近藤譲の作品一覧
「近藤譲」の「聴く人（homo audiens） 音楽の解釈をめぐって」「高校生と考える世界とつながる生き方 桐光学園大学訪問授業」ほか、ユーザーレビューをお届けします！
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作品一覧
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線の音楽
ビジネス・実用
3.01巻2,640円 (税込)「美は避けなければならない」。 美しさは、結果ではあっても出発点ではないのだから。 ──本文より 1979年、日本の現代音楽の作曲と聴取に革新をもたらした記念碑的名著、待望の復刊！ 十二音音楽、総音列音楽、音群的音楽などを「イディオレクト（個人言語）」として退け、「線の音楽」へと歩を進めた作曲家の処女音楽論。 聴き手の聴覚的なグルーピング作業に支えられる、どこまでも持続する一本の音の列なり。 その持続的な列なりの譬喩として、この音楽を『線の音楽』と呼ぶことにした──（本文より） 1979年、「エピステーメー叢書」（朝日出版社）の1冊として刊行され、当時の現代音楽界に多大なインパクトをあたえた本書は、その後世界的作曲家へと飛躍することになる著者の音楽思想の原点であり、最新音楽論『聴く人（homo audiens）』にまでつながる思考の根幹を明らかにしている。 ジョン・ケージ、モートン・フェルドマンにつらなる現代音楽の潮流を理解するうえでも、「とりわけ重要な本」（批評家・佐々木敦氏）と評価される記念碑的名著。 -
聴く人（homo audiens） 音楽の解釈をめぐって
ビジネス・実用
-1巻2,200円 (税込)ベートーヴェン《第9》からケージ《4分33秒》へ── 〈聴くこと〉のもつ創造性をしなやかな感性でとらえた画期的音楽論！ 「作曲者は、音を吐くのではなく、耳を世界にそばだてて、適切な音を探す。 作曲をするためには、人は、まず、聴く人（ホモ・アウディエンス）でなければならない」（本文より） 音楽はほんらい聴き手に多様な解釈をゆるすものであり、ひとは「耳をすます」ことによって創造者となる── 「聴くこと」のもつ創造性を高らかに謳い上げる、音楽への希望に満ちた一冊。 2012年、アメリカ芸術・文学アカデミーの終身名誉会員（日本人音楽家としては武満徹に次いで2人目）に選出され、名実ともに日本を代表する作曲家となった著者の最新音楽論。 -
ものがたり西洋音楽史
ビジネス・実用
4.01巻1,100円 (税込)神への祈りの言葉から始まった，中世の教会音楽．多声音楽が花開いた，ルネサンス期．オペラが誕生し，器楽が興隆した，バロック時代．そして「芸術としての音楽」が追究された，古典派，ロマン派，モダニズム．時代を代表する作曲家と作品，演奏法や作曲法，音楽についての考え方の変遷をたどり，西洋音楽史を俯瞰します． -
高校生と考える世界とつながる生き方 桐光学園大学訪問授業
ビジネス・実用
4.01巻1,760円 (税込)「オリンピックの建築は大災害で人間が謙虚な気持ちになれた新しい時代を象徴しなければなりません」―隈研吾 「「似ているけれどやっぱり違うんだよね」というところから出発する」―平田オリザ 明日を生きるために何が必要か、世界で活躍する豪華講師19人が中高生に向き合い真剣に語ります。建築やアート、音楽をはじめ、憲法・政治・コミュニケーション・文学・国際情勢・日本近代史など、さまざまな分野から考える好評シリーズ第2弾。この1冊で世界の成り立ちが見えてくる。
ユーザーレビュー
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Posted by ブクログ
「私は この小説を書くときに、読んでくださる人が小学六年生までの漢字を読む力があれば読んでもらえるものと思ってこの作品を書き始めました」
と「氷点」を書いた三浦綾子さんがいってらっしゃいました。
この本の中で出張授業をされる先生たちは
もちろん、その道のプロフェッショナルの方たちです
