込みすぎていません。それにより視線が絵の中を自由に動き回れます。これまでの絵画になかった、「動き」がモネの作品にはあります。着こなす人のセンスがにじみ出るファッションと同じく、同じ印象派の画家たちでもモネほど上手く「着崩し」ている人はいません。 　印象派の展覧会は毎年どこかの美術館で開催されています。次回モネやルノワールの作品を観る際には、この「抜け感」をひとつのバロメーターとして鑑賞することをおすすめします。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「写真のような表現がリアルであるのは当然ですが、このようなボヤボヤ感がリアルさを生み出すのは、よく考えれば不思議なことです。実は我々の目には、写真よりもモネの作品の方が近しいからなのだと思います。人間の目はいい加減なもので、視界に入るもののうち自分が見たい対象の一部分しか見ていないものです。セザンヌがモネを讃えた有名な言葉に「 Ce Monet, ce n' est qu' un oeil, mais quel oeil!（モネはひとつの目にすぎない、しかし何という目だろう！）」がありますが、まさに言い得て妙だといつも思います。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「晩年のモネは白内障を患い、著しく視力が低下してしまいます。自宅の睡蓮の池に作った日本風の太鼓橋やバラのアーチを描いた作品が残されていますが、それらはまるで抽象絵画を先取りしたかのように荒々しく何が描かれているのか判別できないほどです。しかし奇妙なことに、その絵の前に立ちしばらくすると描かれたものが見えてくるのです。脳内でモネのボヤボヤ感を変換する装置が、彼の作品を観ているうちに養われるのは、決して都市伝説などではなく本当のことです。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「食事の席で宗教と政治の話をしてはいけませんと、小さい頃に親から叩き込まれたものです。どんなに気心の知れた仲のよい友人であっても、宗教や政治の話題となると意見にずれが生じるものです。微細なものであればスルーできますが、信条に反するようであればひと言いわずにはいられなくなり、それが引き金となって諍いになってしまうとせっかくの美味しい料理も台無しです。これは ＳＮＳ上でも同じことが言えます。 　絵画の好みや良し悪しも人によって大きな違いがあるものです。言い争いになるほどではないかもしれませんが、自分がよいと思っている画家や作品のことを悪く言われるのは快いものではありません。印象派の画家についても同じことが言えます。「ルノワールの初期の人物画はよいけど風景画は観られたものじゃないね」とか「川以外を描いたシスレーの風景画は魅力が半減するね」など人によって様々な意見が出てきます。これがピカソやシュルレアリスムの画家たちとなると、机を叩いて怒りだす人も出てきかねません。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「　それではなぜこの山を生涯にわたり何度（油彩画・水彩画合わせると九十点以上）も描いたのでしょうか。簡単に答えてしまうなら、それがライフワークだったからに他なりません。葛飾北斎もライフワークとして同じように富士山を繰り返し描きましたが、そこには様々な富士山をどう表現しようかという喜びや時に遊び心が見られます。一方でセザンヌの描いたサント゠ヴィクトワール山からはそれと同じようなものを感じることはできません。同じライフワークであってもセザンヌの場合そこに単に楽しみを見出したわけではないからです。 　彼がこの山を選んだ理由は簡単です。故郷の山であること、そして山は常に姿かたちを変えずにそこに居てくれる存在だからです。人物画を描くにあたりモデルに対し「リンゴは動かないぞ！」と少しでも動くと激怒したという有名なエピソードを持つセザンヌにとって、絶対に動くことのない故郷の山はこれ以上ない優秀な「モデル」だったのです。この不動不変のモデルを通して、厳しく自分の追い求める絵画芸術の真髄を求めたからです。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「試しに他の印象派の作品とセザンヌの作品をインスタグラムにアップしたらどちらがより「いいね」をもらえるかは、火を見るよりも明らかなことです。セザンヌ作品は「いいね」を押す指を躊躇させるはずです。目に心地よいわけではないのですから。モネ、ルノワール、セザンヌがそれぞれインスタをやっていたとするとフォロワー数に歴然とした差が出ることでしょう。 　しかし、一般受けはしなくても絵画を読み解く面白さで見れば間違いなくセザンヌ作品に軍配が上がります。それには多少の慣れと理解が必要ですが。美術史の流れを大きく変えることになったセザンヌですが、彼が意図的にそうしたのでは決してなく、自分の考える作品世界を徹底的に追究した結果、時代が後から彼についてきたのです。時折、美術鑑賞をしていると人生訓のようなものを学べる時がありますが、セザンヌの生き方は仕事や勉強で行き詰まった時にとても有用な指標となるはずです。二〇世紀に活躍した多くの芸術家に影響を与えた「セザンヌ画」の魅力は表現的・技術的なことだけでなく、どちらかというとそちらにあるのではないでしょうか。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「例えば日本人にも高い人気を誇る「ムーミン」の作家トーベ・ヤンソンがフィンランド人であることを知れば、ぐんと理解が深まるのと同じです。グローバル化が叫ばれる昨今ですが、結局最後に残るのはローカルに根ざしたものであると薄々気づいてきたはずです。芸術作品もその作品が生まれた土地を知ることで、より一層鑑賞の幅が広がります。今では調べればすぐに手元でその町の位置や情報を確認することができます。わずかな手間をかけるだけで、より深く作品と向き合うことができる便利な時代となりました。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「九十一歳で亡くなるまで制作を続けたピカソ。何を描いても高い評価を得たピカソ。間違いなく二〇世紀最大の画家と言えるでしょう。しかしその名声とは裏腹に、彼ほど正しく理解されていない画家も珍しいのではないでしょうか。どうしてこの絵が名画なの？ 　なぜこれが何億円もするの？ 　と常に疑問の対象となるのがピカソです。 　確かにこのポーラ美術館所蔵の《花売り》という作品も一見何が描かれているのか理解に苦しみます。タイトルから察するにどうやら花を売り歩いている女性のようだと分かっても、どうしてこんな描き方をしたのかという疑問は解消されぬばかりか、ますます謎は深まるばかりです。 　もちろん様々なスタイルで絵を描いたピカソのことですから、中には直観的に「ああ、いい作品だな ～」と素直に思えるものもありますが、その数は決して多くはありません。例えば同じポーラ美術館所蔵の《海辺の母子像》は「青の時代」に描かれた作品ですが、静かで深い悲しみを帯びた表情、海辺をさまよう目の見えない母親と赤ん坊というモチーフ、陰鬱なブルー、抜群のデッサン力、たいへん分かりやすく、多くの人の胸を打つ作品です。けれども、この抒情性豊かな「上手い絵」を描いていた初期の時代に早々と見切りをつけ、ピカソは生涯新たなスタイルの作品に挑みました。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「勉強ができる優等生は時にスポーツも万能で何をやらせても優れた才能を発揮するように、ガレも幼い頃から生物学そして文学においても優れた能力を発揮していました。ガレの作品にはボードレールやユーゴーといった詩人の言葉が引用されているものがあります。詩（言葉）を元にしてガラス作品を作っていったのですから驚きです。そこにはアール・ヌーヴォーやジャポニスムだけでは語り尽くせないガレの幅広い才能の一端を垣間見ることができます。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「繰り返しになりますが、写真技術の発達とともに、目の前の像を正確に二次元の画面に写しとるという絵画が担っていた役割が急速に薄れていくことを、多くの作家が危ぶんでいました。ピカソ自身もただならぬ危機感を抱いていました。天真爛漫で自分の好きなように生き、絵画を描いてきたイメージのあるピカソですが、実は決してそうではないのです。写実を超える新しい絵画のあり方を見つけるため、古代スペインや古代エジプトなどのプリミティヴな彫刻に興味を持ったり、スペインのディエゴ・ベラスケスら過去の巨匠の作品の連作模写を制作するなどしました。 　ピカソが十四歳の頃に描いた《初聖体拝領》（ピカソ美術館蔵）をかつて展覧会で観た際に、あまりにも完成度の高いリアルな描写に舌を巻いた覚えがあります。ネットで検索すれば画像が出てきますのでぜひ調べてみて下さい。しかし、子どもの頃からこれだけの画力があったピカソでさえも（いやピカソだからこそ）、新しい絵画とは何なのかを追い求め続けずにはいられなかったのでしょう。そしてそれは時代的必然性でもあったのです。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著


