あらすじ
世界のビジネスエリートがこぞって身につける教養「西洋美術史」をわかりやすく解説。約２５００年分の美術、そして関連する世界史の知識が一気に身につきます。これまで以上に、絵画や彫刻、建築が身近になると同時に、グローバルスタンダードの教養が身につく、あなたの世界観を広げる一冊です
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イギリスは物語絵
大衆は単純に色彩に魅了されるし、それは俗悪ってなんとなく分かる。ゴッホとかモネの絵は人気だけど正直俗悪だと思うし、あの二人の絵は知性に訴えかけてくるものが無いからそんな好きじゃない。
バロック画家の王ルーベンス、プッサン、
木村泰司
（きむらたいじ）
西洋美術史家
西洋美術史家。1966年生まれ。米国カリフォルニア大学バークレー校で美術史学士号を修めた後、ロンドンサザビーズの美術教養講座にてWORKS OF ART修了。 ロンドンでは、歴史的なアート、インテリア、食器等本物に触れながら学ぶ。東京・名古屋・大阪と、企業や自治体向けに年間100回ほどの講演・セミナーを行っている。 『名画の言い分』『巨匠たちの迷宮』『印象派という革命』(以上集英社)、『名画は嘘をつく』シリーズ(大和書房)、『美女たちの西洋美術史 肖像画は語る』(光文社)、『おしゃべりな名画』(ベストセラーズ)、『西洋美術史を変えた名画150』(辰巳出版)など、著書多数。
「それを象徴するように、紀元前 ６世紀末以降、アテネでは守護神アテナに捧げられたパンアテナイア祭の際に、定期的に美男コンテストが開催されていました。美しいということは神に近づくことであり、また神もそれを喜ぶという考え方が浸透していたことがわかります。「美男 ＝神への捧げもの」という考え方です。「男は顔じゃない」ではなく、美しいか否かが人格までを決めるほど、美しさが重要だったのです。ちなみに、美男コンテストにはシニア部門もあったため、若い男性だけがもてはやされたわけではないことがわかります（ただし、皺は老醜と見なされました）。もうひとつ、ここまで男性の肉体美が称えられた背景として、当時のギリシャの男性に兵役の義務があったことがあげられます。兵役につくことにより選挙権を得ていたのです。古代ギリシャの都市国家スパルタでは、男子は ７歳で家族と離れて兵士として訓練されていました。つまり、体を鍛えることはギリシャ人男性にとって必須であり、その結果、肉体の優秀性を競い合うことになったのでした。それは哲学者といえども同じで、かの哲学者プラトン（紀元前 ４２７頃〜前 ３４７年）の本名はアリストクレスといい、プラトンは「肩幅が広い」というあだ名なのです。こうした背景から、古代ギリシャでは主に男性美を追求したギリシャ彫刻が発展することとなります。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「また、それまで裸体で表現されなかった女神像も、プラクシテレスによって等身大の裸体で表されました。ギリシャでは男性の裸体は賞賛されましたが、女性が裸になることはタブー視されていました。そのタブーを破り、プラクシテレスが制作した「クニドスのアフロディテ」は、当時のギリシャ世界で大センセーションを巻き起こす結果となったのです。もちろん、理由もなく女神を裸にするわけにはいかないため、沐浴するという形をとっています。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「ちなみに、現代人からするとクラシック時代のギリシャ彫刻の表情が乏しく映るのは、「感情をあらわにすることは慎むべき」というギリシャ人の意識の表れです。苦しみや悲しみを意味する「パトス」を制御した表情が善とされ、それが悲劇の場面でさえクラシック時代の彫像特有の「パトス」の表情となっているのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「ギリシャ彫刻を鑑賞する際に忘れてはならないのは、オリジナルが失われてしまったギリシャ彫刻をローマ人が模刻（コピー）したおかげで後世の私たちはその美を知ることができるという点です。紀元前 １４６年にギリシャを支配したローマ帝国は、建築や芸術面でギリシャ文明を継承します。そして、ギリシャ人の芸術家たちもローマに移り住みギリシャ美術が多く模刻されました。そのおかげでオリジナルの青銅製のギリシャ美術が失われたにもかかわらず、その姿を現在にまで残すことになったのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「元来は美術を贅沢とし、質実剛健を美徳としていたローマ人でしたが、紀元前 ２世紀にヘレニズム時代のギリシャを支配したことで、大量のギリシャ美術が略奪品としてローマにもたらされます。また、ギリシャ人の美術家たちもローマへと移住したことによって、先進的なギリシャ文化がローマを支配することになるのでした。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「ただし、必ずしもローマ時代のコピーがギリシャのオリジナルの姿に忠実というわけではありません。たとえば、腕や脚のポーズなどに多少の違いがあることがあり、同じオリジナルから制作されていても、コピー同士を比べるとその相違点が際立ちます。こうして、ギリシャ美術における美への追求の成果はローマへと継承されます。そして、これらギリシャ美術、そしてローマの古代美術は美の「規範（古典）」と見なされ現代にまで至ります。したがって、西洋美術史の原点となるのが古代のギリシャ美術なのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「また、ローマ彫刻に裸体像が少ないのは、ローマ人はギリシャ人と違い、全裸で運動競技をする習慣がなかったからです。ただし、身分の高い人物の場合は、神格化もしくは神話の英雄にならって裸体で表されていることもあります。ローマの彫像の写実性は、現存する歴代のローマ皇帝の彫像と、同じ皇帝のコインの肖像を比べてみても、それぞれの容貌の特徴を強く表していることがよくわかります。さらに、同じ皇帝のいくつかの彫像を見比べてみるとわかりますが、ある一定の理想化はしながらも、年齢を重ねていく風貌の変化さえも表しているのです。こうした皇帝の彫像は帝国全土でコピーが作られ、公共の場のみならず私的な空間にも置かれました。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「また、ローマ美術の特徴としてスケールの大きい大規模な公共建築があげられます。たとえば、現在のイタリアの首都ローマを象徴する建物のひとつとして、 80年に完成した円形闘技場コロッセオがあります。 ５万人ほどを収容できたコロッセオは、剣闘士試合や時に公開処刑など、見世物（スペクタクルム）で大衆の心を捉える人心操作のために建てられました。この古代ローマ最大の建造物は、ユリウス・クラウディウス朝断絶後にフラウィウィス朝を創始したウェスパシアヌス帝（在位： ６９〜 ７９年）による、ローマ市民たちに対する政治的プロパガンダであり、いわゆる「パンとサーカス」政策のサーカスの部分の会場だったのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「こうした借用以外で、キリスト教独自のイメージも描かれています。たとえば、キリストを象徴する「魚」です。魚がキリストを象徴するのは、「イエス・キリスト、神の子、救世主」の頭文字を組み合わせると魚（ギリシャ語で「イクテュス」）となり、キリスト教が公認されるまでは、魚の図像がキリスト教徒の隠れシンボルとなっていたからです。