森本恭正のレビュー一覧
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この本は批判精神に満ち溢れていて面白い。井口さんの話とか、彼はまあ西洋圏では知られてないとか、そういう雑多な内容もあるんだけど、個人的に興味深いなと思ったのは、この本が断章のような形式を採用していること。批判的考察、というタイトルからもわかるように、ニーチェのような思想を意識した面もあったかもしれない。ドイツでは50年遅れて出来事が起こる、という話を印象深く覚えている。批判の多くは日本の音楽や、日本での西洋音楽の受容に向けられたものであり、日本音楽の閉鎖性に対するその批判精神には目を見張るものがあるが、とはいってもそれは私には著者の持つ西洋的なものの見方である印象は拭えなかった。重要な示唆に富むが、音楽の一つ一つの解釈を大切にするという論というよりは、音楽をザッハリッヒに批判したい精神、批判精神の運動として捉えて、様々に多様に解釈していくのが良いと私は感じた。
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例えば日本に西洋音楽を持ち込んだ明治人の批判とかはおれにはわからないんだけど、とにかく音楽に関していろんなことに気付かせてくれた。
楽譜の忠実な再現してを求めた一時的な新即物主義の時代に井口基成はヨーロッパに行ったから、それが日本の西洋音楽を形作った。旋法の音楽が調性の出現で変化しバロック音楽が生まれたが、このような音楽は西洋音楽だけ。音楽で話すためには、西洋の言語を知らないとわからない、それはドイツでドイツ語でドイツ時から長唄を習うようなもの。当道座という盲人の集団のみが音楽を作ってきた日本の特殊性。黒人の音楽性が寄与したのはリズムではなくハーモニー。君が代は世界で唯一の非西洋音楽の律旋法で書かれた国歌。西洋音楽は語るが日本の音楽は自然にあるもの。調性音楽と階級社会の親和性。モーツァルトやベートーヴェンらは当然ですが相対音感だったこと。スウィングはアフリカ大陸ではなくバロックのイネガルに由来する。絶対音感を色覚に喩え、それが音楽性の豊かさとは別物であること。人工知能のつくる音楽やデジタル化された音楽についてなどなど。 -
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「クラシックに狂気を聴け」というタイトルは『狂気の西洋音楽史』を思い起こさせる。またかという気持ちとともに、森本恭正なる作曲家、しらんなあと呟きつつ手に取る。この著者、Yuki Morimotoなる名前でヨーロッパで活躍しているという。それなら、CDを見たことはある。森本氏、日本の音大を出てプロの指揮者となっても、ある「もどかしさ」につきまとわれていた。それは単純化すれば、日本で西洋音楽をやるということの違和感であろう。彼はそのもどかしさに駆られてアメリカに渡り、そしてヨーロッパに移り、以来、ウィーンを活動の場としてしまったのだ。
その森本氏が西洋音楽とは何かと考えてきたことを綴ったのが本書であり、2007年、ポーランドでの作曲コンクールの席上、審査委員の一人であるＫ氏との対話を狂言回しのようにして議論は進む。このＫ氏とは、作曲家のジグムント・クラウゼであろうか。もっとも匿名にしているのは、脚色を施しているからだろう。
狂気という言葉は本書においてＫ氏から発せられているが、ロマン派の音楽に重ねられているのは『狂気の西洋音楽史』とほぼ同じである。ほぼというのは『狂気の西洋音楽史』では「ロマン派」には古典派も含まれているが、本書においてはフランス革命以降、ベートーヴェン以降のことを言っているからである。主音で始まり主音で終わる音楽から、転調を繰り返す音楽へ、凡人の想像を絶する感情、行動、現象を体現する音楽へ。それを狂気と呼んでいるのである。
この部分が本全体の副題にされているのは耳目を引くからにすぎないようだが、「狂気」の使い方はバナールだと思う。所詮「正常」とされているようなことは視点を変えればすべて「狂気」に陥っているのだから。人間的な感情を解放したのが「狂気」なら、規則でがんじがらめにして，個性の発露を最小限に抑えているバロック音楽は別の形の「狂気」だろう。
とはいえ西洋音楽狂気論は本書の指摘のひとつ。最初の指摘は小節の頭を強調しろと教えるが、実はヨーロッパ音楽はアフタービート（アップビート）の音楽だという指摘。ヨーロッパ人は無意識にアフタービートになっているが、そういう文化のない日本人は、オン・ザ・ビートを強調してしまう。
「撓む音楽」の章では、常に音の動きは準備され、投球のときに腕を後ろに撓ませるような準備動作があるということ。東洋の古武術のように、バックスイングなしにいきなり動くということなはい。