「ピカソに決定的な影響を与えたのが、第 ４章で紹介したポール・セザンヌでした。画家は画家と関係して画家となるものです。それはピカソに限ったことではなく、ひとりの画家の作品を観るということは、その背後に複数の画家の作品を合わせて観ていることになるのです。このつながりが分かってくると美術鑑賞の面白さがぐんと増します。「この画家の作品は苦手だから観ない」というのは、結果として自分の好きな作家の理解の幅を狭めてしまっていることになります。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著


「偏った食事は健康を損ねる原因となりますが、美術の世界でも同じです。ともかく好む好まざるにかかわらず、作品はたくさん観たモン勝ち！ 　嫌いなら、嫌いでもよくて、嫌いなもの、苦手なものは、「嫌い」「苦手」としっかりインプットしておけばいいのです。けれども苦手な画家が、自分が好きな別の画家に影響を与えたりしているドラマがあるのが美術史の世界です。せっかくの休みの日に訪れた美術展で、「好みの絵ではなかった、損した」とがっかりすることはありません。なぜならその体験自体は、決してマイナスにはならないからです。その時好みでなかったとしても実際に目にしておくことで、何年かたって、別の視野で苦手な画家の作品が観ることができるようになり、新しく評価できる時が必ず来ます。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著


「少々脱線しましたが、セザンヌの絵画理論がピカソに与えた影響には、計り知れないものがあります。セザンヌの存在なくして二〇世紀の巨匠ピカソは成り立たなかったはずです。絵画から「リアルであること」を取り払い「理論」で構成したセザンヌの最も分かりやすい影響が見られるのは、複数の視点を一枚の作品の中に取り入れることでした。ピカソはそこから、すべてを立体として捉え、キュビスム（立体派）へと発展させるのです。ここで、ポーラ美術館の《花売り》を観てみましょう。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著