このように、キリスト教公認以前にも、多数の宗教美術が存在していたのでした。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「たとえば、ブリューゲル作の「バベルの塔」からは、当時のネーデルラントの混乱が読み解けます。ブリューゲルが生きたスペイン領ネーデルラントは、まさに宗教的・政治的に混乱状態でした。政治的にはスペイン派（王党派）と独立派が対立し、宗教的にもカトリックとプロテスタント、そしてユダヤ人もが同じ地域で暮らしている状況でした。そのうえ、プロテスタントにおいてもカルヴァン派、ルター派、再礼拝派などが混在していたのです。さらには、そこで使われた言葉もさまざまであり、こうした多文化社会が多くの対立の原因になっていました。ブリューゲルの描いた「バベルの塔」からは、まさにこの混乱した状況が読み解けるのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「「バベルの塔」は、元々は旧約聖書が主題であり、人間がさまざまな言語を話すようになった原因が描かれた話です。「ノアの方舟」のノアの曾孫であるニムロド王が、神に対する復讐として再び人類が大洪水に見舞われないよう、神の領域である天まで届く塔を建築しようとします。しかし、人間の不遜や驕りに怒った神により、人間はさまざまな言葉を話すようになり、意思疎通ができなくなった結果、塔の工事は中断されてしまうのです。以後、同じ言葉を話すグループごとに人々は世界各地へと広がっていったという話です。まさに混乱したフランドルの多文化社会を暗示しているようです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「１４９４〜 ９５年にかけてイタリアを訪れた若きデューラーは、イタリアで最新のルネサンス美術に触れることになります。さらにデューラーは、イタリアにおける画家や彫刻家たちが「芸術家」として認識されている現状とその地位の高さに驚愕しました。当時、ドイツを含むアルプス以北の地域では、「芸術家」という概念はなく、あくまでも美術家は「職人」という扱いだったため、そのイタリア滞在は衝撃的なものとなったのです。彼の受けた衝撃は、その作品からも読み解けます。たとえば、彼は美術史上で最も早く独立した自画像を描いた画家ですが、「 28歳の自画像」では、自分を職人ではなく芸術家という地位に相応しい貴公子のように描いています。そして、かの有名な「 １５００年の自画像」でも、自分をキリストのように正面像で描き、自らをドイツにおける芸術の改革者として描いています。ここからも職人から芸術家へと画家の社会的地位向上に臨む強い意思がうかがえます。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「バロック絵画の王「ルーベンス」バロックは、 17世紀のヨーロッパで、それぞれの国の政治や宗教、そして経済に応じて個性豊かに育っていった点も魅力です。そのため、国ごとに語らなければバロックの芸術性自体が見えにくいのも特徴なのです。バロックの源流となったローマだけではなく、ネーデルラントのオランダやフランドルでも、 17世紀にバロック美術が黄金時代を迎えます。ちなみに、美術史における「フランドル」という名称は、 17世紀のネーデルラントでオランダ独立後にスペイン・ハプスブルク家の支配下に留まった南ネーデルラントを指しています。つまり、美術史における「フランドル」は、現在のベルギー王国ほぼ全域を指しています。そのフランドルの画家で、その名声が国際的に鳴り響いた画家がピーテル・パウル・ルーベンス（ １５７７〜 １６４０年）です。北ヨーロッパ最大の巨匠であり、「王たちの画家にして画家たちの王」と称えられたルーベンスは、バロック絵画を象徴する壮麗で躍動感あふれる様式を確立しました。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「ベラスケスの作品に近づくと気が付きますが、彼の作品には後の印象派など近代絵画に見られるような筆使いの荒さがあります。しかし、離れて鑑賞するとその効果が一気に表れ、まるでその瞬間の空気感までもが表現されているようです。肖像画家としても極めて優れていたベラスケスは、卓越した洞察力によりその人物の奥深い内面性を描き出すことができたのです。こうしてベラスケスは、表面的な写実主義だけでなく、絵画を超越したリアリズムに到達した西洋美術史における最高峰の画家の一人となったのでした。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「ちなみに「ジャンルのヒエラルキー（格付）」が確立したのもこの 17世紀でした。最上位には聖書や神話を主題にした歴史画があり、その下に順に人物画（肖像画）、風俗画、風景画、そして一番下位のジャンルとして静物画がありました。歴史画の格が高いとされるのは、画家自身がまず主題を理解しなければならないからです。さらに、画面には複数の人物を配し、相応しいポーズや感情を表現し、適切な背景を描かなければならず、構成力だけでなく古代建築などの考古学的な知識も要求されます。画家も鑑賞者も、教養を持ち合わせないと理解し難いのが歴史画であり、それゆえ格も高いのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「プロテスタント社会のオランダで人気を博したのが、一般市民の日常生活を描いた「風俗画」です。 17世紀オランダ風俗画の多くに、格言や教訓が込められました。正しい信仰生活へ導くための、さまざまな美徳や悪徳が描かれたのです。たとえば、風俗画に多い風景として「飲酒」の場面があります。これは、オランダ人がヨーロッパ一の大酒飲み（主にビール）として知られていたからです。当然、絵画のメッセージは「節制」を促しています。パイプ煙草も頻繁に描かれていますが、これも 17世紀のオランダでパイプ煙草が大流行していたからです。ギャンブル好きな国民性で知られたオランダ人らしく、その戒めとして昼間から居酒屋でトランプ遊びをする人たちが描かれることもありました。そして、オランダ人が好んだ絵画に、馴染みのある風景を描いた「風景画」もあります。この時代は、ヴェルサイユ宮殿の整えられた整形庭園に表れているように、他国では「目の前に広がる現実の風景」を美しいと見なす美意識はありませんでした。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「17世紀オランダ美術で、別格の存在がレンブラント・ファン・レイン（ １６０６〜 ６９年）です。最近の日本では、後に触れるフェルメールのほうが人気が高いようですが、レンブラントこそがオランダ美術史上最大の巨匠なのです。集団肖像画で名声を博した彼の代表作「夜警」は、「光と影の魔術師」と呼ばれる彼らしい劇的な明暗のコントラストが特徴的な作品です。また肖像画以外にも、歴史画を含め、そのジャンルは多岐にわたり、版画家としても名声を誇りました。レンブラントは、自身のイメージ戦略を強く意識した画家でもありました。たとえば、イタリア・ルネサンスの巨匠たちを強く意識した彼は、ルネサンス期のファッションで自画像を残しています。さらに、自身のサインも「レンブラント」とファースト・ネームだけでした。これは、レオナルドやラファエロなどルネサンス三大巨匠やティツィアーノのように、ファースト・ネームで名を残した画家たちに対抗意識を持っていたからです。