秋元雄史のレビュー一覧
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ネタバレ凄かった！ライターをしていた著者が、ベネッセの学芸員として採用され、直島に現代アートを展開する経緯が克明に語られる。当初からの計画ではなく、いろいろな制約を受ける中で突破していくうちに美術館の外側にも展開し、島全体に及んでいったものだったとは。圧巻なのは最終に近い、地中美術館を生み出していくくだり。著者は途中、直島でやっていることの説明として、キュレーター中心からアーティスト中心への変化を語っていたが、地中美術館はキュレーターである著者も作品を読み込み、それに相応しい場所を創造し、ほぼ同じアーティストとして（もしくはアーティスト、建築家とがっぷり四つに組んで）生み出したものであると言えるだろう。凄まじい創造のエネルギーを文中からも感じた。福武氏との緊張感のある相剋も描かれ、読み応えがあった。直島のアート作品が生み出された経緯もわかり、ますます直島に行ってみたくなった。ライターの経験がある著者の文章は、臨場感あふれてぐいぐい読めるしわかりやすい。ミュージアムを作る時、展示を作る時に何を考えて作るのかについても明快に語られており、参考になった。
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人間は、社会の成熟の中で作られた概念を通して世界を見ている。アートシンキングには、ありのままの身体感覚で接することが必要。
AIは言葉の意味がわからない「シンボルグラウンディング問題」がある。身体性がないと言葉と現実の物事を結び付けれない。身体性がフレーム問題も解決しうる。
アートに触れて感動した時、アーティストが見た世界を追体験している。
人間は、自分の認知の範囲内で世界を理解する。アートは認知が完全でない、「わかる」部分と「わからない」部分を整理して、「すべてがわかったわけではない」と考えて、「わからない部分には、自分の知らない、なにがあるのか？」と思わせてくれるため役に立つ。
デザイナーは自分の外部にある課題と向き合う、アーティストは内側にある課題と向き合う。
アートは過去のフレームを破壊したうえで、新たなフレームを作り出し、時代やパラダイムを進めていく作業と言える。
新たなフレームを作り上げる時にマーケティングは役に立たない。なぜならアートは市場ではなく常に自分の中にあるものだから。
スティーブ・ジョブズ「顧客が今後、何を望むか、顧客より先につかむのが仕事」
日本美術の根幹に流れているのは「継承の歴史」継承の文化感がイノベーションを妨げているのかもしれない。
アートの本質的な価値とは、見る人の感情や精神を揺さぶり、生きている意味を肯定するものであり、もしかすると宗教に近いものかもしれない。
「いい作品には幾重にも意味を読み込める多重性がある」
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今年の夏休みに直島を訪れた際に感銘を受け、アートの島がどのように形成されたのか興味をもちこの本を手に取った。
期待通り、直島が瀬戸内の小島から現代アートの聖地と呼ばれるまでに変貌を遂げていく様子が現場のアートディレクターという立場から臨場感をもって描かれておりとても面白かった。福武さん、安藤さんやアーティストたちといった主要プレーヤーを繋ぎ、支える著者の働きがあったからこそ直島はここまで変われたのだろう。
現代アート市場の交渉現場や、タレル、デマリアなど直島に作品を展示するアーティストのリアルな姿などアートシーンの記述も興味深かった。
直島を訪れた方、これから訪れる方にぜひお薦めしたい本。 -
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デザイン思考とアート思考は異なる
デザイン思考は、自分がどうしたいかではなく、顧客のベネフィットのためにはどうすれば良いかをロジカルに考えるもの
アート思考は、「何が問題なのか」という問いから始める
自然界には線も丸も遠近法もない。人間が世界を視覚認識で、捉えるために生み出した方法にすぎない。
問いを見つけるセンスは、まずは自分の曇った眼を取り除くこと。
視覚機関は教育されやすく、文化的な影響を受けやすい