「　綿密な絵画理論に基づいて描かれたピカソの絵と、子どもが自由奔放に描いた絵をさも同列のように扱うことは、どちらの絵に対しても失礼なことであり、それぞれの絵を正しく理解することを放棄しかねません。子どもに見えている世界及びその表現と、ピカソのそれが同じであるはずがありません。「ような」という比喩的な表現であるので、そこまで目くじらを立てることもないように思えるかもしれませんが、百歩譲って見た目は同じようであったとしても、中身はまったく違うものです。 　私には、「子どもが描くような絵」と言うことが、本来、理論で読み解かねばならぬピカソ作品に対する理解を、その難解さから放棄してしまう手立てとしてしまっているように思えます。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著


「日本でも、例えば、「日付絵画」なるものを描き続け、世界中にその名を馳せた河原温がデュシャンの末裔です。「日付絵画」とはその日の西暦と月日をキャンバスに描いただけの作品です。それ以上でもそれ以下でもありません。しかもその作品はまるで印刷された活字のようで、画家が描いた痕跡がまったく見当たりません。そんな作品（失礼！）でも高値で飛ぶように売れるわけですから、現代アートは普通の一般常識では計ることのできない世界です。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「自分のような素人美術ファンでも美術鑑賞を何年かしていると、どうしてもいつかはデュシャンと対峙しなければならない時が来るものです。デュシャンと言えばよく話題に上るキュビスム的な作品《階段を下りる裸体 № ２》やレディ・メイド作品《泉》であれば、何とか自分の納得のゆく解釈ができるものですが、《大ガラス》が相手となると、どこをどう捉えたらよいのか手がかりさえ摑めない状況に陥れられます。どうしても《大ガラス》のことを理解したくて、いろいろな本（それも難解な）を随分と読み漁ったものです。もちろん明確な答えなど出てこないのですが、それでも格闘するように《大ガラス》について考えることは、美術ファンの大事な通過儀礼であるように思えるのです。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著


「それにしてもこれだけ後世に大きな影響を与える作品を連発したデュシャンですが、一九二三年に《大ガラス》の制作を投げだし、プロのチェス競技会へ出場すべく真剣にトレーニングに没頭するようになります。年齢的に三十代半ばですからまさに芸術家としては下地も整い、これからという時期に、自らバスを降りてしまったのです。こうした生き様もまたデュシャン神話に拍車をかける要因とも言えます。本当に超ツンデレ系ですよね。 　しかしデュシャンはチェスや旅行を楽しむ傍ら、秘密裡に《（ １）落下する水、（ ２）照明用ガス、が与えられたとせよ》（通称《遺作》、フィラデルフィア美術館蔵）と題する作品を制作していたのです。なんと二十年もの長きにもわたって！ 　一九六六年に完成したこの作品は、デュシャンの遺言に従い、彼がこの世を去った一九六八年にフィラデルフィア美術館で人々の前に現れました。外観は一枚の木製の扉しかありません。これもまたお得意のレディ・メイド的な作品かと思いきや、扉には小さな覗き穴があけられており、そこから中を見る仕組みとなっていたのです。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「「国宝展」や「茶の湯展」でもそうですが、日本美術の展覧会へ足を運ぶと、牧谿、夏珪、馬遠、梁楷、玉澗といった中国南宋時代に活躍した絵師の作品を目にします。なぜ日本美術の展示に中国人絵師の絵が展示してあるのか、不思議に思われたこともあるかもしれません。それは彼らの作品は室町時代以降の日本美術のお手本とされ珍重されたからであり、その証にその多くが日本の国宝、重要文化財に指定されているのです。 　室町時代から江戸時代に至るまでの日本の美術に大きな影響を与えた中国美術の画家たちのことを知らないのは残念すぎます。せめて名前だけでも憶えておき、作品に出会えたら目を皿のようにし展示ケースに食らいついて観てみましょう。はじめのうちは縁遠く感じるものですが、何度か観ていくうちにそのよさに気がつくはずです。美術鑑賞は、数を重ね経験値を上げることで、より高次へ歩みを進めることができるものです。初めの頃は好き嫌いせずに何でも観ておくことはとても大事なことです。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著


「しかし、そうしたいわゆる変色さえもひとつの作品の味と捉えてしまうところが、日本美術の面白く魅力的な点でもあります。美魔女という言葉が流行った時にどうも納得がいかない感じを抱いた方の多くは、もしかして日本美術ファンなのではないでしょうか。もちろん自分もそのひとりです。歳を重ねてこその美しさ、魅力というものがあるにもかかわらず、ただ若く見られたいと思うことがどれほどナンセンスなことか。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「それにしても、「琳派」という流派名に一番驚き戸惑っているのは尾形光琳自身ではないでしょうか。ちなみに「琳」という漢字には「美しい玉」という意味があるので、日本美術の珠玉の作品といった意味なども込められているそうです。 　改めて説明するまでもありませんが、琳派の特徴はズバリその洗練されたデザインと鮮やかな色彩による装飾性にあります。何の知識も持ち合わせず展覧会で偶然目にしてもその美しさに思わず足を止め、どこかホッとしてしまうのは、そんな琳派の特徴ゆえのこと。描かれている場面の由来が分からなくても大胆な意匠や斬新な装飾性だけで観るものを魅了するからこそ、現代の我々にも高い人気があるのです。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著