そのイメージ戦略は見事に成功し、彼は苗字のファン・レインではなく、「レンブラント」として美術史に名を残すことになったのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「フェルメールが残した作品の多くは、市民たちの日常生活を描いた風俗画でした。そしてその作風は、他の地域のものに比べると上品であることが知られています。フェルメールが活躍したデルフトでは、近隣に住む宮廷人たちの注文を受けるため、上品な作風が求められたからです。たとえば、男女の恋愛の駆け引きといった「節制」や「肉欲に対する戒め」を示唆するような、決して内容的には上品ではない風俗画でも、オランダの他の地方の風俗画と比べると、同じ意味を持つとは思えないほど静謐な（静かで落ちついた）世界が広がっています。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「オランダといえばチューリップですが、 １６３３年から １６３７年にかけて、オランダでは「チューリップ・バブル」が起こりました。虚構に対する戒めが強いプロテスタント社会のオランダでは、富裕層もファッションで富を誇示することをよしとしない習わしがあり、節制をよしとするオランダ人は食生活も質素でした。そんな彼らがファッションと美食の代わりに贅沢品として夢中になったのが、邸宅とそこを美しく飾る絵画であり、痩せたオランダの土壌でも栽培可能なチューリップだったのです。郊外に建てられた豪華な別荘の庭園の花壇も、チューリップ・ブームに拍車をかけました。経済がヨーロッパで最も発展したオランダでは、都市貴族や財を成した商人階級の間でチューリップの花は贅沢品となり、愛好家が一気に増えたのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「オランダ人が「黄金の世紀」と呼んだように、フランス人が誇らしげに「偉大なる世紀（グラン・シエクル）」と呼ぶ 17世紀は、フランスが政治的にも、そして文化的にも大きな発展を遂げた時代でした。絵画や建築の分野で「古典（規範）」が確立され、フランス文化の基盤が築かれたのです。 17世紀のヨーロッパ各国を席巻していたのは、劇的でダイナミックなバロック美術でしたが、フランスは独自の「フランス古典主義」を生み出します。文化的先進国だったイタリアの文化をそのまま「輸入」するのではなく、フランス独自の様式を確立したのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「「プッサン知らずして、フランスの美を語るなかれ」 １６６３年、アカデミーの会長に就任したシャルル・ル・ブラン（ １６１９〜 ９０年）の下に確立したのが、ニコラ・プッサン（ １５９４〜 １６６５年）の美術理論を基にしたフランス古典主義でした。人生の円熟期のほとんどをローマで過ごしたプッサンでしたが、大勢の知識エリートと見なされた友人や顧客をフランスに持ち、彼らを通じてプッサンの作品はフランスにもたらされました。そして、弟子ル・ブランやプッサンのパリでの修業時代の友人でアカデミーの創設メンバーの一人でもあったフィリップ・ド・シャンパーニュ（ １６０２〜 ７４年）などがプッサンの絵画理論をフランスで広めたのです。その結果、「プッサン知らずして、フランスの美を語るなかれ」ともいうべき、ニコラ・プッサンこそがフランス美術の「規範」となったのでした。知識人であり、文人画家であるプッサンの画家としてのあり方、そして彼の哲学性が高い知的な特質を強調した絵画および絵画理論は、自由学芸との同一化を目指すアカデミーにとって、そして同業者組合との差別化を図りたい会員たちにとっての手本となりました。プッサンは、審美眼がなく教養にも欠ける大衆に迎合することをよしとしませんでした。その結果、教会の祭壇画のような公的な仕事をできるだけ避け、裕福で教養のある上流階級の顧客のための私的な作品を制作するようにしました。そのため、単純に眼だけを楽しませるような作品ではなく、知性と理性に訴えることによって感動させる作品を描くことができたのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「プッサンは、審美眼がなく教養にも欠ける大衆に迎合することをよしとしませんでした。その結果、教会の祭壇画のような公的な仕事をできるだけ避け、裕福で教養のある上流階級の顧客のための私的な作品を制作するようにしました。そのため、単純に眼だけを楽しませるような作品ではなく、知性と理性に訴えることによって感動させる作品を描くことができたのです。さらに、主題は高貴でなければならないと考えたプッサンは、大衆は単純に色彩に魅了されると見なし、それすなわち俗悪と考えました。彼は絵画制作において、感覚に訴える色彩ではなく、知性と理性に訴えることができるフォルムと、秩序に基づいた安定した構図を重視したのです。プッサンが友人にあてた手紙から言葉を借りるならば、「知的に絵を読む」ということです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「実はフランスでは、独自の古典主義を確立する以前にも、フランスならではの洗練された宮廷様式が存在していました。この宮廷様式の発展については、フランソワ １世（在位： １５１５〜 ４７年）を抜きにしては語れません。彼は、レオナルド・ダ・ヴィンチを庇護した、偉大な絵画コレクターとしても知られています。たとえば、あの「モナ・リザ」がフランスにあるのも、フランソワ １世のおかげなのです。ルーヴル美術館は、フランス革命後に国有化された王室の美術コレクションを一般公開したものですが、そのうちイタリア・ルネサンス絵画の至宝の多くはフランソワ １世の絵画コレクションなのでした。このフランソワ １世によって、イタリアより １世紀ほど遅れてフランスにもルネサンスの風がそよぐことになるのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「ルイ 16世（在位： １７７４〜 ９２年）の時代になると、女性の髪型の「高さ競争」が始まりました。髪が高すぎて馬車に乗れない人が現れたほどです。 １７７８年には、舞台が見えなくなるという理由で、オペラ座に高い髪型で入場することが禁止されています。このことからも、その高さが異様だったことがわかるでしょう。また 18世紀には、男性の化粧も当たり前となります。髪粉を用いた白や灰色のヘアー・スタイルを際立たせるために、頬などに赤い化粧品を使用するほどでした。もちろん、その化粧を台無しにする髭などは論外です。結果、 18世紀のフランスでは男性の顔から髭が消えてしまうのでした。当然、女性の化粧もエスカレートし、白粉でしっかりと顔を塗って赤い顔料で化粧をし、さまざまな形をしたウールや絹製、またはビロード製の「つけぼくろ」を顔に付けて肌の白さを際立たせました。 18世紀の女性の肖像画で、目尻に描かれている黒い斑点を見つけたら、加齢によるシミではなく「つけぼくろ」だと思ってください。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「もちろん、今まで記してきたことは王侯貴族たちに限られたことです。しかし 18世紀という旧体制時代では、文化・流行の潮流を作っていたのは王族であり、その周りにいた上流貴族と彼らに憧れる上層市民たちでした。そのため、建築、絵画、室内装飾もまた、宮廷人たちの好みに合わせ発展していきます。女性的な嗜好を持ち、美の悦びを求めるようになった彼らのために、絵画もまた、理性に訴えるデッサンを重視したものではなく、感覚に訴える色彩が重視されたものが台頭していくのです。これが、「ロココ絵画」時代の到来です。