牧村憲一のレビュー一覧

「ヒットソング」の作りかた 大滝詠一と日本ポップスの開拓者たち

たまたまこの新書がポケットに入っている夜、たまたま扉を開けた店が懐かしいレコードをかけてくれるバーで、たまたまディスプレイされていたLPが大貫妙子のミニヨンだったのでターンテーブルに乗せてもらったら、たまたま後から入って来たお客さんがこの春に大学を退官される方で、たまたまかかっていた「突然の贈りもの」に感激されて日本のポップスに心奪われた青春時代の思い出を恥ずかしくそうに語ってくれて、彼の友人の大貫妙子や竹内まりやのディレクターだったこの宮田さんのその後の人生（本書には書かれていない…）を知ることになりました。自分が何者であるか揺れていた時代に身体に刻み込まれた音楽は時を超え場所を超え、こんな小さなたまたまを創ってくれます。前著「ニッポン・ポップス・クロニクル」に比べ、もっと著者の半径3mに起こった極私的たまたまの備忘録なので熱さのカロリーは上がっています。著者の周りにいた実力あるミュージシャンのネットワークが浮上するためには女性シンガーが必要だった、という戦略にもハッとさせられました。ジャンルの興隆って小さな点とそれを取り巻くコミュニティの顕在化によって成し遂げられるものなのかもしれません。この歴史の物語には現代性も十分含まれていると思います。たまたまの夜、出会った大学の先生もこの時代のニッポンポップスってもっと世界に再発見されるべき力あるんだよな、と呟いていました。

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

2010年の発行で内容は古くなっているのだが、音楽業界の歴史と展望、あり方が対談形式で面白く書かれている。

音楽業界に限らず、ビジネスのヒントが置かれている内容だった。

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

漠然と聴いていた音楽のこれまでとこれからについて輪郭が見えてきた気がします。そしてこれからは創作者と受け手の関係性や作品の純度といったものが大切になってくるとも感じました。

「ヒットソング」の作りかた 大滝詠一と日本ポップスの開拓者たち

大瀧詠一、細野晴臣、山下達郎など錚々たるメンツの話がでてくるので面白い。
Jポップを支えた人たちの苦労が垣間見える。

「ヒットソング」の作りかた 大滝詠一と日本ポップスの開拓者たち

70年代に入り、安保闘争・全共闘の政治の季節は
潮が引くように去り、新時代の息吹を運んできたのは
「新歌謡曲＝ニューミュージック」だった。
ガロ・拓郎・陽水・こうせつ・ユーミンらであり、
これまでの演歌や歌謡曲＝オールドに対する
「ニュー」、「非歌謡曲」の出現。

そんなニューミュージック黎明期の1970年、
エポックメーキングなグループが出現した。
ロックバンド「はっぴいえんど」。
ただ、活動は3年と短かく、1972年に解散。
この間に3枚のアルバムを製作。
彼らの音楽の特徴は日本語で歌うロック、
洋楽に引けを取らないハイクオリティな
アレンジ&サウンド。
今では当たり前過ぎることが、
当時の日本ではまだ確立されていなかった。
その背景には60年代を席巻したGS、
グループ・サウンズの存在。
彼らはビートルズをはじめ海外ロックに
インスパイアされ、日本語カバーからスタートするも
次第に商業主義に飲み込まれ閉塞していった
苦い経験が当時の音楽界に拭いがたいシミの
ように残っていた。
「日本語ロック」に対する疑念と羞恥。
その風潮に「上等じゃねえか！」と反旗を
翻したのがはっぴいえんど。

彼らの3年間の軌跡はその後数多くのアーティストが
たどる道となる。
シュガーベイブ、山下達郎、大貫妙子、竹内まりや、
フリッパーズ・ギター…。
そして80年代に入り、ジャパニーズポップスが
一気に音楽シーンの真ん中へと踊り出し、
90年代のJ-POPへと昇華する。

このような胎動を経て萌芽した、
ジャパニーズポップスを「作り」、
次代に何かを「伝え残し」、
才能と才能とを「繋げよう」としたのが
大滝詠一と加藤和彦であったと。

著者は大滝詠一を評して、
「日本のポップスを生み出すために飲み込んだ果実を
時間をかけて体内で醸造し、それを極上の酒に
してからでないと人には味わわせようとしない人」
という賛辞を贈る。

加藤和彦には、
「ヒット曲を作る芸能的な仕事をこなしながら、
芸術的な仕事を同時進行で自在に操る敏腕
プロデューサー」と敬意を込めて評する。

本書はジャパニーズポップスの先導者であり開拓者で
あった「はっぴいえんど」の理論的支柱 大滝詠一と
音楽プロデューサーという職を音楽業界に楔を
しっかと打ち込んだ加藤和彦を中心に据え、
70年代の大滝詠一から90年代のフリッパーズ・ギター
まで制作に関わってきたからこそ語れる、
彼らの素顔と私家版ジャパニーズポップスクロニクル。
当時を想起しなから、ニヤニヤしながら読んだ好著。