「音楽の左右」の章で依拠する、右脳と左脳の分業は今日ではかなり怪しいものといわれている。楽音として音を分節する西洋音楽が、強力な資本主義の社会の中で力を持ち、広がったこと、民族音楽はそういう分節を持たず、自然音に近いノイズとして認識されるという指摘は脳の左右に局在化しないかぎりは首肯されるところがある。そして現代音楽で音楽はまたノイズに戻るのだ。
そしてクラシック音楽はすでに衰退しつつあるものだといい、だから伝統を守るのか伝統を壊すのかという問いが投げかけられる。
「音楽論」として興味深いとともに、実践家の本らしく、本書で挙げられた議論は日本人が西洋音楽をやる上での示唆に富んでおり、私のような好事家だけではなく、プロの音楽家に読まれるべきものと思う。 -
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新書だし、休日にパッと読もうと思って実際にパッと読んでしまったが、もう一度ちゃんと読もうと思える内容。西洋音楽、特にクラシックの呪縛はイイ意味でも悪い意味でも根深いものともともと感じていたが、それを論理的に明かしてくれていると思う。サッカーと政治の本というのも多数出ているけど、この本で語られている音楽と政治の関わりも非常に興味深い。どのような音楽を政治に用いたか（例えばワーグナーとナチス）みたいなことではなく、クラシックという音楽の構造自体が、支配という考えに裏打ちされている音楽だということが分かりやすく語られている（決してそれを批判しているわけではない）。それとともになぜ現代音楽というジャンルが衰退してしまったのかについても。この論が合っているのかそうでないのかはさておき、このような考え方で音楽を眺めてみるのはまた面白いのではないか。
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本書を読んでいると、石井宏氏に近いものを感じた。
世の中の常識に疑問を持つ。個人的には違うと感じていても、それを世に問うことはしない。それが一般的に日本人の感覚だ。ネット上では、書かれていても、本として世に出ている確率は低い。
クラシック音楽の分野では、批判的精神で著作を発表し続けた稀有な存在といえば、石井宏氏が挙げられる。
本書のテーマに近い本は、『西洋音楽から見たニッポン: 俳句は四・四・四』 (2007年、PHP研究所)がある。
日本人と西洋人の発音の違いから、クラシック音楽を考察する点では同じである。
著者の主張に賛同する・しないにかかわらず、このような批判的な考察が本として出されることは歓迎だ。同じような主張をした本なら、何冊も読む必要がない。たしかにと思うところもあり、違うのではと思うところもあった。
吉田秀和批判などは違うと思う。
『戴冠ミサ』（K. 317）の、キリエの強音から弱音への変化を、吉田が以下のように表現したことに著者は批判している。
そとでさんざん遊びほうけた末、泣かされてきた子が、家の敷居をまたぐなり『おかあ』と強く叫んで、急に流れ出してきた涙と一緒に後の『さん』という音を呑みこんでしまったかのようだ。
たしかに今の目で見ると違和感を感じる。だが、当時の日本人に対して、音楽を理解しやすくするために身近な話題に置き換えることは有益だったと考える。比喩表現はできるだけ身近な方がわかりやすい。その結果が、先述の記載だったのだろう。
このような違うと思うところも含めて私は、面白く読んだ。
石井宏氏の著作が好きなら、きっと肌に合うだろう。 -
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現役の指揮者による西洋音楽論。ただし、技術に関することのみならず、音楽というフィルターを通じて、音楽とは直接関係がなさそうな政治・文化に関する考察に進んでいくところが、非常に興味深い。
一例を挙げると、
(1)西洋音楽は、実は裏拍の方が強い。それは、ロック等のカジュアルミュージックと共通的な特徴である。
(2)西洋音楽は、階級社会と親和的である。それは、和音の進行法やオーケストラの構成に象徴される。それ故、西洋音楽は、資本主義と帝国主義の伝播に少なからず貢献したのではないか。
こんな話が出てくると、クラシックを殆ど聴かないような人も、本書を読みたくなる筈。 -
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Posted by ブクログ
ヨーロッパで活動している森本ならではの、クラシック音楽とは何か？、これから進む道は？という素朴ながら重要な疑問・問題に、専門家としての、というより作曲家としての立場から見据えた音楽論の言える内容で、最近の新書が向かっている「啓蒙書から専門的知識も持ち合わせたオタク向け」的な内容といえるだろう。