ロココ絵画の芽生えは、 17世紀末にさかのぼります。 17世紀末、王立絵画彫刻アカデミーの会員の間でニコラ・プッサンを規範とするフランス古典主義に異を唱えるグループが出てきました。彼らは「プッサン派」に対して「ルーベンス派」と呼ばれます。ヴェネツィア派の巨匠たちの影響を受け、豊麗な色彩表現で画面を構成した「王たちの画家にして画家たちの王」ことピーテル・パウル・ルーベンスを規範とするグループです。理性に訴えるデッサンのほうが感覚に訴える色彩よりも高尚だとする「プッサン派（デッサン派）」に対して、「ルーベンス派（色彩派）」は自然に忠実な色彩は万人に対して魅力的であると主張しました。「ルーベンス派」は、理性的なデッサンは専門家にしか〝受けない〟と信じたのです。「理性」対「感性」、つまり「デッサン」対「色彩」の戦いの始まりです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「ロココ絵画の三大巨匠ロココ絵画の開幕を告げたのは、フランス人ではなくフランドル出身のジャン ＝アントワーヌ・ヴァトー（ １６８４〜 １７２１年）でした。貴族趣味を象徴するようなロココ絵画の生みの親である彼の作品には、彼よりも後に登場するロココ絵画とは違い、ただ享楽的なだけでなく、気品ある叙情性や甘美で繊細な感受性といった魅力があふれています。たとえば、王立絵画彫刻アカデミーへの入会審査作でもある「シテール島への巡礼」では、若い ８組の男女の島での甘美で切ない恋模様を、幻想的な舞台のように描いています。歴史画でもなく風俗画でもないこの作品を、アカデミーは「雅やかな宴」と記録しました。現在の美術史では、これを「雅宴画」と訳すことが多いです。優雅に装った人々が、田園風景の中で楽しむ社交や恋の駆け引きの情景が雅宴画の主題と見なされ、ヴァトーはその先駆者とされました。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「ナポレオン自身は美術愛好家というよりも、美術品が持つ「力」を強く認識していた人物でした。対外戦争の戦利品として美術品を貪欲に持ち帰り、それらをルーヴル宮の自身の名を冠した「ナポレオン美術館」で公開し、その威光を誇示したように、美術品そのものよりもその総合的な力を認識していた人物だったのです。絶対王政を築いたルイ 14世も、自身の威光をフランス古典主義によって視覚化しましたが、ナポレオンも同様に、建築や美術のイメージの力を自分の政権と権力に結びつけ、自分の帝位と帝国のイメージ作りに利用する傾向が顕著でした。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「ドラクロワの代表作「民衆を導く自由の女神」でも、実際の出来事を題材としています。これは、王政復古後のブルボン朝で起きた、シャルル 10世（在位： １８２４〜 ３０年）による言論の自由への規制、選挙権の縮小などの政策に対し、パリ市民たちが立ち上がった「七月革命」をテーマに描いたものです。自由の寓意像は革命の象徴であり、七月革命後に国旗となる三色旗を揚げて民衆を導いています。革命の犠牲者たちを乗り越え進むその雄姿は、いつの時代も観るものを圧倒しその感情を鼓舞させます。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「「私は天使を描くことはできない。なぜなら、私は天使など見たことがないからだ」と語ったとされる彼は、造形的には古典主義やロマン主義とも距離を置いた写実主義（レアリスム）の推進者でもありました。フランス古典主義は伝統的に「理想化 ＝良い趣味であり、見えるとおりに写してはいけない」という規範がありました。つまり、あるがままに描くのではなく、〝あるべき姿〟で描かなくてはならなかったのです。しかし、写実主義を信条としたクールベは、こうしたフランス古典主義はもちろんのこと、感受性に訴えるロマン主義にも背を向けます。そして、本来なら歴史画にのみ許された大画面に現実的な人々や日常を描き、アカデミーの伝統にも背いたのでした。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「そしてこのクールベが築いた近代絵画への礎は、伝統的な「見たことのない世界を描く」歴史画的主題から、「自分が見たままの世界を描く」という〝主題の近代化〟でした。自分が見た世界を忠実に描く姿勢は、後に印象派によって引き継がれ、発展していくことになります。そして、賛否両論を巻き起こしたクールベの革新性は、「現代美術 ＝ Pushing the boundaries（垣根を取り払う）」という方程式を確立する結果となり、現在に至るのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「クールベ同様にマネは、美術界の問題児とされてしまいます。彼の輪郭がはっきりしている大胆な筆使いや、平面的で単調な色面や激しい色彩の使い方が、あまりにも「奇妙」に映り、激しい批難にさらされたのです。それは明らかにラファエロ以降の絵画の伝統だった三次元性からの逸脱でした。ちなみに、このマネ特有の造形性には、日本美術収集家だった彼の、浮世絵からの影響も指摘されています。この絵画の二次元性の強調は、近代絵画の定義である「何を描くのか」ではなく「どう描くのか」を探求する新しい造形的アプローチでした。こうして、マネによって近代絵画の定義が方向付けられました。これが、彼が「近代絵画の父」と呼ばれる所以なのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「そして、やはりこの絵についても観客の深読みがありました。しかし、マネは単純に伝統的なヌードを現代風に焼き直しただけで、鑑賞者に対して何か倫理的なメッセージを込めたわけではなく、当時のパリにおける社会の一面を描いただけだったのです。また、この作品はこれまで以上に平坦な描き方と遠近感のなさで絵画の二次元性が強調されています。その結果、マネはルネサンス以降の伝統である「三次元の世界の再現」から逸脱した造形性によっても批判を浴びてしまったのでした。クールベのように、自分の主義主張で物議をかもすことを望んでいたわけでもなく、保守的な上層ブルジョワジー出身で世間的な成功や賞賛を求めていたマネは、自分では傑作と信じていた「オランピア」が、 ２年前の「水浴」を上回る世間からの批判と嘲笑を浴びせられたことに深く傷ついてしまいます。そのため、マネは悲しみを癒すため、パリを離れてマドリードへと旅立っていきました。失意の中、初めて訪れたスペインでディエゴ・ベラスケスの作品から影響を受け、翌年に「笛を吹く少年」を描いています。簡素に平面化された広々とした背景にベラスケスの影響が読み取れます。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「また、マネは色彩のコントラストで立体感を表現しました。しかし一方で、抑えられた色調と平坦に描かれた色面、そしてクッキリと描かれた輪郭線は、浮世絵からの影響を感じさせ、より一層絵画の二次元性が強調されています。色数を切りつめているところも浮世絵的です。さらにマネは、死の前年、主題にしてきた「現代生活」の集大成とも言える作品を完成させました。「フォリー ＝ベルジュール劇場のバー」です。マネは男と会話している虚ろな表情の女の姿を描きました。その女は、まるで周りに置かれた酒や果物のように情感がこもっておらず、彼女自身も売り物のひとつであるようにたたずんでいます。