「会田誠は《群娘図' 97》（個人蔵）という、《燕子花図屛風》の花々をなんと女子高生に置き換えた作品を描いています。《群娘図》というタイトルは《燕子花図屛風》の花に用いられている群青を意識し付けたのでしょう。とても美しく、こうした琳派の継承もまたあるのだなと思わせる作品です。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「なお、京都生まれ京都育ちの光琳は生涯その地で暮らしていたように思えますが、一七〇四年から数年間江戸で生活をしています。光琳が四十七歳から五十二歳にかけての頃です。年齢的にもわざわざ慣れ親しんだ京の都を離れ、江戸に行く積極的な理由は光琳にはありませんでしたが、その当時のパトロンであった中村内蔵助が江戸勤務となったので仕方なくついていった形になります。 　江戸の町では大名から作品制作の依頼があったりとそれなりに多忙な日々を送った光琳ですが、都育ちの超お坊ちゃまが粗野な江戸の生活環境に馴じめるはずもなく、滞在中も何度か京都が恋しくなり戻ったりしています。そこで思い出すのが先ほどの『伊勢物語』第九段の東下りの物語です。一身上の都合で京都にいられなくなった主人公が仕方なく東国（江戸）に下る姿と自分のことを光琳は確実に重ね合わせていたはずです。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著


「絵画の展覧会には積極的に行かれる方でも、茶碗など工芸の展覧会だと二の足を踏んでしまうことも多いのではないでしょうか。展示されている茶碗というと、真っ黒や渋い色のものがずらりと並んでいる様子が頭に浮かび、どうしても地味なイメージになってしまいます。そして何より、そこにどうやって面白さを見出したらいいのか分かりません。 　そもそも、安土桃山時代に茶の湯を芸術のひとつとして完成させた千利休の「佗茶」の様式自体が小さい茶室に雑器のような簡素な器、と地味なのです。だからこそ「佗茶」と呼ばれ精神性が重視されました。 　しかし、ここで取り上げる「曜変天目」と称される茶碗は、その佗茶が成立する前の室町時代、あの金閣寺や銀閣寺を建てた足利将軍たちに最も高い評価を受けただけあり、キラキラと輝くように派手で見栄えのする茶碗です。茶碗の良し悪しなど分からない自分をもひと目で虜にしてしまう蠱惑的な魅力を湛えています。 　曜変天目の「曜」という漢字には、漢和辞典で調べると「かがやく」という意味があります。実際に茶碗の中の紋様が満天の星のように輝いているのです。また「曜」という文字を用い日・月と火・水・木・金・土の星をあわせ七曜と呼びます。まさに輝く天体を中に閉じ込めたかのような茶碗がこの曜変天目なのです。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「しかし、フェルメール作品を観るには海外へ行かねばなりませんが、曜変天目はありがたいことに三点とも日本国内にあります。三点とも国宝指定を受けているため、隠し持って秘蔵することができません。つまり公開される機会があるのです。国内にあり、年がら年中観られるよりも、年に一、二度観られるかどうかというこの微妙な匙加減がさらに曜変天目観たさに拍車をかけるのかもしれません。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「そもそも曜変天目の「曜変」はもともと「窯変」と記されることもあり、窯の中で焼いている途中に突然変異を起こした茶碗だったのです。緑茶をより味わい深いものにするには、漆黒の闇のような黒い茶碗が最も適していたことは想像に難くありません。ところが見込みにこんな派手な紋様が出ていたら果たしてどうでしょう。見込みに予期せず突然現れた青や虹色に輝く文様を持つ茶碗を、どう受け止めるかにより価値は自ずと変わってきます。単なる失敗作と見るのか、窯変を面白いものとして見るのかによって。想像の域を出ませんが、完璧を求める中国人は前者と捉えたのに対し、偶然の美や非対称なものに美しさを見出す日本人は後者と捉えた結果、現地へ赴いていた日本の修行僧たちが持ち帰ることができたのでしょう。 　しかし、どうやら中国人もこの窯変した茶碗を忌み嫌っていたわけでもないようです。「不気味であったから中国では避けられ、それがすべて日本に運ばれてきた」という説も、二〇〇九年に杭州の宮廷関連施設で曜変天目（全体の四分の一程度の欠損はありますが、写真で見てもその美しさに魅了されます）が発見されて以降は、学術的には正当性が疑問視されてきています。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著



「なんでも分かってしまう世の中にあっていつまでも捉えることのできない謎があってもよいと思います。謎はこの茶碗を観る者に想像の翼を与えてくれます。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「一九世紀に海外で高い評価を受けていた並河靖之作品はじめとする明治工芸に、二一世紀になってようやく自国の目が向けられるようになりました。俗物扱いされてきた春画が同様に西洋で評価され、二一世紀になってから国内でも展覧会が開催されるようになったのと同じ構図です。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著