現代アートの鑑賞の基本は、感じるとともに考えろ
「今を最優先して時代をテーマにしていること」
「目の前のモノとそれが指し示す意味内容には、ある距離、あるいは断絶があり、そこに様々な意味が流れ込んでいるということ」
インパクト
コンセプト
レイヤー
アンディウォーホル
「人が美術品として買うなら、それは美術品だ」
デュシャンは既存の芸を否定し、ウォーホルはその境界を破壊した -
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ネタバレ■読む前の準備
・デザイン思考がビジネスシーンに通ずる普遍的考え方であるという理解でいたが、正直、アートとデザインの明確な違いが分からなかったことから、アート思考に特化した本書を読みたいと思った。
・美術・芸術がビジネスパーソンに好まれていることから、これまで理解の無かったその教養に馴染む示唆としたかったため。
■読んだ後の理想の姿
・ビジネスシーンにおいて、何が物事の本質で何が課題なのかを見極められるようになりたい。
・また、この読書をきっかけに美術館やアート教室に通ったりし、さらにアートに関するスキルや教養を向上させていきたい。
■エッセンス
・デザイン思考は、顧客側のニーズに寄り添い、顧客側が抱く課題深掘りし、解決する、課題解決型の思考。
・アート思考は、主体から外界に対して“問いかけ”を発見する、いわゆる問題提起型の思考。
・課題発見⇨課題解決という一連のプロセスの前車にアート思考が該当することから、両者は切り離せない。
・アーティストは通状の人よりも早く世の中への問いかけに気づくことから、しばし世の中が同じ問いかけに気付くまでにはタイムラグがある。（ゴッホやピカソの価値が後から称賛されるかのように）
・つまり、現代美術には、これからの未来で人々が感じる問いかけや課題が、アーティストによって示されている。
・顧客が望むものを提供しろという人もいるが、顧客が“今後”何を望むようになるのか、それを顧客より早く掴むこと。
・禅は大きな思想と日常のギャップを埋め、両立を目指して日々の修行＝聖気圧を送る実践の宗教。
■行動アクション
・イノベーションが起きるのは問いかけ・問題提起から始めること。つまり誰も気づいていない世の中の違和感に、いかに早く気づき、課題解決まで持っていけるか。
・まずは美術館に行ったりしてアートに触れ、作品の中にどう問いかけがされているかを見つける訓練をする。
・アーティストで問いかけている人を見つける。歌とかもそうじゃないか？実はすでに問いかけられまくっているが、何を言っているか理解できない人もいる。
・世の中で今後何が望まれるようになるかを考えること。「それ欲しかったんだよね！でも言葉に表せなかったというものを探す」
・禅の教室に行ってみる。体験してみる。
■読み終えて変わったこと -
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あれは2000年か2001年だった。かねてから興味を持っていた直島を知人の紹介で訪問し、全くの素人ながら、現代アートの島に激しい衝撃を受けた。本書に登場した地元の菊田さんに案内してもらい、恐らく秋元氏にも会っていたのではないか。本村地区の家プロジェクトは、開館時間を過ぎていたのに、案内いただき、そこには福武夫人もいらっしゃった。最も印象に残ったのは、安藤忠雄建築でジェームズ・タレル作品の南寺である。暗闇に案内され、待つこと15分、微かな光を認識するようになると見えてくるアートに、完全に心を奪われた。そして翌日に大阪に行くと、梅田茶屋町で真っ白なスーツ姿の安藤忠雄氏に遭遇。以来、ずっと直島が自分の現代アート鑑賞の基準である。
本書で直島が形作られる様を知り、秋元氏の普遍性とは独自性である、との言葉が沁みた。
知己のルクセンブルクの弁護士が新婚旅行で直島に行ったというほど、メジャーな存在となった直島。天邪鬼としては、盛り上がりが治った頃に、再訪して地中美術館を訪れたい。
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ネタバレアートは1日にしてならず。
IGで紹介されていて気になっていた本。
瀬戸内海の離島の中では、豊島に訪れたことがあり、直島には行ったことがなかった。