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「西洋美術史を振り返ってみると、イギリス美術は影が薄い印象を受けますが、その背景には主に２つの原因があります。そのひとつが英国国教会の成立です。 １５３４年、ヘンリー ８世（在位： １５０９〜 ４７年）は「国王至上法」を発布し、ローマ教会（カトリック）から独立した、国家元首が教会の長を兼ねる英国国教会を成立させました。ヘンリー ８世自身はローマ教皇とは絶縁したもののカトリック信仰を生涯守りましたが、英国国教会成立の余波はイングランド国内におけるプロテスタント運動を活性化させることになります。そのため、娘のエリザベス １世（在位： １５５８〜 １６０３年）が １５５９年に国王至上法を再発布し、英国国教会の改革を図ります。カトリックとプロテスタントの融合を図り、礼拝様式などはカトリック的でありながらも、教義的にはプロテスタントであり、そしてローマ教皇ではなく国家元首が教会の主権者であるという中道路線を取りました。そのため、英国国教会はプロテスタントに分類されるのです。しかし、この宗教改革によってイングランドでも聖像破壊運動が激化し、新たな宗教美術の制作が禁じられたどころか、それまでのもの（とくに聖像崇拝に直結しやすい彫像）が破壊されてしまいます。これにより、イギリス美術の多くが失われてしまったのでした。そして、もうひとつ、イギリス美術の影が薄い原因は、 18世紀になるまで大陸の芸術家と肩を並べる「自国の芸術家」が存在しなかったことです。イタリアやフランスに比べると、長年にわたりイギリスは文化的後進国でした。事実、ブリテン島に「ルネサンス」が伝わったのもイタリアから ２世紀遅れ、ライバルのフランスと比べても １世紀遅れのことだったのです。ロンドンに王立美術院が創立されたのも、フランスの王立絵画彫刻アカデミー創設から １２０年遅れた １７６８年のことでした。そして、それ自体もフランスのアカデミーを手本にしています。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「イタリアやフランスに比べると、長年にわたりイギリスは文化的後進国でした。事実、ブリテン島に「ルネサンス」が伝わったのもイタリアから ２世紀遅れ、ライバルのフランスと比べても １世紀遅れのことだったのです。ロンドンに王立美術院が創立されたのも、フランスの王立絵画彫刻アカデミー創設から １２０年遅れた １７６８年のことでした。そして、それ自体もフランスのアカデミーを手本にしています。宮廷画家も「出稼ぎ外国人」に頼ることが多く、伝統的に文化・芸術は大陸から「輸入」するものであったイングランドが、独自の文化を形成していったのは 18世紀に連合王国（イギリス）となってからのことでした。 18世紀になり、ようやくイギリス人画家たちが自国の美術を牽引するようになったのです。イギリスはそれまでの大陸文化の輸入ではなく、イギリス独自の様式美を生み出していきました。そしてその新たな様式は、庭園や絵画など、さまざまな国の芸術・文化に影響を及ぼすまでになるのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「そして、 17世紀のオランダ人が自分の周りの身近な景色を風景画に求めたように、 19世紀のフランスのブルジョワジーもまた、馴染みのある現実的な風景画を求めるようになります。パリなどの都市部の人口増加の背景には、農村部からの人口流入がありましたが、経済的ゆとりが生まれた彼ら「都会人」にとって、現実的な田園風景こそが自分たちの原風景であり、そこに郷愁や安らぎを覚えたのです。産業革命以降、洋の東西を問わず田園風景を愛でないのは、現実に農村で生活し、農作業の過酷さを知っている農民だけになっていったのでした。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「このような都市化の時代に登場したのがバルビゾン派です。 １８３０年代以降、パリの南東約 60キロに位置するフォンテーヌブローの森近くのバルビゾン村やその近くのシャイイ村を訪れ、現実的で平凡な風景を写実的に、もしくは主観的に描いた画家たちのことを指します。バルビゾン派を代表する画家の一人がテオドール・ルソー（ １８１２〜 ６７年）です。彼はフランスにおける純粋な「風景画」の創始者でした。 １８４９年にバルビゾン村に移り住んだ彼は、伝統的なアトリエでの制作ではなく、屋外で写生に基づいた風景画を制作した新しいタイプの画家だったのです。また、カミーユ・コロー（ １７９６〜 １８７５年）は、サロン向けには古典主義に則った歴史画的風景画を描いていましたが、世間的に認知された 19世紀半ば頃からは、靄に包まれたような、叙情的で詩情溢れる風景画で人気を博するようになります。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「こうした事情もあり、長年にわたりミレーは、本国フランスに比べアメリカや日本でより高い評価を得ている現実があります。キリスト教精神に則った「祈りと労働」が描かれ、貧しい農民を「英雄化」したミレーの作品は、フランスよりもプロテスタンティズムが強いアメリカ、それもピューリタニズム（清教徒主義）が強いボストンを中心にしたニューイングランド地方で高く評価されたからです。とくに、貧しいながらも勤勉で道徳性の高い農民の姿を描いた「晩鐘」は、敬虔なアメリカ人の琴線に触れ大評判となり、何枚もの複製が作られアメリカの家庭を飾りました。日本でも清貧を是とする国民性があり、その国民の大部分のルーツが農村にあるため、ミレーの人気が高いことも頷けます。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「ちなみに、「晩鐘」では貧しい夫婦が収穫物のジャガイモを前に祈りをささげていますが、当時のフランスでは現代と違い食物としてのジャガイモの地位が大変低く、その点からも「絵画は高貴でなくてはならない」という呪縛が強いフランス人には抵抗感があったことは想像に難くないでしょう。一方、異文化で美術の伝統も異なる新興国アメリカでは、そうした偏見はなく、むしろ肯定的に受け入れられたのです。新しいものに対して保守的になりがちなフランスの富裕層に対し、後に印象派に対してもそうだったようにアメリカの富裕層のほうが新しいものに対してより寛容なのです。ミレーの名声が本国フランスでも高まったのは、アメリカより遅く晩年になってからのことでした。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「こうした社会のブルジョワ化によって、 19世紀のフランス美術界には、ロマン主義やバルビゾン派などの新たな様式が台頭し、受け入れられていきます。しかし一方で、新古典主義を公式の様式とする美術アカデミーの権威は失墜することなく、それどころか歴然とした権力を発揮し続けることになります。フランスは古典主義の伝統が強いうえ、フランスの富裕層の多くも保守的な傾向が強かったからです。台頭したブルジョワジーの多くも、自分の審美眼に自信がなく、美術品に対しても美術アカデミーという「ブランド」を求めました。洗練された趣味や審美眼は、一朝にして成るものではないことを当時のブルジョワジーもよくわかっていたのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「旧体制時代の王侯貴族が芸術家のキャリアと生活を支援することができたのと違い、市民社会においては、よほどの大資産家でもない限りブルジョワジーにそのような支援は不可能です。そのため、 17世紀のオランダ人画家同様に、フランスの芸術家たちも不特定多数の客をつかむ必要が出てきました。