「　ある時代、ある国における美意識は単体ではなく複数あることを認識し、「複眼」で作品に向かい合うことは、日本美術だけでなく西洋美術を鑑賞する上でもとても大事なことなのです。あのパリの印象派の時代にもクラシカルな作品がしっかりと描かれていたのですから。村上春樹風に言うなら「完璧な美などといったものは存在しない。完璧な醜が存在しないようにね。」となるでしょうか。芸術鑑賞はとどのつまり、自分の美意識に希求されるものです。料理の美味い不味いはある程度コンセンサスを得られるものですが、芸術に関しては大きく意見や好みが分かれてしかるべきで、知識を有しつつ「常識」に捉われずに向かい合えるようになりたいと常日頃思っています。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著


「何人もお気に入りの現代作家はいますが、その中からここでは池永康晟（一九六五年─）を紹介していきたいと思います。「池永康晟さんってどんな画家なのですか？」と問われたら「好きなものを好きなように描いている作家です」と答えるようにしています。至極当たり前のように聞こえるかもしれませんが、画家が自分の好きなものを好きなように描けた時代は実はほとんどなく、教会や王侯貴族、パトロンの意向に合うように、リクエストに応じて制作してきました。今の時代そうした縛りはないかもしれません。しかし、筆一本で生計を立てていくには、資本主義社会の中では高値で売買されるような「客の好みに合った作品」を描かざるを得ません。作家は、マーケットの要望に応えるべく描きたくないモチーフを量産するそんなジレンマに陥ってしまいかねません。」

—『いちばんやさしい美術鑑賞 (ちくま新書)』青い日記帳著

「推し」を通じて、プロジェクションという考え方を学ぶ一冊。後に出された『イマジナリー・ネガティブ』はプロジェクションの負の側面に着目した本だが、本書ではプロジェクションの正の側面を強調している印象。宗教なども「共有されたプロジェクション」であり、「未来」をともに目指すことができるのもプロジェクション。まさに「世界はプロジェクションによって豊かに彩られている」という印象を受けた。

頭の中にある表象を、目の前の現実に重ね合わせる心の動きである「プロジェクション」について解説した一冊。人間はあらゆるものにプロジェクションしており、それは自分自身も例外ではない。「自己」というものもプロジェクションによって形を変え、「他者」の存在を意識することでも、それがフィルターとなって自己認識が変化し、さらにその影響を受けて変容していく。こう考えると、プロジェクションによって購買行動や自己認識まで変えられているのだろうな、と感じた。

スライド作成の鉄の掟を教えてくれる良本。

社会人歴8年目に読む本か！？と思いつつも、鉄の掟が言語化されていることによって、自身の作成スライドが掟破りしていないかチェック作業をしやすくなった。
人間は言語化していないものを意識はできないもんね。

社内でもイケてない資料は大量に流通しているし、自分でも作成してしまうけれど、イケてない理由が言語化できるようになった。自身の作成資料では、必ず4原則(近接、整列、反復、コントラスト)は守るようにしようと思った。

日本という国の諸外国との違いについて、端的に海外の人に説明するなら、天皇陛下の存在を抜きに説明する事は難しい。アメリカや韓国などの大統領制の国、イギリスやタイのような国王がいる国、中国のように共産党が頂点に立つ国、様々な国家体制が存在する中、日本の天皇制は独特な形だ。ここで私が形という言葉を用いたのは、天皇制の独自性を感じながらも、それに国家体制とか国家の仕組みという表現がそぐわないと感じる程、そこには実態の権限は存在せず、国家統合の象徴としての存在に止まる事が、その役割や意味合いを非常に曖昧なものとしているように感じるからだ。主権はもちろん国民にあり、天皇陛下もその国民の1人である。また憲法...続きを読む第4条に明記されるように、天皇は国政に関わる権能を有しない。よって直接的に政治を動かす事がないのであるが、それにも関わらず、実質的に国を動かす内閣総理大臣は天皇が任命する。これにも直感的な疑問を感じ、私には上手く説明ができない。私にとっての天皇陛下は説明が難しい存在であるにも関わらず、日本という国を説明するのに欠かせない存在である。これが「象徴」という表現に現れるなら、その言葉の当てはめ方は、これまた非常に巧さを感じたりもする。ある種感覚的に受け止められる、この「象徴」という言葉、これこそ正にぴったりな言葉なのであろう。だから天皇制は日本の文化であり社会の基盤でもある、という理解にも繋がる（明確にどちらとも言えないがどちらも当てはまる）。
戦前戦後で日本の天皇の在り方は大きく変化したように見える。それは天皇が神であり絶対に背くことの出来ない権力から、前述した象徴としての存在に変わった事。三島由紀夫が言うように「人」になったと言う表現がわかりやすい。本書はそのような天皇の在り方がどの様に確立され、そして何を契機にして変遷していったかを、神学的な考察で紐解いていく内容となっている。その言わんとしている事は、天皇を神学的な考察で見ていくと、戦前戦後で何ら変わりないものとしている所、それが本書の最も興味深い主張となっている。何故明治維新により社会的に大きな変化を起こす必要があったのか。そして天皇制をその変化の中でどの様に位置付けたか。それが齎した社会や国民意識への作用。その結果として分析可能な五.一五事件や二.二六事件、そして終戦の詔の録音を奪おうとした宮城事件。国体を守るためには天皇陛下へ翻意を迫る事すらも厭わないという発想に行き着くまで。国体か天皇そのものかと言う議論が展開されていく流れ。天皇が社会の基盤としてではなく信仰の対象となり、それが国体＝国そのものの在り方として軍部や民衆に浸透していく様は、歴史として後世の人間が貧困や個人の権利の主張などの社会の変化と合わせて見ていくと非常にすんなり頭に入ってくる。
今に生きる我々の中ではその存在は当たり前の様でもあり、失礼な表現かもしれないが、なくてはならない空気の様でもある。天皇陛下のいない日本は私の中でも確かに日本ではないし、あってこその日本の姿。これは文化なのか、社会そのもの基盤の一部なのか、はっきり説明できない。それが何故私の中で日本そのものと感じるのか、一つの答えを見つけることのできる一冊である。