そして、聴いている対象者たちは 中学生、高校生たち
その語り口が そのまま 一冊の本にまとめられました
その「語り口」を読んでいて
冒頭の三浦綾子さんの言葉を思い起こしたのです
本当の専門家は
ただ感心させるだけでなく
それなら 僕も（私も） 何かやってみよう
そんな気にさせてくれる方なのです -
Posted by ブクログ
中世のグレゴリオ聖歌から二十世紀初頭の前衛の作曲家たちと、それが衰退するというところまで「前後の時代とのかかわりを意識しながらもそれぞれの時代の音楽様式の特徴と特質を描きだすこと」(p.7)を中心に語られる西洋音楽史。
２冊前に読んだ中公新書の『西洋音楽史』よりも著者独自の見解みたいなものはだいぶん後ろに退き、たぶん、もっとオーソドックスな、それなりにたくさんの作曲家が紹介され、目次もきちんとついている、そういう本だった。
次に印象的だった部分のメモ。実はすごく小さい時に教会に行ったことがあって、そこで歌われるあの独特な「詩編の朗唱」というのが頭に残っているが、「歌詞の文章のほとんどの音節が、同じ一つの高さの音のくり返し―その音を『朗唱音』と呼びます―で歌われ、文章の始め、途中の節目、最後で、その十庫からほんの少し外れて別の音に動きます。つまり、朗唱音からの逸脱が、文章の区切りを示して、歌詞の意味を伝えやすくしている」(p.17)というのは、なるほどと思った。そして、こういう「音楽（旋律）」は第１章のタイトルにもなっているように「聖句の乗りもの」、「大切な言葉を神の耳元に丁重に運び届けるための豪華な乗りもののようなもの」(p.20)というのも納得した。あと、今の時代に当たり前のように言う「ドレミ」を発案したのは、グイード・ダレッツォという人らしく、「《あなたのしもべたちが》という聖歌の六行の菓子の各行を歌う旋律の冒頭の音が、それぞれ（略）二度ずつ高くなっているのをみて、グイードは、それらの音をそこについている歌詞の言葉の始めの音節(ut, re, mi, fa, sol, la)で呼ぶことにした」(p.26)らしい。へえ。それから音楽の話よりも歴史の話になるが、ルネサンスについて、都市の市民たちが、中世の神の摂理と意志に基づく伝統的な権威から離れ、「神への深い信仰を保ちつつも、人間の尊厳を意識し、自ら知識を求め、自らの眼で観察し、自らの力で理解し、自ら何かを為すことが大切だ。」(p.48)と感じ、そのために「古代ギリシアでも、人間の眼で事実を見極め、理性によって世界を解明して理解しようとしてたから」(同)古典古代に強い関心を抱いた、というのも分かりやすかった。それからバロックの時代、イギリスでオペラが受け入れられなかった理由は、一つはこの時代が「国王と議会の対立に明け暮れた不安定な時代でしたから」(p.119)余裕がなかったということと、「この国に、シェイクスピアに象徴されるような演劇の強い伝統があった」(同)から、というのも納得だった。そしてフランス革命の時代から、「音楽（とくに、大勢で歌う歌）は、人々の集団への帰属感と一体感を強く導くためのひじょうに有効な手段として、どのような政治集会でも、そしてこんにちではスポーツの応援などにも、欠くことのできないものとなっています。」(pp.163-4)というところも面白かった。そういえば今年オリンピックやっているけど、みんなで歌う曲、ってないんじゃないかなあと思った。サッカーとかはあるのに。そして、音楽を娯楽というより、政治利用するというのは、最後の前衛音楽のところにもあって、自由主義諸国の前衛の作曲家たちは、結局「西側の反共産主義政策の中に重要な文化的手段の一つとして組み込まれていた」(p.274)というのも、発見だった。こういう曲がなくなっていくのも冷戦時代が終わったから、という時代背景もあるのかなあと思った。それから、ベートーヴェンの第９。って全編を聞いたことがあって、なかなかあのフレーズが出てこなくて退屈、としか思っていなかったけど、「さまざまな種類の音楽様式をその一曲のなかに統合し、それによって、素朴なものから深奥なものまですべてを包摂する一つの巨大な世界への希望をひらき示そうとしていたように思えます（そこには（略）いくつもの小国に分かれていたドイツを一つに統合しようという機運が高まっていたことが反映しているのかもしれません）」(pp.170-1)の部分は面白いと思い、改めて聞いてみたいと思う。あとショパンの曲は少し知っているけれど、その曲名は抽象的な形式名で、「例えば、『ワルツ』、『マズルカ』、『ポロネーズ』といった舞曲名（後二者はポーランドの民族舞曲）、『ノクターン』（略）、『前奏曲』、『練習曲』（エチュード）などといった具合です。」(p.179)ということらしい。エチュードって演劇でも言うけど、音楽にもあるんだ、と知った。