しかし、この時代の若い画家たちが置かれていた状況は、現代とは大きく違います。莫大な費用がかかる個展が一般的でない時代だったため、サロンがほぼ唯一の展覧会であり、サロンに入選することが芸術家として生きていくためには不可欠だったのです。昔の演歌歌手にとっての「紅白歌合戦」のようなものです。サロンで入選を重ね名前を売ることによって、公的や私的な制作注文を増やすことができたのです。当時のサロンは入場者数が数十万人におよび、新聞や雑誌がサロンについてくまなく記事を掲載する大イベントでした。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「そしてマネは、 １８６８年には印象派の女性画家ベルト・モリゾ（ １８４１〜 ９５年）とも知り合います。マネ同様に高級官僚を父に持ち、上層ブルジョワ階級の家庭で育った美しいモリゾは、マネの作品のモデルを務めるようにもなります。さらに、マネ家とモリゾ家との間でも社交的な交流が始まり、モリゾの夫となったのもマネの弟でした。こうしてマネを介して、印象派のメンバーたちの人間関係が構成されていきました。ちなみに、マネは印象派の一人として語られることも多いのですが、実は彼は、後ほど述べる印象派展には参加していません。それどころか、彼は印象派展への出品を断固として拒否し続けていたのです。マネと印象派たちとの密接な人間関係は、彼が印象派の一員だったようなイメージを与えていますが、マネは当時の印象派にとっての「指導者」的存在に過ぎなかったのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「ヨーロッパ人のように古典主義に対する先入観が薄いアメリカ人は、文化的コンプレックスを抱いていたフランスからもたらされる新しい美術を歓迎しました。元来アメリカ人は、新しいものを受け入れる度量がフランスの富裕層よりあるのです。アメリカの富裕層はフランスの場合と違い、そのほとんどがプロテスタントかユダヤ人であったことも、装飾性が強く、聖書など古典絵画的な主題性が強くない印象派を受け入れやすかったと言えるでしょう。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「アメリカン・マネーに支えられたヨーロッパの芸術・文化 19世紀末に経済的に発展を遂げ、 20世紀には世界一の経済大国となったのがアメリカです。 19世紀後半以降のヨーロッパの文化は、芸術、ファッション、そしてワインでさえも、このアメリカ人が有する莫大な富により支えられることになります。それゆえ、近代・現代美術の発展も、アメリカを抜きに語ることはできません。アメリカ人がヨーロッパの美術市場に影響を与え、そして牽引していくようになるのは、印象派が世間を騒がし始める 19世紀後半になってからのことでした。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
「女性たちが開拓した現代アートの世界アメリカにおける芸術分野の発展には、ヨーロッパとは比べ物にならないほど女性のパワーと働きも大きく影響しました。 19世紀後半には、アメリカの上流階級の女性たちの間で、美術に対する関心が高まり、美術史の講座に上流婦人たちが集まるようになります。その結果、男性社会的なヨーロッパ美術界と違い、アメリカの上流階級では、美術の面においては女性もイニシアティヴを取るようになっていくのです。男尊女卑の風潮が当たり前だった時代のアメリカでしたが、ヨーロッパに比べるとはるかに女性が主義主張を唱えやすかったことがわかります。当時のヨーロッパ人にとっても、アメリカ人女性の独立心や自由さは目を見張るものがありました。こうしたアメリカの上流婦人たちが、アメリカの美術館文化をより成長させていったのです。」
—『世界のビジネスエリートが身につける教養「西洋美術史」』木村 泰司著
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ファッションが好きから入って、美しいもの全般に興味を持つようになり、世界史でなんとなく文化史としてふれつつも、
美術が存在するようになった歴史とか表しているものとか、そういう内容について学ぶ教育が日本では少ないから、ただの娯楽やと思ってて、
でも宗教や社会情勢や思想やいろんなものと結びついて、当時のメディアとして機能してるっていうことを知るようになってから、もっと深く学びたいー！と思うようになった。
あとは、高校か大1くらい？にアンディウォーホルに衝撃を受けて、そこから現代アートに興味を持つようになった。
でも、美術展とかいっても、何を表してるんだろうっていうことが結局体系的な知識がないと理解しきれなくて、ずっとモヤモヤしてて、けどこの本でめっちゃざっくりやけど理解できた！！
世界史が、美術の視点から自分の中で再構築されるのも面白かった。
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元々美術館巡りは好きで色々な絵画を見ていた。
ただその絵画の背景や歴史、作者の人生など知れることでもっと深く理解したいと思い本書を購入。
結果的にはとても良かった。
アート全体の歴史知識が浅い自分からすると網羅的、かつわかりやすく(特にも実際の絵画画像も含め)理解できた。
これを機に個人的に好きなルノワールなどの画家の歴史や背景なども深く探索したいと思った。
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美術の知識がない私からすると、あまりお目にかかったことのない作品の解説が多かったのですが、その背景にある歴史が自身の知っている教養と結びついたことで絵の捉え方が変わりました。
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古代ギリシャの時代から20世紀初頭まで、歴史をたどりながらその様式が広まり、受け入れられるようになったあらましが浅く広く記されている。
前書きの鼻につく感じで若干身構えたが、本編は流れも整理されていて理解しやすかった。
現代美術が扱われていないことと、文中に出てくる作品の一部が収録されているもののモノクロだったのが少し残念。
芸術はやはり歴史、宗教の大きな流れとは切っても切れない関係なのだなぁ。
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「美術は見るものではなく読むもの」
西洋美術の変遷を時代ごとに追いながら
その様式の特徴だけではなく時代背景や人物像を
紹介してくれるおかげで多くの学びがある一冊。
芸術好きなら聞いたことのあるアーティストの名前が沢山でてくるが、一人ひとりポイントを抑えて簡潔に説明してくれるおかげで、自分の知識が浅かった部分が可視化される。
"18世期の女性の肖像画で、目尻に描かれている黒い斑点を見つけたら、加齢によるシミではなく「つけぼくろ」だと思ってください"
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絵画を「読む」という観点で書かれた本。
当時の出来事、政治、経済、人々の傾向など社会と関連させて絵画作品や画家についての知識が得られる一冊である。
絵画作品は宗教との繋がりもあるため、当時の宗教的な情勢も含めて知識が得られた。
ただ作品について知るのではなく、当時の社会背景も知ることで今後より深く絵画を見ることが出来ると思われる。
個人的にはとてもためになる本だった。
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苦手な分野ではあったが何とかインプットしたくて手に取った一冊です。