やりたいことやせねばならんことに集中できずスマホをさわってしまう
頻発するこの現象
集中できない理由は コントロールできない不快からの逃げ なので
デジタルデトックスなどしたとしても昼寝とかまた別のものに逃げてしまう
なので逃げたいという欲求そのものをどうにかせねばならん 解決策はというと、、ない
現実に向き合って覚悟しろ

ってな事が書いてあった
あと しわあせ について

人生の｢本当の意味｣が｢未来｣にあると信じ｢今この時｣を生きることから逃げている
しかし｢今を生きる｣ことが幸せへの近道
そのための最善のアプローチは
今に集中しようと努力することではなく
｢自分は今ここにいると...続きを読むいう事実｣に気づくこと
☆いまを生きるとは今ここから逃げられないという事実を静かに受け入れることかもね

｢幻想にしがみつくことをやめて、現実をしっかり見つめた時そこに現れるのは無力さではなく溢れんばかりの活力だ
今までずっと身構えてきた恐ろしい事態は既にもう起こってしまった、だからもう肩の力をぬいていい｣

ってな事です
なんかすごい
人生は未来の準備期間じゃないよ
今だって人生よ

時空がゆがむような気持ちになった

大好きなシリーズのスイス版。365のエッセイとそれに１枚ずつ美しい写真が付いていてボリューム満点。住んでいる人でないと知らないような情報満載でスイスで1年過ごしたような気になれる。この本をきっかけに著者のインスタをフォローしスイスの美しい写真を楽しんでいます。いつか行きたいなぁ。

旦那にイライラすることが多く読んでみました（笑）単なる性格ではなく脳の仕組みが違うんだと分かると「仕方ないのか」と思えるように。でも多分これからもイライラすることはあると思うので折に触れて読み返したい一冊。

緑内障によいとのことだけど、予防にもなるし他にも健康にご利益があるようなので、是非習慣化したいマッサージです。

めっちゃ面白い。代理人という、名前は知っていても具体的には想像しづらい仕事の内容を垣間見せてくれる一冊。

ドイツ最大手のフットボール代理人事務所「スポーツ360」でアジア部門責任者を務め、菅原由勢選手をはじめ多くの選手を支える龍後さん。欧州最前線のリアルと日本サッカーの未来を語るノンフィクション！

龍後さんが担当しているのは、日本代表だと、菅原選手、久保選手、瀬古選手、塩貝選手、松木選手。
現地での生活やキャリア形成をまさに二人三脚でサポートしている。選手によっては欧州移籍も。

というか、代理人の仕事って思ったよりかなり多かった。ピッチ上以外の全てを支えているってイメージ。

例えば、食...続きを読む事会のセッティング、選手と日本人シェフを繋ぐ、良いメディカルコーチやフィジカルコーチを紹介する、メディア対応の拘束時間の取り決め、など、代理人ってよりもはやチーム外にいるマネージャーって感じ。

自分で動いていてるって書いていたから、良いと思ったことはどんどん何でもやってみている姿勢が、めちゃくちゃアグレッシブ。

「W杯ベスト8の壁は、ピッチの外にも存在する——」と帯に書かれているが、読んでいるうちにその意味がひしひしと伝わってきた。

特に「ある一週間のスケジュール」を公開していたところがすごく印象に残った。

ドイツのケルンを拠点にイングランド、オランダ、フランスを飛び回って、試合を見て、選手と会食し、自社のミーティングに参加し、クラブと交渉し……と、まさに超多忙。NGK→森ノ宮→営業→NGK→漫才劇場→営業→NGK→営業みたいな大阪芸人の殺人スケジュールを思い出すハードさで、欧州最前線で戦うことの凄まじさを実感する。

また、選手たちとの個別エピソードも読み応え抜群。特に菅原選手、塩貝選手、瀬古選手のエピソードが非常に魅力的だった。なかでも塩貝選手に関しては、龍後さんと出会わなければワールドカップに選ばれていなかったかもしれないと思わされるほどで、代理人の存在が選手のキャリアや人生そのものを大きく左右するキーパーソンなのだと痛感させられた。