「ヒットソング」の作りかた 大滝詠一と日本ポップスの開拓者たち

大滝詠一氏を焦点に合わせ、自分の音楽の仕事の歴史を書いている本。割と断片的に知っていた事もあったが、興味深く一気に読めました。

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

音楽業界にもICTにも確かな見識、知識を有する著者らの音楽論は興味深かった。
いくつものイノベーションにより音楽業界には相当な逆風が吹いてきたと同情すらしていたが、本書を読んでその考えは変わった。そもそもが”その筋の人”が暴利を貪っていた業界であり、むしろ現在は庶民のための健全な世界になってきただけとも言える。

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

かつて音楽は"芸能界"のものだった。CDの売上ランキングに未だその残滓が伺える。それは今でも人口に膾炙した音楽ではあるが、もはや"一番聴かれている音楽"では無い。MP3による音楽の軽量化、USTREAM,twitter,MySpace,VOCALOIDなどによる新しい径路の誕生、ライブ・コンサート市場の拡大、そもそもの娯楽の多様化などなど理由はいくらでも付けられるが、小売業界では一世代前に通過した"大量消費の終焉"にやっとこさ追いついたにすぎない。既存の業界は生半可市場がでかすぎたことで断末魔をあげつつもしぶとく、多くの歪みを残しつつある昨今に思われるので、一刻も速く新しいマネタイズの道が切り開かれることを期待する。

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

音楽業界の変化について、プロダクトの変化・ネット環境によるアーティストとリスナーのコミュニケーションの変容等の観点から論じた新書。感想としては、悲観的な報道が多い音楽業界について、まだまだ明るい未来を切り開ける可能性はあると感じた。

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

　メディアジャーナリストと音楽プロデューサーのコラボレーションを通じて、今後の音楽業界のあり方を考えていく試みのようだ。

　かつて音楽メジャーは、レコードやＣＤの売上と、著作権・著作隣接権の管理の仕組みを以って莫大な利益を得ていた。彼らがその仕組みを維持できた理由は、かつて音楽を消費者に届けるためには、レコーディング、プレス、流通、マーケティングなどに対する主にコスト面での参入障壁が高かったためだ。
　この仕組みも悪い面ばかりではなく、莫大な利益の一部を使って新人育成や、メジャー内の小レーベルの維持などを行っていた良い面もあり、一概に否定できることではなかった。しかし、バブルが崩壊しＣＤの売上が落ちていくに従って、この、暗黙の仕組みは崩壊し、利益を優先した音楽作りが業界の主流となってしまった。

　そうした中で、音楽メジャーは、ＣＤや音源の販売だけでなく、ライブにおける物販や、コミュニティの運営による利権にその手を延ばしつつあるらしい。その一形態が、360度契約という考え方だ。
　これは、ライブ活動のコストを折半する代わりに、その音楽活動から得られる全ての利益も折半するという形態の契約だ。これからのアーティストは、こういった選択肢も含めて自身の音楽活動をデザインしていかなければならない。

　こういったやり方に馴染めない場合には、他の方法もある。インターネットの普及と、USTREAM、twitterの開発、収録機材のコモディティ化は、レコーディング、プレス、流通、マーケティングなどに対する参入障壁を格段に低くした。アーティストと周辺の少数で、音楽のための音楽作りをすることが可能な環境は整ってきつつある。
　だがこのやり方にも、まだまだ問題も多い。こうしたインターネットにおける音楽利用には、著作権、特に著作隣接権の管理の仕組みが出来上がっていないのが現状だ。このため、原盤権を侵害しかねない音楽利用には慎重にならざるを得ない。音楽を普及させたいという意志があっても、古いタイプの業界慣習がそれを邪魔しているのだ。

　著者それぞれの立場から、自身の経験などを交えつつ、今後の音楽業界のあり方を考えていくわけだが、現実はなかなか彼らの考えるように素直には進まないようだ。音楽がオイシイという考え方は廃れるといっても、現実を見れば、ＣＤに付加価値をつけてひとりに何枚も売るというようなやり方が、ひとつの完成を見つつあるのだから。
　しかしツールの発達は、音楽を広めたい人間にとっての選択肢を増やしていることは間違いない。これを現実社会の仕組みに落とし込むまでの活動を誰がやっていくのかを、これからは考えていく必要がありそうだ。