例えば、モーツァルトが16分音符を4つ書こうとした場合、非常にしばしば8分音符1つと16分音符2つを書き初めに書いた8分音符に装飾音をつけたのはなぜか。日本の管楽器ではタンギングをしない。後者は邦楽との比較という点では面白い内容だが、前者を例にして西欧音楽論を展開する必要があるのかは疑問のあるところ。
しかし、西洋を舞台にしたオペラを東洋人が歌うことへの疑問(同時に逆のケースも)などは、素朴な疑問として面白い論点だとは思う。 -
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森本恭正氏の本は、本書のあとに出た『日本のクラシック音楽は歪んでいる 12の批判的考察』(光文社、2024年)を読んでいた(以下、後発本と表記する)。
正確に言えば、それが面白かったので、遡って本書『西洋音楽論 クラシックに狂気を聴け』(光文社、2011年)を読んだのである。
後発本を読んでいたため、本書には重複するところがあった。
クラシック音楽はアップビートだったことや、器楽で歌うことについて、ヨーロッパ音楽はヨーロッパ言語をもとにしている、などがそれにあたる。
後発本は本書の発展形といってもいい。
どちらか一冊というなら、後発本をお勧めする。著者が本当に言いたいことは、後発本にも含まれているからだ。
両書とも一貫してひとつの主張を続けているタイプの本ではない。さまざまな話題が書かれている。著者が長年の経験で感じた違和感を思いつくままに書いたといった方が、把握しやすい。
あまりほかの人は書かないことなので、こういう話を読んでみるのは面白い経験になる。 -
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ネタバレXで面白いという投稿を見て。
はじめて音楽の歴史についての本を読んだため、ほとんど言われるがまま「ふんふんなるほど知らなかったなぁ」と読み進めたが、批判9歌の翼ではかなり自分ごととして勉強させてもらった。
「歌うように弾く」これは昔ピアノを習っていた私も先生に言われたことで、技術はあまりなかったが歌うように弾くことは得意なほうだと思っていた。発表会の後には先生から「他のスクールの先生が、あの子は聴かせるピアノを弾くねと言っていたよ」とよく聞いたものだ。
そして最近またなにか弾きたいと思い十数年ぶりにキーボードである曲をゆるゆると練習しており、完璧ではないが一通りなんとなく弾けるようになったため「歌うように弾くこと」を思い出し抑揚をつけて弾いてみたら、心臓が震えるほど興奮してきて、譜面通りに正しく弾くことよりも「自分が弾きたいように好きに弾ける」ことの楽しさを改めて実感したのだ。
歌うように弾くことのコツがたくさん書いてあったため参考にしつつ、誰に聴かせるわけでもないので好きに弾こうと思う。
思わぬ収穫があり、今読んでよかった。 -
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Posted by ブクログ
日本人にとってクラシック音楽を受容するということはなにを意味しているのかということを、著者自身の体験と考察を交えながら、エッセイのようなスタイルでつづった本です。
日本人という観点から、ヨーロッパの音楽はアフタービートが基本になっているという指摘をおこなったり、クラシックとジャズを貫くスウィングについての独自の考察をおこなったり、さらには、日本人と西洋人で右脳と左脳の使いかたにちがいがあるという、角田忠信の『日本人の脳』（大修館書店）における疑似科学的な議論までも引用しつつ、西洋音楽が日本において「クラシック」として受容されたことが生んだ「ねじれ」のなかで考察が展開されています。
若干議論が散漫に感じられるところはありますが、著者が直面しているのは、森有正がヨーロッパの思想と出会い格闘した問いと同型のものだということができるように思います。ヨーロッパの思想は、われわれ日本人にとって単なるユーラシア大陸の片隅の特殊な文化として受容されたのではなく、普遍性をもつ範型としての意味をもって受容されてきました。しかしその範型は、いうまでもなくヨーロッパという風土における「経験」のなかではぐくまれ、そのなかから生い立ってきたものであったはずです。ところが、日本におけるヨーロッパ思想の受容においては、ヨーロッパの思想的風土における経験から普遍性へのプロセスをそのままたどることはできず、たんなる形式としてのみ受け入れられることになり、そこにレーヴィットが指摘した「二階建ての日本」というニヒリズムの淵源が存在しています。
本書は問題の提起にとどまっており、それに対するはっきりとしたこたえがあたえられているわけではありません。しかし、著者自身が本書において提起されている問題、すなわち日本におけるクラシックの受容という「ねじれ」のなかに身をさらしつつ、その「ねじれ」のなかで思考を紡いでいくドキュメントとなっており、ある種の迫真性が感じられます。