そして、熾烈なディールについても。移籍期間はもうクタクタだろうな。「舐められたら終わり」って書いているし、おかしいことはおかしいとちゃんと主張しないと、本当に弱肉強食の世界で良いようにやられる。時には身内ともぶつかったり、メディアを利用して移籍金を釣り上げたり、タフでテクニカルなビジネスの戦いが記されていた。おすすめ！

1034円


青い日記帳（あおいにっきちょう）
國學院大學文学部文学科卒、Tak（タケ）の愛称でブログ「青い日記帳」を主宰する美術ブロガー。１年に300～400の展覧会を鑑賞し、レビューや書評など、幅広いアート情報を毎日発信する。展覧会や美術書のインフルエンサーとして講演、イベント登壇するなど、いまや美術業界では欠かせない存在。著書に『いちばんやさしい美術鑑賞』、『名画のひみつがぜんぶわかる! 　すごすぎる絵画の図鑑』、『マンガでカンタン！名画の見方は7日間でわかります。 西洋美術編』、『失われたアートの謎を解く』（監修）など。本名は中村剛士。


「一般的に世界的な名画は、売却が難しいため...続きを読む盗難には向かないとされるが、フェルメールはその希少性から、国家を動かすほどの影響力を持ちうると考えられてきたようだ。また、フェルメール作品はサイズが小さく持ち運びやすいことも狙われた理由としてあるだろう。しかし、過去の盗難が教えるようにいずれも取引きや売却に失敗している。フェルメール作品は図らずも「名画は闇のマーケットでは売れない」ということを実証している。」

—『失われたアートの謎を解く (ちくま新書)』青い日記帳著

「ガードナー美術館のコレクションを作り上げたイザベラ・スチュワート・ガードナー（ 1840─1924）は、ニューヨークの裕福な家の出身。 14歳でパリの学校へ入学すると、フランスやイタリアの美術を見て育つ。 20歳にしてボストンの名家、ガードナー家の三男と結婚。本格的に美術品を収集したのは、実父の膨大な遺産を相続した四十代を過ぎてからのことだ。約 10年間で作り上げたコレクションは、イタリア絵画を筆頭に、オランダ絵画や印象派絵画、アジアの美術品、ナポレオンの手紙やベートヴェンのデスマスクといった幅広いものだった。 　 1903年、彼女は 2500点に上る美術品を完成したばかりのヴェネツィアン・スタイルの邸館に陳列し、全ての人が作品を楽しめるように自宅兼美術館をオープンした。そんな彼女の遺言は、自分の死後も作品は永続的に展示し、 １点たりとも自分が陳列した場所から動かしてはならない、というものであった。この遺言ゆえに、盗難後も展示替えがなされることはなく、美術館には空の額縁が飾られることになった。」

—『失われたアートの謎を解く (ちくま新書)』青い日記帳著


「第一次世界大戦を三年後に控えていた一九一一年八月二〇日、麦わら帽子をかぶった一人の若い男がルーヴル美術館を訪れた。パリ東部に住むヴィンチェンツォ・ペルージャ。左官職人として生計を立てるイタリア人で、《モナ・リザ》を盗んだ男だ。一九一〇年一一月から翌年の一月にかけての三ヶ月間、ルーヴルではナイフで作品を傷つけられるのを防止するため、重要な絵画にガラスカバーを施す作業が行われていた。ペルージャも出入りの業者として数週間その作業に関わった。そのため展示品の位置や出入口、守衛のスケジュールについて知悉していたと思われる。彼は他の多くの来場者同様、何食わぬ顔で入館し、計画通り展示室の死角になるバックヤードで一夜を明かす。翌八月二一日は休館日だった。作業する人の目を避けつつ、小さな倉庫を抜け出し、《モナ・リザ》が公開されているサロン・カレに侵入した。」

—『失われたアートの謎を解く (ちくま新書)』青い日記帳著

「ヒトラーが異様といえるほど「芸術作品」に執着を持った背景には、少年時代の夢と挫折があった。ヒトラーの小さい頃からの夢は建築家になること。しかし成績は芳しくなく建築家になるための大学進学は難しい状況に陥った。なんとか受験資格を満たせるウィーン造形美術アカデミーの絵画科を探し出し受験するが、結果は二年連続の不合格。彼に与えられた評価は「知力貧弱・デッサン試験不可」「文句なく、画家への不適性」という散々なものだった。 　表現主義の画家エゴン・シーレは、ヒトラーが受験に失敗したウィーン造形美術アカデミーに一年早く入学。芸術の都ウィーンでも、すでに表現主義は美術界の大きな潮流だった。古典的な表現しか認めないヒトラーとウィーン美術界の求めるものはあまりにもかけ離れていた。 　ヒトラーは自分の芸術的な才能に自信があった。第二次世界大戦の勃発直前に「戦争屋ではなく芸術家として生涯を終えたいと思う」と語ったという証言が残るほどだ。芸術家を自負する自分に扉を閉ざしたウィーンとそこで評価されていた表現主義。この芸術のありようこそが、ドイツ人にとって諸悪の根源である──歪んだ芸術観と認められなかった劣等感は絡み合い、ヒトラーは手に入れた権力で芸術をひざまずかせようとしたのではないだろうか。」