直島の作品を知らずに読んだので、作品を観に行ってから再読しても面白いかもしれない。
佐渡ヶ島に向かう新幹線とフェリーの中で前半を読んだ。
だいぶ大ざっぱな括りだけど、同じ「離島」に向かう旅のお供としてぴったりだった。
（旅のお供の本選びって難しいけど、今回は正解だった！）
（同じ日本国内でも、船で向かう場所って非日常だからかわくわくして、いつも以上に旅気分になるからか、離島に行くのが好き。）
絵をひたすら描くと、「視覚」で絵画を見ることができるという。描いてきた経験から「視覚」を得て、新たな見方ができるんだろうな。「視覚」で見れるようになってみたい。まあ、「視覚」で見なくても、だいぶ楽しいけれど。（p.38-40）
“現代アートは、アーティストの感性を通じて時代の価値観や空気感を、ある意味では予言的に感じることができるものだ"（p.78）とあるとおり、p.133-に書かれている『トランスカルチャー』展は、1995年にすでに時代を先取りしたものだった。直近の横浜トリエンナーレ（2024年開催）で観た展示たちも、そのときのわたしには理解し難かったものがあったけど、数年後、理解できるようになるのかな。
アースワークアーティストは、理想のアートのために、牧場経営もする！（p.257）生活なのか、アートなのか、その区別もないのかもしれない。面白い。
"世のなかは金と集団主義が支配しており、芸術などというものは眼中にない"（p.372-）本当にそのとおり。でも、そんな世の中に辟易したとき、救いの場として芸術を観れる場所があってほしいと思う。著者は宗教的とも書いてあるけど、まさにそのとおり、そこに行けば心が洗われて開放される。観に訪れることができる場所があり続けてほしい。
最近、たくさんの美術館を訪れているけれど、わたしが好きなのは自然（山や緑）であることがわかった。箱根の彫刻の森美術館や、ポーラ美術館の遊歩道など、自然の中にあるアート作品を観るのが特に好き。
直島にも行ってみたい。豊島には高松港から行ったので、直島に行くときは岡山県から行く。 -
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「アーティストは炭鉱のカナリアのようだ」17
現代アートが生まれたのは第一次対戦大。価値観が崩壊して生まれた。モネは現代アート前の画家どあり、個人用に小さな作品しか作らなかったが、大戦後、「多くの人々の心を癒す」に目覚め、晩年をオランジェリー美術館の巨大絵画制作につぎ込んだ24
現代アートとは「芸術は社会と向き合うもの」というスタンスのアート26
単なる装飾や鑑賞物ではなく、今を生きる私たちの「社会現象を考える」ことが、今現代アートを観る醍醐味。それを楽しむためには、もはや美術史や美学といった知識よりも、むしろ社会学や政治学、あるいは人類学などの文脈が必要になってきている37
アートは非営利の文化活動であると同時に、資本主義の中では「金融商品」のように流通している現状がある42
ミリオネアはアート市場の主要な顧客。2000年からの20年間で世界のミリオネアの数は４倍に増えた。しかし物故作家や歴史的価値のある作品、「市場価値をもつ商品」の流通量は限られている。そこで美術マーケットは「現代アート」に目を向けた。現在アートならば作家は生きており、どんどん作品を「増産」できるからだ54
プライマリでは「より多くの人に作品を知ってもらう」目的のため価格は抑えられている。しかしこの作品がセカンダリに行くと価格が桁違いに高くなる。さらに値上がりを期待してセカンダリ市場では売買が加熱し価格はどんどんはね上がる。最近では購入希望者（投資家）は儲けを期待してプライマリでの「買い占め」まで起きている55
有名なバンクシーの作品は2004年当初1万5千円で販売されていた。これば2018年に２億１千万、ニュースになった「オークション細切れ事件」後は29億円になった。56
当初プライマリ（画廊）とセカンダリ（オークション）は利益相反する関係だった。ところが2010年頃から両者は手を組み始めた。すると、よりプライマリ市場で購入する者があふれた。その中には転売ヤーのように作品には全く興味がなく売却益だけ求める「ファンド系投機筋」的人間が現れた。