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

①マネタイズの変化
かつてのレコード会社は新人育成・レコーディング・ＣＭとのタイアップによる広告などに投資しＣＤの売り上げにより利潤を得ていた。しかしデジタル化とコンテンツの多様化によりＣＤ売り上げ市場が縮小化してきた現在ではレーベルも新しいビジネスモデルの構想が迫られている。筆者二人はライブ収入と物販収入に価値を見出している。特にＴシャツなどは原価率が低く済むので、「高く、狭く」売るようなファンを囲い込むビジネスの行い方が今後優勢となってくるとみている。この閉鎖性とブランディングは相性が良く、どちらも未来型レーベルのキーとなる概念のようだ。またライブやフェスは年々市場規模を拡大している分野である。この状況下でレーベルが打ち出しているアーティスト活動の全てにレーベルが噛んでいくような経営戦略を360度契約という。
しかしいかにライブ産業がこれから興隆していこうと、一定の観客数に満たない場合アーティストに補填させる「ノルマ制」などを採用しているライブハウスは淘汰されていくだろうと予見している。

②アーティストの個人発信
ネット上に様々なプラットホームが生まれたことは間違いなくアーティストの個人発信を容易にした。アーティストは宣伝・販売を個人で行うことが可能になったためである。現在ではＭｙＳｐａｃｅなどのプラットホームで自身の曲をリスナーにストリーミング再生させ、購入するリスナーにはＭＰ３でアーティストとリスナーが直接取引するといったかたちである。またユーストリームでライブの映像を中継されることも多くなってきた。これも新しいタイプの広告といえよう。このようにアーティストが自ら（あるいはごく小規模の協力者と）宣伝・販売などを手掛ける構想を筆者は「一人１レーベル」と呼んでいる。

③新時代の著作権
DOMMUNEとはUstream上にあるライブ・ストリーミングとＤＪプレーのストリーミングを中心とする音楽コンテンツである。この番組のようなタイプでは多くの楽曲が番組内で使われえるため、事前に個々の著作権者に許可を得るのが難しい。よって現在DOMMUNEはいつ閉鎖されてもおかしくない状況で運営しているのが現状である。しかしこれがもし電波で放送されるコンテンツだとしたら状況はことなる。というのも電波上の放送には「著作権者に事前に許可をとる必要はなく、著作権者は放送の後に使用料を請求できるのみ」という特権が認められているからである。筆者は新時代の著作権はネット上でもやみくもに排他性を主張するのではなく、ゆるやかに権利を保持し宣伝としていかす必要があると結論づけている。

前に読んだクリスアンダーソンの「フリー」から多くの問題認識のフレームワークを借用しているように感じた。そしてその予想は筆者が後半でロングテールという言葉を用いることで確信に変わった。ただフリーよりも日本の状況というものに寄り添って考察しており、ガラパゴス的な日本に固有の問題というのも多いものだと認識させられた

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

CDを買い続けてる自分からすると、CDが売れなくなったって実感は無いけど、いろんなデータを見ると、今の音楽業界の厳しさがつぶさにわかった。

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

非常に読みやすい。
CDが売れなくなった理由や背景、好調なライヴ・フェス、音楽業界がどう変わったのか等々分かりやすくまとめられてる。
そしてこれからのレーベルの有り方、まだまだ出来ること、しなくちゃいけないことへ導かれてる。
悲観的なことが全く書かれていない。

”これからのミュージシャンは、音楽以外のところから刺激を受けていった方がいい”という言葉はとても共感できる。

Low High Who？（通称LHW?）というレーベルがまさに未来型レーベルなんじゃないかなと思った。
シンガーであるPranellがレーベルを立ち上げて、自身の音源や描いた絵やアニメを直販する。さらにはPVまで作り上げる。
すべてを一人でこなしているかは分からないが、レーベル＝音楽にとらわれない活動している。

他にもHaiiro de rossiというラッパーは forte というレーベルを立ち上げたりしている。

本の通り、一人一役じゃなくなっているなと実感した。

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

音楽ニュースサイト「ナタリー」の代表取締役の津田大介さんと、
音楽プロデューサーなのでしょうか、レーベルをいろいろ作ってこられた牧村憲一さんによる、
これからの音楽の需要と供給についてなどを論じたり、対談したりした本です。

著作権に関するところは難しくてちゃんと理解できないまま読んでしまいましたが、
その他のところ、とくに60年代ころからの音楽史などは、レーベルの名前やミュージシャンの名前を
ちょっと知っているくらいの知識があれば、すんなり読み進められます。