数年かけて少し読んでは頭から、を繰り返してやっと読み終えました。歴史的・文化的背景を含めてとても勉強になりました。
一方で、これは致し方ないのは承知の上だが、やはり絵画はカラーで見た方が良いだろうと思いました。これはまた別の本を読んだり、実際に美術館に足を運びながら補完して行こうと思います。
長年の戦いに終止符が打たれた記念に感想を書きました。
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タイトルの通り、教養として美術史を勉強できる本。
世界の歴史背景が美術にどのように影響を受けて変容してきたかを詳しく説明してくれてるので、世界史の勉強にもなります。
画家や絵画の歴史的背景を知った上で絵画を見るとより楽しくなると思うので、時々読み返したいなと思える本でした。
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・美術を知ることは、その国の歴史や文化、価値観を学ぶことでもあるのです。
・ギリシャ人にとって人間の姿は、この神から授かったものであり、美しい人間の姿は神々が喜ぶものと考えていました。「美＝善」という信念・価値観があった。
・ギリシャの男性に兵役の義務があった。つまり、体を鍛えることはギリシャ人男性にとって必須であり、その結果、肉体の優秀性を競い合うことになった。
・古代ギリシャでは主に男性美を追求したギリシャ彫刻が発展する。
・ペロポネソス戦争以降、粛清が行われるなど恐怖政治がアテネを支配する中で、美術における嗜好はその反動から享楽的なものを求めるようになる。
・紀元前５世紀の崇高で荘重な様式ではなく、紀元前４世紀のものは優美さを漂わせたものが多くなる。
・アレクサンドロス３世は、マケドニア・ギリシャ連合軍を率いてペルシャに遠征し、オリエントやエジプトにまたがる大帝国を建設したのち死去します。その遠征の結果、ギリシャの文明が広域に伝わることになる。
・ヘレニズム時代にギリシャ文化圏が一気に広がったことで、それまで通用していたギリシャ人特有の価値観以外の表現が見られるようになる。大王の後継者たちによって支配らされた地域とギリシャの文化が融合された「ヘレニズム文化」が生まれ、美術の様式も変化していった。
・ギリシャ的な思想ではなく、より個人的な感覚や、理想主義ではなく個性を重視した写実主義へと変化した。
・紀元前146年にギリシャを支配したローマ帝国は、建築屋芸術面でギリシャ文明を継承する。
・ローマ美術の特徴としてスケールの大きい大規模な公共建築があげられる。大規模建築を可能にしたのが、ローマン・コンクリート。セメントと砂利、もしくは粗石を混ぜたローマン・コンクリートは、強度があり柔軟性に富んでいたことに加え、切り石に比べて安価だったことからも、多くの建築の実現に寄与した。
・ローマ建築にはギリシャでは見られない半円アーチが目立つが、半円アーチ自体はエトルリア人の技術。
・キリスト教を異教とし弾圧したディオクレティアヌスの死後、キリスト教を帝国統治に利用するため313年にミラノ勅令が発布される。それにより、帝国内で異教徒して弾圧されていたキリスト教はついに公認され、信仰の自由が認められる。
・392年にキリスト教がローマ帝国で国教化。
・文明的に後進国だったアルプス以北のヨーロッパにおいて、読み書きができない人々にキリスト教の教えを伝えるために、旧約・新約聖書の物語を絵で表した「目で見る聖書」としての宗教美術が肯定され重要となる。
・シャルルマーニュの死後、フランク王国は分裂していき、北ヨーロッパは混乱の時代に突入。キリスト教の修道僧たちは街から離れた場所に修道院を建てるようになる。そこで発達したのが、修道院や教会のための様式である「ロマネスク」
・天井も木造から石造になり、その穹窿の重量を支えるために建物の壁は分厚く造られる。壁が厚いため、ロマネスク様式の聖堂は窓を大きく取ることができない。
・古代ローマ建築の特徴である半円アーチの場合はローマ風を意味する「ロマネスク」様式と見なされる。
・ロマネスク様式発展の背景には、人々の「終末」への強い意識もあった。１１世紀以降に盛んになったのが巡礼地への旅。巡礼ブームの背景には、１１世紀以降、聖地エルサレムやイスラム教諸国への十字軍遠征によって、多くの聖遺物がヨーロッパへもたらされたこともある。
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西洋美術史の流れがとても分かりやすい。現代アートは好きだが西洋画の知識はほとんどなかったためこの本を選んだ。ギリシャ美術から19世紀までの歴史が書かれている。その時の時代背景、宗教が美術に影響していることがよく分かる。美術を教養として身につけることの重要性が分かったと同時に自国への理解を深めていきたい。現代美術までの歴史も詳しく知りたいと思ったため他の本も読んでみようと思う。この本を読んだことで大体の歴史の知ることができた。名画をいつか自分の目で見てみたいという思いが一層強くなった！
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美術の潮流を大まかに理解できた。
それぞれの背景や宗教との関係、対立などが大事であると感じた。
また昔は庇護してもらい、それぞれのグループを作っていた。
フランス古典主義と新古典主義 と ヴェネツィア派とロココとロマン主義 の対立 の構図は面白かった。
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出勤前のテレビ東京のモーサテ『リーダーの栞』コーナーで、文明堂の社長が紹介していたのを見て即購入。
ビジネス書ですが堅苦しくなく読みやすい。世界の歴史と西洋絵画との関わりや移り変りが、わかりやすく頭の中も整理されてとても面白かったです。
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今まで見てきた絵画の意味を俯瞰で捉え直すことができて、ビジネスエリートからは程遠い私にとっても面白かった。
ただ、紀元前からの歴史を扱っているがために、それぞれの時代、絵画に対する説明はあっさりしている。
自分の好きな画家の絵について、もう少し深く知りたいなと思った。
つまり、入門書としてはきっととても良い本なのだと思う。
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西洋美術が体系的に学べて勉強になった。原田マハをきっかけに美術に興味を持ったが、やはり美術は歴史の背景や画家の人間性など学んでから見るとより面白い。元々、印象派がやはり好きだかロココ絵画も面白いなぁと。その他にはロマン主義のドラクロワも見てみたい。印象派はやはりルノアール！でもマネの絵も最高です。とにかく2021は美術館に行こう.！
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『13歳からのアート思考』に続き、自分の中での美術シリーズ。
歴史的な背景で、なぜそのような美術が発展したのかを説明してくれている。もう少し世界史が頭に入っていないと少々厳しい。
巻頭の美術様式年表はとても簡潔で、初心者にはこれだけでも手元に置いておく価値はある。
そろそろ本物を見に行きたいところ。。
Posted by ブクログ
最近ビジネス書や自己啓発本を読む事が多く、内容もマンネリ化してきたため、毛色を変えて美術史に目を向けてみた。個人的に世界遺産が好きで資格も持っているが、美術に目を向けた事がなかったので本書を手にした。