プライマリ側はこのような人間に購入されないように「10年は作品売買禁止」の同意書を用意したが、法的拘束力はなく、お構い無しに売買する猛者もいる59
アート市場はプライマリ（ギャラリー）とセカンダリ（オークション）だけではなく「美術館」も特別な存在。美術館は公的な機関であり、作品評価をする部門でもある。したがって美術館は「機関投資家」であり「銘柄格付け機関」である60
アメリカの美術館の館長の最も大切な仕事は２つ。今の時代を切り開くクリエイティブな経営と、最も重要なのはスポンサー作り。資金集め。そのため館長がまず魅力的な人間であることが必要62
アートはここ数十年、アートインダストリーと呼ばれるくらいビジネス化した。ビジネス化は2010年代ころから加速。株や金と同様の動産として、資産形成のアイテムとしてポートフォリオ入りした。美術品の値段はロングスパンで見ると常に右肩上がりで、2000年以降は2200%の成長。歴史的に評価されている作品だあれば超安定商品。また作品ばローカルなものでなくグローバルな作品であれば、国の景気に影響されず安定している。68
アートには一度途切れてしまった歴史の線を、結び直す力がある99
SDGsのような「多様性と包摂」が広く知られ、国際的な枠組みとして整備もされたのは、アートが長年にわたり、社会の周辺を可視化し続けたことが貢献しついる112
アーティストが普遍的に「売れる」状態になる法則がある。それは時間とともに「アクが抜ける」が起こること。草間彌生やルイーズブルジョアは、その幻視体験や精神不安、トラウマが色濃く出た興味深い作風だが、初期はグロテスクだった。これが年を重ねアクが抜け社会性を帯び、直島のカボチャや六本木のママンのような「ちょっとかわいい」になり大衆化が起こって売れた149
他の商品とアートの価格形成の違いは、その作品がもつ独創性や普遍性という数値化出来ない要素があるから163
またアートは「お札」のようでもある。それ自体に「使用価値」はほぼ無いが、国家の代わりに市場が保証する「交換価値」により存在する166
「高額な作品」を買った人物は知性や経済力、美意識を持った「名士」になれる。そのため高額なほど価値が上がる。2817年サザビーズで前澤友作氏はバスキアの作品を123億円で落札した。彼は「あのバスキアの作品名を史上最高値で購入した初のアジア人」という称号を得た名士になった174
「日本ではアートと経済が分断されている」と言われている198
世界ではアートを買い支える富豪たちがいるが、日本にはいない。日本ではアーティストか買い支えている。村上隆司は現代美術から曾我蕭白までコレクション。杉本博司は私財をなげうって江ノ浦観測所を作った。彼らは「日本文化を支えなければならない」と言っている。残念なことに日本の経営者にはこういう気概や危機感を持つ者がいない。217
日本が世界から評価されたアート形態は「具体」と「もの派」
ビートたけしやドリフ、吉本興業の笑いは日本のアートから生まれた。ハイレッドセンターのパフォーマンス（東京五輪のため強引な美観作りを皮肉って、白衣を着て街を無意味に消毒する）の無意味さ、ナンセンスさ、これなどが元になった。
日本のお笑いは奇妙なほど現代アートに近い。私たちは知らず知らずの間に現代アートを受け入れてる226
海外でブレイクする可能性がある日本のアートは「マンガ」と「工芸」だ。
これを国の文化政策で行うべき。国立美術館に「建築」「デザイン」「マンガ」「工芸」の総合部門を設けるべき229
［感想］藁の作品には具体美術協会の「アートの破壊」、もの派の「マテリアルそのもの。完成から崩壊が始まる」、建築の「ノウハウ、物理的大きさ」、マンガ・デザインの「hawaii」、工芸の「精巧と繊細」、日本社会の「協働」が全て宿っている。
今や作家はただ「つくる人」ではなく「語る人」としての側面を持つことも求められる。現在世界で活躍している作家は例外なく高度なコミュニケーション能力を持っている245
ギャラリーのオープニングパーティーの後の「食事会」は貴重な機会。作家から貴重な話が聞ける248
縄文土器を「美しい」「かわいい」という視点で観られるのは、岡本太郎が1952年に縄文土器の論文を美術雑誌に寄稿したことにより始まった266 -
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