あと、聞いてみたいのはベルリオーズの《幻想交響曲》。「あこがれの女性のイメージを表す一つの同じ旋律（略）を、物語の展開のいろいろな状況や雰囲気に応じて変形しながら何度も用いる」(p.186)というのが聞けるらしい。それから自分が大好きな《カルメン》は、「作曲者の死後まもなく、語りによる台詞の部分が過少（レチタティーヴォ）に置き換えられて―つまり、オペラ・コミックから、『本格的な』オペラの形に直されて―、一九世紀フランス・オペラの傑作のひとつとして、こんにちでもなじみの演目になっています」(p.193)ということらしいから、台詞の部分でもいいなあと思う旋律があるけど、あれはビゼーじゃないところもあるってことだろうか。他にもオペラだったらロッシーニの「ベル・カント」(p.195)というのも聞いてみたいなあ。他にもモダニズムのところでは、中公新書の『西洋音楽史』でも出てきた「十二音技法」(p.243)というのがあったが、他にも「神秘和音」(p.230)、「複調」(p.234)、p.253「セリー」といった技法があるらしく、どれも興味はある。
ただこの本全体を読んで思ったのは、やっぱり音楽そのものを聞かないことには何とも言えない、というのを強く感じ、単純に時代の流れや作曲家のことを学んでも、結局どんな音楽なのか分からないというのは致命的ということをあらためて感じ、ちゃんと勉強するなら本を読むだけではなあ、ということが、当たり前なのだろうけどよく分かった。(21/08/19) -
Posted by ブクログ
筆者がクラシック音楽の伝統と真摯に向き合い、その歴史も踏まえながら、自らの作曲に向き合っていることは十分に感じ取ることができた。
音楽の「聴き方」は基本的に受け身である、という指摘にはいささか疑問の思うことがないわけではなかったが、「聴き方」ということに限って言えば、いわゆる現代音楽（無調、総音列、音群など）は、聴いていて「感動」を覚えることがあるのだろうかと思ってしまう。感動のあまり、つい涙を零してしまうというような経験は、たぶん「現代音楽」の場合にはないように思う。つまりは、「聴き方」が違うのだ。
でも、音楽というのは、個人的にはエモーショナルなものだと感じている。そういう意味では、そんな感動を感じさせてくれる「現代音楽」の出現に期待したいのである。 -
Posted by ブクログ
まだちょっとしか聴いたことはないのだが、正直なところ、近藤譲さんの音楽にさほど深い感銘を受けたことはない。
本書は氏の基本的音楽論を展開するものだ。時代は１９７９年、ベリオらの「前衛の時代」は終わりに向かいつつあった（と思う）。
近藤さんはセリエリズムや音群的音楽（クセナキスなど）を「イディオレクト（個人言語）」と呼んで批判する。では著者の目指すのは「普遍的言語」なのだろうか。しかし本書に「普遍」という語は明記されない。
けれども、実際に近藤さんの音楽を聴いてみると、確かに古びた主情性とも構築性とも意味体系とも隔絶しているものの、聴取にあたって何らかの「作者による説明」を必要とするような、そんな「ふつうの現代音楽」である。では彼が書いたものも結局「個人言語」なのではないのか。
著者は一般の音楽家と違って、ちゃんと論理的で緻密な思考を展開しており、読み応えもあるのだが、結局何を目指すのかという主旨がじゅうぶんに理解できなかった。
ただ「グルーピング」という概念を多用しており、そのへんはちょっと面白かった。
いつか近藤さんの音楽が、私のこころに刺さってくるときが来るだろうか。