[before]
特に美術に関しての知識や教養はなく、有名な人しか知らない上に、作品の背景についての知識も皆無であった。
[要約]
本書は、紀元前から現代までの社会の変化、文化、価値観、市民の変化を美術という観点で辿ってゆく。アルカイック、クラシック、ヘレニズムから始まり、ロマネスク、ゴシック、ルネサンス、バロック、フランス古典主義、ロココ、新古典主義、印象派と言うように各美術史の歴史の変遷を代表的な作品とともに理解する事ができるので純粋に教養が広がる。
一方、表題のビジネスに関する内容は一切ないため、単純な西洋美術史としての読み物である。
[after]
今まで絵画の背景について理解することはなかったが、本書を読んで、作品は見るものなく、読むものであるという言葉が自然と理解できた。階級や、社会、貧富の差など様々な要因が絵画にも浸透している事が容易に理解できた。イタリアから始まり、フランスやオランダ、アメリカまで広がる西洋美術史の深さ、面白さを十分に堪能できた。今後も教養を深め、絵画だけでなく世界の文化にも目を向けたい。
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欧米人にとって美術は感じるものではなく読むもの、というのは自分にとっては新鮮な視座で、発見と気付きの多い一冊でした。
これまで、世界史を勉強しているとちょいちょいコラム的に差し挟まれる文化史としてしか「美術史」を勉強する機会はなかったなぁ。
「美術史」という一教科として日本の教育の中で定着して欲しいと思いました。
(と言う意味で、本のタイトルが、中身に対してあまり適切でないと個人的には感じました…)
以下、印象的だったところ。
・「日本人は、どうしても美術を見るときに『感性』という言葉を口にしがちですが、美術を知ることは、その国の歴史や文化、価値観を学ぶことでもあるのです。」（p.3）
・プラトンの本名はアリストクレス。プラトンは肩幅が広いというあだ名（p.18）
・キリストを象徴する魚。「『イエス・キリスト、神の子、救世主』の頭文字を組み合わせると魚（ギリシャ語で『イクテュス』）となり、キリスト教が公認されるまでは、魚の図像がキリスト教徒の隠れシンボルとなっていた」（p.49）
・フランク王国で誕生したゴシック様式。「後にルネサンス時代のイタリア人が、軽蔑の意味を込めて『野蛮人（Goth／ゴート族）の様式』と呼んだことで生まれた不名誉な名称」だが、それを抜きに西洋の建築を語ることができないほど重要な形式。支柱、尖頭アーチ、天井の交差リブ穹窿が上昇感覚を高め、ステンドグラスから光が差し込む。「『光＝神』という絶対的な価値観」（p.51-53）
・14世紀イタリアで興ったルネサンス。「美術家は、労働者的な職人という社会的地位から、文化人貴族的な地位へと徐々にその地位を向上させていきます。（中略）その人物の精神や知性が反映された作品が、『商品』ではなく『芸術品』と見なされるようになるのです。」（p.66-67）
・「15〜16世紀のネーデルラントは、経済的・政治的、そして文化的にも、美術史だけでなくヨーロッパ史において大変重要な地です。」（p.75）
・1517年ルターの宗教改革、カトリックvsプロテスタント→新たな宗教芸術・バロック美術。17世紀フランドル（南ネーデルラント≒ベルギー）の絵画王ルーベンスについて。「デザイナーがデザイン画を描くように、ルーベンスは油彩下絵（モデッロ）で絵画構想をまとめ、それを手本に助手たちが制作を担い、ルーベンスが最後の仕上げのタッチを加えたものが『ルーベンス作』と見なされたのです。現代におけるデザイナーズブランドの社長のような存在だったのが当時の大画家たち」（p.102-116）
・17世紀オランダの絵画ジャンルのヒエラルキー。歴史画>肖像画>風俗画>風景画>静物画（p.120）
・1789年フランス革命→1804年皇帝ナポレオン→ブルボン家ルイ18世→オルレアン家ルイ=フィリップ→1848年二月革命、1852年ルイ＝ナポレオン・ボナパルト。美術界にも社会主義者の画家ギュスターヴ・クールベが登場。クールベは二月革命による第二共和制を支持した共和主義者であり、社会主義思想にも共鳴していた。「『私は天使を描くことはできない。なぜなら、私は天使など見たことがないからだ』と語ったとされる彼は、造形的には古典主義やロマン主義とも距離を置いた写実主義（レアリスム）の推進者でもありました。」（p.176-178）
・「戦後の日本における大衆化した成金的ブルジョワジーのことではありません。今や日本では絶滅寸前と言ってもよい、一部のエスタブリッシュメントに残っている古きよき時代の控えめなエレガントさを湛えたブルジョワジーです。」（p.216）
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確かに美術とは読むものなんですね。歴史となぞらえると美術の流れが良く理解できます。 昔、歴史の勉強で、文学美術が苦手でしたが、このように歴史とキッチリ結びつけて行けば、楽しく覚えられると思いました。 手元に置いておきたい一冊です。
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・美術史とは、世界のエリートの、共通言語である
・美術を知ることは、その国の歴史や文化、価値観を学ぶことでもある
・それぞれの時代の政治、宗教、哲学、風習、価値観などが造形的に形になったものが美術品であり建築
・美術は感性で見るものではなく理性で読むもの
初心者にもとても読みやすい本です。
丁寧にわかりやすく、興味深い話題を交えて西洋美術史について順を追ってまとめてあります。
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歴史で見る美術、とても勉強になりました。
名作と言われた絵画にもその時代の経済状況や宗教の絡みなど、様々な背景が重なってできたものなんだなと思いを馳せました。
特に1800年代のフランス、クールベの登場まで民間の方々を主題に絵画を描けなかったというのは、表現の自由に強烈な制限がかかっていたんだなと感じました。
これから絵画に触れるときは、その作品の歴史的背景も意識したいと思いました。
Posted by ブクログ
横文字の人名が多いとどうしても混乱しやすいのと、国名が（当たり前だけど）馴染みのないものが出てくるので時代的な流れがつかみにくい。
ただ美術史の大きな流れは分かりやすく書かれており、別の視点から世界史を学んでおくと知識がつながってとてもおもしろいと思った。
ビジネスエリートと書いてあるけど、歴史に興味があるなら読んでおいて損はないと思う。
Posted by ブクログ
西洋美術史の表面をなぞる本。かなり初歩的で易しい内容でした。
ただ、手に取る多くの人にとって既知の事実が多いかと。
個人的にはヘレニズム以前とネーデルランドの美術史に疎かったので勉強になりました。
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美術史入門書。文章は優しくとっつきやすいが、ビジネスエリートがという部分が薄い。
タイトルに期待して手に取った方は期待外れかも。内容的には読みやすかったが、ビジネスへの活かし方がよく分からなかったので、3.5。
Posted by ブクログ
今年16冊目。
新婚旅行でイタリアで芸術に触れたこと、天使と悪魔やダ・ヴィンチコードを読んだり、もともと古代ローマやギリシャに興味があったこともあり、
西洋美術史を流れや時代背景とともに理解したいなーと買った1冊。
簡素化されていたけど、思ったより知りたいことが知れて面白かった！