しかし、読んでみると、レコード会社っていうのは、あくどいというか、
弱みに付け込むところもあるし、利益追求しすぎるところもあることがわかります。
僕の個人的な、音楽業界に対するイメージっていうのは、少々浮ついていて、
しっかり戦略を練っているようで、やっぱり扱っているものが、
論理ではどうこうならないような、ハートで判断する手合いであり多様性のある「音楽」ですから、
ふらふらしちゃうっていうものです。
というか、そんなふらふらしちゃうものに対して、なぜか絶対の自信を持って商売しているんだぞっていう、
自負がありすぎるように見受けられるんですよね。
そして、貪欲でありながらスマートであろうとしている様はちょっと滑稽にも見えてしまいます。
97年だったか98年だったかをピークに、CDなどの音楽商品の売り上げは下落していって、
今ではピーク時の半分以下の市場規模だそうです。
カッコつけすぎというか、なんかスノッブな感じのレコード会社には、同情は集まらないんじゃないかと
思う訳です。反面、ライブ特にロックフェスの動員人数が伸びてきているとか。
これはもしかすると、音楽の受容者たちは、レコード会社の商法に嫌気がさしていて、それがCDなどを買う気を
失せさせているんじゃないかと思うのです。心理として。
でも、ミュージシャンも音楽も好きだから、ライブの動員数は伸びているのかな、とも思えました。
まぁ、ライブが伸びているのは違う解釈が主流ですね、生の実感、一回性の贅沢さがいま貴重になっている
ということなのかもしれない。

そんな部分もありながらですが、もっと面白く興味深いテーマも扱われています。
フランスのサラヴァレーベルについては、名前しか知らなかったので、興味深く読みましたし、
このあたりの影響って、もしかすると「ほぼ日」にも当てはまるなぁなんて読み方もしました。
牧村さんは「一人１レーベル」を提唱されています。
僕はこの辺り、なにか、コンテンツを一つ持つ個人でいよう、と言われているような気がしました。
音楽の本ですから、最終的には音楽に繋がることでなのですが、音楽に限らずそうだなぁと。

ツイッターやユーストリームなどの新しいメディアについても触れられています。
津田さんのツイッターへの理解度が高いので、一言でぽんと本質をついておられる
部分もありました。そこはこの本を読んでのお楽しみとしておきましょう。

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

昨年，メディアテークのイベントで津田さんを知って，教授と大貫さんのライブのユーストを見て，牧村さんを知って，この本を読み終えたあとツイッターのTLを見ていたら，DOMMUNEで小室さんのライブを知った。
なんかすごい偶然だなぁ～。

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

SNSの普及やテクノロジーの進歩で音楽に限らずﾓﾉを作りだす人が正当に評価されて、稼げるようになりそう。自分で作ってプロモーションして欲しい人に届ける。夢があるし、それが本来あるべき姿と思う。

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

　レコード立ち上げに関わる「中の人」の視点と、権利関連など音楽業界を客観的に分析する「外の人」の両面から、音楽業界の現状と今後の展望を対談形式で綴っている本です。
　個人的には、音楽"産業"の今後について、漠然と抱いていたイメージがどういったものだったのか、を掴むきっかけになりました。
　著作権や利益配分などのなかなか表に出ない様な話もあり、興味深かったです。

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

新しいプラットフォームへ移行を始めているめまぐるしい音楽業界の動きと、これからの音楽レーベルの未来を分かりやすく書いています。音楽業界の人はもちろん音楽をやっている人も必読の内容です。

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

読むまでなんで「未来」と「サバイバル」が組合わさっているのか判らなかったが、考えてみれば音楽は書籍に数年先行して課金配信モデルにパラダイムシフトしているのだった。昔懐かしい「レーベル」の話がいっぱい書いてあるけど、もはやアーティスト〜レーベル〜レコード会社という枠組みは崩れさって、生き残りたければ自分でどうにかしろ、という世界に入ってしまっているんですね。出版の未来を暗示しているような.....

未来型サバイバル音楽論 USTREAM、twitterは何を変えたのか

なるほどと頷く部分よりも共感する部分が多かった。それだけ、新時代の音楽やアーティストと一般市民の関係性が実感として近づいて来てるという事なのかな。

CDアルバムは長くなりすぎた。5曲入りくらいのミニアルバムをより安価で販売していくのが良いという津田さんの話は、僕がまさに思っていた事なので、100%同意。
実際、僕の知っている中では、第一回のCDショップ大賞を取った相対性理論のシフォン主義は5曲入り1000円くらいで売ってるし、→Pia-no-jaC←も7曲程度のミニアルバムを2000円程度で販売して、ある程度成功しているように思う。
こうした流れは、リスナーにとっては喜ばしいものだと思う。

あと、フェスについての考察だが、フェスに出演した無名のバンドがライブによって名をあげるというケースが多く起こっているという点にも言及してほしかったな。
もうちょっと長い頁数の内容に増補したほうが良かったのではと感じた。