—『失われたアートの謎を解く (ちくま新書)』青い日記帳著

「バーミヤン遺跡と繰り返された破壊 　仏陀が入滅して 500年間ほど、仏像は作られてはこなかった。「私を拝するな」という仏陀の言葉があったのだ。しかし現在のバーミヤン周辺には、紀元前後に多くの仏教徒が存在し、 ２世紀頃には、バーミヤンの石窟寺院や仏像や仏教壁画などの制作も盛んだったと考えられている。 　ガンダーラは仏像が初めて制作された地で、距離的に近いバーミヤンは影響を強く受けている。 　しかしなぜ、このような大規模な仏教遺跡へと発展していったか。それには、 １ ～ ３世紀頃にこの地を支配したクシャーナ朝カニシカ王の存在がある。バーミヤンやガンダーラに住んでいた仏教徒は、騎馬民族の異教徒であるイラン系のクシャーナ朝の侵略のもとで、大きな被害をこうむり、その惨禍から逃れるために、仏教への帰依はより深まり、仏陀の姿を見たいという欲求が強くなっていた。そのクシャーナ朝の時代、世界地図的に見れば、その両隣には漢帝国とローマ帝国があった。交易の活発化が始まり、シルクロードが形成されていく。」

—『失われたアートの謎を解く (ちくま新書)』青い日記帳著

「エドゥアール・マネは一八三二年生まれ。ドガより二歳年上である。裕福なブルジョア家庭に育ち、外出する際は黒のハットを必ず着用する紳士であった一方、頑固で譲らない性格をのぞかせるところもあったようだ。裸の婦人をはべらせた紳士たちのピクニック《草上の昼食》や、ティツィアーノの《ウルビーノのヴィーナス》をパリの娼婦に置き換えて描いた《オランピア》などの作品は、二一世紀の現在では傑作とされるが、厳格な道徳観に支配されていた一九世紀の美術界では、スキャンダラスな作品として、烈しい非難を浴びた。神話や聖書の世界ではなく、産業革命のもと近代化・都市化されていった生活風景をありのままに描いたことから、マネはフランス美術界に革命を起こした画家とされ、後の印象派画家たちの先駆けとなる。」

—『失われたアートの謎を解く (ちくま新書)』青い日記帳著

「独創的で「新しい絵画」を目指す者としてお互い尊敬し合っていたが、生来の皮肉屋である二人の論争は、しばしば芸術論を超えた誹謗中傷に陥ることもあった。マネの「名誉欲」をドガが非難したかと思えば、ドガが女性に興味を示さないことをマネがからかうという具合で、カフェで激しく言い争う姿はたびたび目撃された。ある意味で喧嘩ができるほど心を許し合っていたともいえるだろう。」

—『失われたアートの謎を解く (ちくま新書)』青い日記帳著

「ウジェーヌ・ドラクロワといえば、一九世紀の西洋美術史において、ロマン派の画家として世界的に有名である。しかし、二〇一五年に日本で開催された「ボルドー展」で来日した大作《ライオン狩り》を観た人は、強い衝撃を受けたに違いない。なぜなら、《ライオン狩り》は上半分が失われた状態で展示されたからである。 　一八五五年、フランスで初めての万国博覧会が開催されることになった。ナポレオン三世率いる政府は、ドミニク・アングルやウジェーヌ・ドラクロワら自国が誇る美術を全面に押し出すことにより、フランスの歴史・文化における成熟度を対外的にアピールすることにした。ドラクロワが政府から一万二〇〇〇フランの制作費を受けて描いたのが一八四〇～五〇年代にかけて何度も取り組んだ画題の一つ、オリエンタル風の《ライオン狩り》だ。 　博覧会が始まると、人馬や猛獣が画面上に高密度で入り乱れ、迫力あるダイナミックな構図の作品は大きな話題を集める。批評家のボードレールは「正真正銘の色彩の爆発」と最大限の賛辞を送ったという。万博終了後は、ボルドー美術館に収蔵されることに決まった。幼少期を過ごし、同地に愛着があったドラクロワは、生まれ故郷であるボルドーに作品が収蔵されることを大いに喜んだらしい。」

—『失われたアートの謎を解く (ちくま新書)』青い日記帳著

推しが、おすすめしていたので、言語化が課題な私にとって、学べると思い、初めて語学の本を読んでみた。

私自身、推しの感想を投稿したり、友だちに話たりするときは擬音語をよく使いがちだ。そのため、この本を読んで、少しでも細分化し、具体的に推しへの愛を語ることができたらいいなと思っている。

この本の中で一番印象に残った部分は、**『「好き」は簡単に揺らぐもの。』だから『「好き」を言葉で保存する』**という部分。　「推しは推せるときに推せ」という言葉もあるが、本当にそのとおりだと思う。なぜなら、好き」じゃなくなった時のためにというよりも、『自分の考えや感じ方は年齢によっても変わってくるし、自分の記憶...続きを読む力を信用していないので、「今の私」の感じ方を記録しておく』という感覚で言語化を行っているところがあったのだが、「好き」を保存しておく、という表現はとても良いな、確かにそうだなと思ったからだ。